Mityba ir sportas 

Šiuolaikiniai japonų menininkai. Japonų tapyba

Yayoi Kusama vargu ar galės atsakyti, kas sudarė jos, kaip menininkės, karjeros pagrindą. Jai 87 metai, jos menas pripažintas visame pasaulyje. Netrukus JAV ir Japonijoje bus surengtos didelės jos darbų parodos, tačiau pasauliui ji dar visko nepapasakojo. „Tai vis dar pakeliui. Ateityje ketinu tai sukurti“, – sako Kusama. Ji vadinama sėkmingiausia Japonijos menininke. Be to, ji yra brangiausiai gyvenanti menininkė: 2014 metais jos paveikslas „Baltas Nr. 28“ buvo parduotas už 7,1 mln.

Kusama gyvena Tokijuje ir jau beveik keturiasdešimt metų savanoriškai guli psichiatrinėje ligoninėje. Kartą per dieną ji palieka sienas dažyti. Ji keliasi trečią valandą nakties, negali užmigti ir nori gerai išnaudoti savo laiką darbe. „Dabar esu senas, bet vis tiek kursiu daugiau darbų ir geriausias darbas. Daugiau nei aš padariau praeityje. Mano galvoje pilna nuotraukų“, – sako ji.

(Iš viso 17 nuotraukų)

Yayoi Kusama savo darbų parodoje Londone 1985 m. Nuotrauka: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

Nuo devintos iki šeštos Kusama dirba savo trijų aukštų studijoje nesikeldamas neįgaliųjų vežimėlis. Ji gali vaikščioti, bet yra per silpna. Moteris dirba ant drobės, išdėliotos ant stalų arba pritvirtintos ant grindų. Studijoje gausu naujų paveikslų, ryškių, smulkiais taškeliais išmargintų darbų. Menininkė tai vadina „savęs nutildymu“ – begaliniu kartojimu, kuris užgožia triukšmą jos galvoje.

Prieš 2006 m. Praemium Imperiale meno apdovanojimus Tokijuje. Nuotrauka: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

Kitoje gatvės pusėje bus atidaryta nauja galerija, o į šiaurę nuo Tokijo statomas kitas jos meno muziejus. Be to, atidaromos dvi didelės jos darbų parodos. „Yayoi Kusama: Infinite Mirrors“ – jos 65 metų karjeros retrospektyva, vasario 23 d. atidaryta Hirshhorno muziejuje Vašingtone ir veiks iki gegužės 14 d., o vėliau keliaus į Sietlą, Los Andželą, Torontą ir Klivlandą. Ekspozicijoje – 60 Kusamos paveikslų.

Jos žirniai dengia viską nuo suknelių Louis Vuittonį autobusus Gimtasis miestas. Kusamos darbai nuolat parduodami už milijonus dolerių ir randami visame pasaulyje – nuo ​​Niujorko iki Amsterdamo. Japonų menininko darbų parodos yra tokios populiarios, kad reikia imtis priemonių užkirsti kelią spūstims ir riaušėms. Pavyzdžiui, Hirschhorn parodoje bilietai parduodami tam tikram laikui, siekiant kažkaip reguliuoti lankytojų srautus.

Louis Vuitton ir Yayoi Kusama bendro dizaino pristatymas Niujorke 2012 m. Nuotrauka: Billy Farrell agentūra/REX/Shutterstock

Tačiau Kusamai vis tiek reikia patvirtinimo iš išorės. Viename interviu paklausta, ar prieš kelis dešimtmečius pasiekė savo tikslą tapti turtinga ir žinoma, ji nustebusi atsakė: „Kai buvau maža, man buvo labai sunku įtikinti mamą, kad noriu tapti menininke. Ar tikrai tiesa, kad esu turtingas ir garsus?

Kusama gimė Matsumoto mieste, Centrinės Japonijos kalnuose, 1929 metais turtingoje ir konservatyvioje šeimoje, prekiaujančioje sodinukais. Bet tai nebuvo laimingas namas. Jos mama niekino savo apgaudinėjantį vyrą ir nusiuntė mažąjį Kusamą jo šnipinėti. Mergina matė savo tėvą su kitomis moterimis, ir tai sukėlė joje visą gyvenimą trunkantį nepasitenkinimą seksu.

„Louis Vuitton“ vitriną sukūrė Kusama 2012 m. Nuotrauka: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

Vaikystėje ji pradėjo patirti regos ir klausos haliucinacijas. Pirmą kartą pamačiusi moliūgą, ji įsivaizdavo, kad jis kalbasi su ja. Būsimoji menininkė su vizijomis susidorojo kurdama pasikartojančius raštus, kad užgožtų mintis galvoje. Net tokiame jauname amžiuje menas jai tapo savotiška terapija, kurią vėliau ji pavadins „meno medicina“.

Muziejuje eksponuojami Yayoi Kusamos darbai šiuolaikinis menas Whitney 2012 m. Nuotrauka: Billy Farrell agentūra/REX/Shutterstock

Kusamos mama griežtai priešinosi dukters norui tapti menininke ir reikalavo, kad mergina eitų tradiciniu keliu. „Ji neleido man piešti. Ji norėjo, kad ištekėčiau“, – viename interviu sakė atlikėja. Ji išmetė mano darbą. Norėjau mesti po traukiniu. Kiekvieną dieną kovojau su mama, todėl mano protas buvo pažeistas.

1948 m., pasibaigus karui, Kusama išvyko į Kiotą studijuoti tradicinės japonų nihonga tapybos pagal griežtas taisykles. Ji nekentė šios meno formos.

Vienas iš Yayoi Kusamos parodos eksponatų Whitney modernaus meno muziejuje 2012 m. Nuotrauka: Billy Farrell agentūra/REX/Shutterstock

Kai Kusama gyveno Matsumote, ji rado Georgia O'Keeffe knygą ir buvo nustebinta jos paveikslų. Mergina nuvyko į Amerikos ambasadą Tokijuje, kad kataloge rastų straipsnį apie O'Keeffe ir sužinotų savo adresą. Kusama parašė jai laišką ir atsiuntė keletą piešinių, o jos nuostabai, amerikiečių menininkas jai atsakė.

„Negalėjau patikėti savo sėkme! Ji buvo tokia maloni, kad reagavo į staiga užplūdusį kuklios jausmų proveržį japonų merginos, kurio ji niekada gyvenime nebuvo sutikusi ar net girdėjusi“, – savo autobiografijoje „Infinity Net“ rašė atlikėja.

Yayoi Kusama lange, kurį ji sukūrė Louis Vuitton Niujorke 2012 m. Nuotrauka: Nilsas Jorgensenas/REX/Shutterstock

Nepaisant O'Keeffe perspėjimų, kad jauniems atlikėjams JAV sekasi sunkiai, jau nekalbant apie jaunas vienišas merginas iš Japonijos, Kusama buvo nesustabdoma. 1957 metais jai pavyko gauti pasą ir vizą. Ji pasiuvo dolerius į savo sukneles, kad išvengtų griežtos pokario valiutos kontrolės.

Pirmoji stotelė buvo Sietlas, kur ji surengė parodą nedidelėje galerijoje. Tada Kusama išvyko į Niujorką, kur buvo skaudžiai nusivylusi. „Skirtingai nuo pokario Matsumoto, Niujorkas visais atžvilgiais buvo pikta ir smurtinga vieta. Man tai buvo per daug įtempta, greitai įklimpau į neurozę. Dar blogiau, Kusama atsidūrė visiškame skurde. Senos durys jai tarnavo kaip lova, ir ji iš šiukšlių dėžių gaudė žuvų galvas ir supuvusias daržoves, kad iš jų ruoštų sriubą.

Instaliacija „Infinity Mirror Room – Love Forever“ („Kambarys su begalybės veidrodžiais – meilė amžinai“). Nuotrauka: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

Ši sunki situacija paskatino Kusamą dar labiau pasinerti į savo darbą. Ji pradėjo kurti savo pirmuosius paveikslus serijoje „Infinity Web“, padengdama didžiules drobes (viena iš jų siekė 10 metrų aukštį) užburiančiomis mažų kilpelių bangomis, kurios, atrodė, niekada nesibaigs. Pati menininkė juos apibūdino taip: „Balti tinklai apgaubia juodus tylios mirties taškelius beviltiškos nebūties tamsos fone“.

Yayoi Kusama instaliacija atidarant naują šiuolaikinio meno muziejaus garažą Gorkio centriniame kultūros ir kultūros parke Maskvoje 2015 m. Nuotrauka: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

Šis įkyrus kartojimas padėjo nuvyti neurozę, bet ne visada gelbėjo. Kusama nuolat kentėjo nuo psichozės priepuolių ir atsidūrė Niujorko ligoninėje. Ambicinga, ryžtinga ir laimingai prisiimanti egzotiškos azijietės, vilkinčios kimono, vaidmenį, ji prisijungė prie įtakingų meno žmonių minios ir bendravo su tokiais pripažintais menininkais kaip Markas Rothko ir Andy Warholas. Vėliau Kusama sakė, kad Warholas imitavo jos darbą.

Kusama netrukus įgijo tam tikrą šlovę ir eksponavo perpildytose galerijose. Be to, menininko šlovė tapo skandalinga.

1960-aisiais, kai Kusama buvo apsėsta taškelių rašto, ji pradėjo rengti renginius Niujorke: provokavo žmones nusirengti tokiose vietose kaip. centrinis parkas ir Bruklino tiltą, o jų kūnus išdažė taškeliais.

Peržiūrėta 2013 m. „Art Basel Hong Kong“. Nuotrauka: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

Dešimtmečius iki judėjimo „Occupy Wall Street“ atsiradimo Kusama Niujorko finansiniame rajone surengė įvykį, sakydama, kad nori „sunaikinti Volstryto vyrus taškeliais“. Maždaug tuo pačiu metu ji fališkai atrodančiais iškilimais pradėjo dengti įvairius daiktus – kėdę, valtį, vežimą. „Pradėjau kurti penius, kad išgydyčiau savo pasibjaurėjimą seksu“, – rašė menininkas, apibūdindamas, kaip šis kūrybinis procesas siaubingumą pamažu pavertė kažkuo pažįstamu.

„Pass Winter“ instaliacija Tate galerijoje Londone. Nuotrauka: James Gourley/REX/Shutterstock

Kusama niekada nebuvo ištekėjusi, nors gyvendama Niujorke su menininku Josephu Cornellu palaikė santuokinius santykius dešimt metų. „Man nepatiko seksas, o jis buvo impotentas, todėl buvome vienas kitam labai geri“, – sakė ji interviu žurnalui „Art Magazine“.

Kusama vis labiau išgarsėjo savo išdaigomis: ji pasiūlė pernakvoti su JAV prezidentu Richardu Niksonu, jei šis baigs Vietnamo karą. „Papuoškime vieni kitus taškeliais“, – rašė ji jam laiške. Susidomėjimas jos menu išblėso, ji iškrito iš palankumo ir vėl prasidėjo pinigų problemos.

Yayoi Kusama per savo darbo retrospektyvą Whitney modernaus meno muziejuje Niujorke 2012 m. Nuotrauka: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

Žinia apie Kusamos pabėgimus pasiekė Japoniją. Ją imta vadinti „nacionaline nelaime“, o mama sakė, kad būtų geriau, jei dukra būtų mirusi nuo ligos vaikystėje. Aštuntojo dešimtmečio pradžioje nuskurdęs ir nesėkmingas Kusama grįžo į Japoniją. Ji buvo užregistruota psichiatrinėje ligoninėje, kurioje gyvena iki šiol, ir paskendo meno nežinomybėje.

1989 m. Niujorko Šiuolaikinio meno centre buvo surengta jos kūrybos retrospektyva. Tai buvo lėto, bet susidomėjimo Kusamos menu pradžia. Ji užpildė veidrodinį kambarį moliūgais instaliacijai, kuri buvo rodoma Venecijos bienalė 1993 m., o 1998 m didžioji paroda MoMA modernaus meno muziejuje Niujorke. Būtent čia ji kartą surengė įvykį.

Parodoje Mano amžinoji siela m Nacionalinis centras menas Tokijuje, 2017 m. vasario mėn. Nuotrauka: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Per pastaruosius kelerius metus Yayoi Kusama tapo tarptautiniu reiškiniu. Šiuolaikinė galerija Tate'as Londone ir Whitney muziejus Niujorke surengė didžiules retrospektyvas, kurios pritraukė didžiules minias ir padarė jos ikoninį taškinį raštą labai atpažįstamą.

Parodoje „Mano amžinoji siela“ Nacionaliniame meno centre Tokijuje 2017 m. vasario mėn. Nuotrauka: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Menininkė nesiruošia nustoti dirbti, tačiau pradėjo galvoti apie savo mirtingumą. „Nežinau, kiek galiu išgyventi net po mirties. Yra ateities karta, kuri seka mano pėdomis. Man bus didelė garbė, jei žmonėms patiks žiūrėti į mano darbus ir jei juos sujaudins mano menas.

Parodoje „Mano amžinoji siela“ Nacionaliniame meno centre Tokijuje 2017 m. vasario mėn. Nuotrauka: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Nepaisant savo meno komercializavimo, Kusama galvoja apie kapą Matsumote – ne šeimos skliaute, kurį ji jau paveldėjo iš savo tėvų – ir kaip jo nepaversti šventove. „Bet aš dar nemirštu. Manau, kad gyvensiu dar 20 metų“, – sako ji.

Parodoje „Mano amžinoji siela“ Nacionaliniame meno centre Tokijuje 2017 m. vasario mėn. Nuotrauka: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Kuris apima daugybę technikų ir stilių. Per savo istoriją ji patyrė daugybę pokyčių. Atsirado naujų tradicijų ir žanrų, išliko pirminiai japoniški principai. Kartu su nuostabia Japonijos istorija paveikslas taip pat paruoštas pateikti daug unikalių ir įdomių faktų.

senovės japonija

Pirmieji stiliai atsiranda seniausiuose istorinis laikotarpisšalyse iki pr. Kr. e. Tada menas buvo gana primityvus. Pirma, 300 m.pr.Kr. e., buvo įvairių geometrines figūras kurie buvo gaminami ant keramikos su pagaliukais. Toks archeologų radinys kaip ornamentas ant bronzinių varpų priklauso vėlesniam laikui.

Kiek vėliau, jau 300 m. e., atsiranda urvų paveikslai, kurie yra daug įvairesni geometrinis ornamentas. Tai jau pilnaverčiai vaizdai su vaizdais. Jie buvo rasti kriptų viduje ir tikriausiai šiose kapinėse buvo palaidoti ant jų piešti žmonės.

VII amžiuje prieš Kristų e. Japonija priima scenarijų, kilusį iš Kinijos. Maždaug tuo pačiu metu iš ten atkeliauja ir pirmieji paveikslai. Tada tapyba atsiranda kaip atskira meno sritis.

Edo

Edo toli gražu ne pirmas ir ne paskutinis paveikslas, tačiau būtent ji į kultūrą atnešė daug naujo. Pirma, tai yra ryškumas ir blizgesys, kurie buvo pridėti prie įprastos technikos, atliekamos juodais ir pilkais tonais. Dauguma iškilus menininkasŠis stilius laikomas Sotasu. Jis kūrė klasikinius paveikslus, bet jo personažai buvo labai spalvingi. Vėliau jis perėjo į gamtą, o dauguma peizažų buvo sukurti auksavimo fone.

Antra, Edo laikotarpiu atsirado egzotika, nambano žanras. Jame buvo naudojamos šiuolaikinės europietiškos ir kiniškos technikos, kurios persipynė su tradiciniais japonų stiliais.

Ir trečia, atsiranda Nang mokykla. Jame menininkai pirmiausia visiškai imituoja ar net kopijuoja Kinijos meistrų darbus. Tada atsiranda nauja šaka, kuri vadinama bunjing.

Modernizacijos laikotarpis

Edo laikotarpis pakeičia Meiji ir dabar japonų tapyba priverstas eiti į naujas etapas plėtra. Tuo metu visame pasaulyje populiarėjo tokie žanrai kaip vesternas ir panašiai, todėl meno modernizavimas tapo įprasta situacija. Tačiau Japonijoje, šalyje, kurioje visi žmonės gerbia tradicijas duotas laikas viskas labai skyrėsi nuo to, kas vyko kitose šalyse. Čia konkurencija tarp Europos ir vietos technikų smarkiai įsiliepsnoja.

Vyriausybė šiuo metu teikia pirmenybę jauniems menininkams, kurie rodo didelį pažadą tobulinti savo įgūdžius Vakarų stiliuose. Todėl jie siunčia juos į Europos ir Amerikos mokyklas.

Tačiau tai buvo tik laikotarpio pradžioje. Faktas yra tai, kad žinomi kritikai gana griežtai kritikavo vakarų menas. Siekiant išvengti didelio ažiotažo šia tema, europietiški stiliai ir technikos buvo pradėti drausti parodose, sustabdytas jų demonstravimas ir populiarumas.

Europos stilių atsiradimas

Tada ateina Taisho laikotarpis. Šiuo metu jaunieji menininkai, išvykę studijuoti užsienio mokyklos grįžti į tėvynę. Natūralu, kad jie atsineša naujų japonų tapybos stilių, kurie labai panašūs į europietiškuosius. Atsiranda impresionizmas ir postimpresionizmas.

Šiame etape formuojasi daug mokyklų, kuriose senovės japonų stiliai. Bet visiškai atsikratyti vakarietiškų tendencijų neįmanoma. Todėl norint įtikti tiek klasikos mylėtojams, tiek šiuolaikinės Europos tapybos gerbėjams, būtina derinti keletą technikų.

Kai kurios mokyklos yra finansuojamos valstybės lėšomis, kurios dėka išsaugoma daug tautinių tradicijų. Kita vertus, privatūs prekeiviai priversti sekti vartotojų, kurie nori kažko naujo, pavyzdžiu, pavargę nuo klasikos.

Antrojo pasaulinio karo tapyba

Prasidėjus karui, japonų tapyba kurį laiką liko nuošali nuo įvykių. Jis vystėsi atskirai ir nepriklausomai. Bet tai negalėjo tęstis amžinai.

Laikui bėgant, prastėjant politinei situacijai šalyje, aukšti ir gerbiami veikėjai pritraukia daugybę menininkų. Kai kurie iš jų net karo pradžioje pradeda kurti patriotiškais stiliais. Likusieji šį procesą pradeda tik valdžios nurodymu.

Atitinkamai japonų str Antrojo pasaulinio karo metais buvo nepajėgus. Todėl dažymui jis gali būti vadinamas sustingusiu.

Amžinas Suibokuga

Japonų sumi-e tapyba, arba suibokuga, reiškia „piešinys rašalu“. Tai lemia šio meno stilių ir techniką. Jis atkeliavo iš Kinijos, tačiau japonai nusprendė suteikti jam savo pavadinimą. Ir iš pradžių technika neturėjo jokios estetinės pusės. Jį vienuoliai naudojo savęs tobulinimui studijuodami dzen. Be to, iš pradžių jie piešė paveikslus, o vėliau lavino susikaupimą juos žiūrėdami. Vienuoliai tikėjo, kad griežtos linijos, neaiškūs tonai ir šešėliai padeda tobulėti – visa tai vadinama vienspalviu.

Japoniška tapyba tušu, nepaisant daugybės paveikslų ir technikų įvairovės, nėra tokia sudėtinga, kaip gali pasirodyti iš pirmo žvilgsnio. Jis pagrįstas tik 4 sklypais:

  1. Chrizantema.
  2. Orchidėja.
  3. Slyvos šakelė.
  4. Bambukas.

Mažas sklypų skaičius nelemia technologijų plėtros sparčiai. Kai kurie meistrai mano, kad mokymasis trunka visą gyvenimą.

Nepaisant to, kad sumi-e pasirodė seniai, jis visada yra paklausus. Be to, šiandien šios mokyklos meistrus galite sutikti ne tik Japonijoje, ji plačiai paplitusi ir toli už jos sienų.

Šiuolaikinis laikotarpis

Pasibaigus Antrajam pasauliniam karui, menas Japonijoje suklestėjo tik m didieji miestai, kaimo ir kaimo gyventojams užteko rūpesčių. Dažniausiai menininkai stengėsi atsukti nugarą nuo karo nuostolių ir šiuolaikinį miesto gyvenimą su visomis puošmenomis bei bruožais pavaizduoti ant drobės. Europos ir Amerikos idėjos buvo sėkmingai perimtos, tačiau tokia padėtis truko neilgai. Daugelis meistrų pradėjo palaipsniui tolti nuo jų į japonų mokyklas.

Visada išliko madinga. Todėl šiuolaikinė japonų tapyba gali skirtis tik atlikimo technika arba procese naudojamomis medžiagomis. Tačiau dauguma menininkų prastai suvokia įvairias naujoves.

Reikėtų pažymėti madingas šiuolaikines subkultūras, tokias kaip anime ir panašūs stiliai. Daugelis menininkų bando panaikinti ribą tarp klasikos ir to, kas šiandien yra paklausa. Daugeliu atvejų tokia padėtis yra susijusi su prekyba. Klasika ir tradiciniai žanrai realiai neperkami, todėl dirbti mėgstamo žanro menininku neapsimoka, reikia prisitaikyti prie mados.

Išvada

Be jokios abejonės, japonų tapyba yra vaizduojamojo meno lobis. Galbūt aptariama šalis liko vienintelė, kuri nesekė vakarietiškų tendencijų, neprisitaiko prie mados. Nepaisant daugybės smūgių atsiradus naujoms technikoms, Japonijos menininkai vis tiek sugebėjo apsiginti tautines tradicijas daugelyje žanrų. Tikriausiai todėl šiais laikais parodose itin vertinami klasikinio stiliaus paveikslai.

Japonų klasikinė tapyba turi ilgą ir įdomi istorija. Japonijos vaizduojamieji menai yra atstovaujami skirtingų stilių ir žanrai, kurių kiekvienas yra savaip unikalus. Senovinės tapytos figūrėlės ir geometriniai motyvai, rasti ant dotaku bronzinių varpų ir keramikos šukių, datuojami 300 m. po Kr.

Budistinė meno orientacija

Japonijoje menas buvo gana gerai išvystytas. sienų tapyba, VI amžiuje ypač populiarūs buvo vaizdiniai budizmo filosofijos tema. Tuo metu šalyje buvo statomos didelės šventyklos, kurių sienas visur puošė pagal budizmo mitų ir legendų siužetus nutapytos freskos. Iki šiol šalia Japonijos Naros miesto esančioje Horyuji šventykloje buvo saugomi senoviniai sienų tapybos pavyzdžiai. Horyuji freskose vaizduojamos scenos iš Budos ir kitų dievų gyvenimo. Šių freskų meninis stilius labai artimas Song dinastijos laikais Kinijoje populiariai vaizdinei koncepcijai.

Vaizdingas Tangų dinastijos stilius ypač išpopuliarėjo Naros laikotarpio viduryje. Takamatsuzukos kape rastos freskos priklauso šiam laikotarpiui ir datuojamos maždaug VII a. Meninė technika, susiformavęs Tangų dinastijos įtakoje, vėliau sudarė kara-e tapybos žanro pagrindą. Šis žanras išlaikė savo populiarumą iki pirmųjų kūrinių yamato-e stiliaus pasirodymo. Dauguma freskų ir tapybinių šedevrų yra nežinomų menininkų, šiandien daugelis to laikotarpio kūrinių saugomi Sesoin lobyne.

Didėjanti naujų budistų mokyklų, tokių kaip Tendai, įtaka VIII ir IX amžiuje paveikė platų religinį Japonijos vizualiųjų menų dėmesį. 10 amžiuje, kai ypač vystėsi japonų budizmas, atsirado raigozu žanras – „sveikiamieji paveikslai“, vaizduojantys Budos atvykimą į Vakarų rojų. Ankstyvuosius raigōzu pavyzdžius, datuojamus 1053 m., galima pamatyti Bedo-in šventykloje, kuri saugoma Uji mieste, Kioto prefektūroje.

Keičiantis stiliams

Heiano laikotarpio viduryje pakeisti Kinijos stilius kara-e ateina yamato-e žanras, kuris ilgą laiką tampa vienu populiariausių ir geidžiamiausių japonų tapybos žanrų. Naujasis vaizdinis stilius daugiausia buvo pritaikytas sulankstomiems ekranams ir stumdomoms durims. Laikui bėgant, yamato-e persikėlė į horizontalius emakimono ritinius. Emaki žanre dirbę menininkai savo darbuose stengėsi perteikti visą pasirinkto siužeto emocionalumą. „Genji monogatari“ ritinys susidėjo iš kelių tarpusavyje sujungtų epizodų, to meto menininkai naudojo greitus potėpius ir ryškias, išraiškingas spalvas.


E-maki yra vienas seniausių ir ryškiausių otoko-e, vyrų portreto žanro, pavyzdžių. Moterų portretai išskiriami kaip atskiras onna-e žanras. Tiesą sakant, tarp šių žanrų, taip pat tarp vyrų ir moterų, yra gana didelių skirtumų. Onna-e stilius spalvingai pateiktas „Pasakos apie Genji“ dizaine, kur pagrindinės piešinių temos – romantiški siužetai, rūmų gyvenimo scenos. Vyriškas stilius otoko-e vyrauja meninis vaizdas istoriniai mūšiai ir kt svarbius įvykius imperijos gyvenime.


Klasikinė japonų meno mokykla tapo palankia dirva Japonijos šiuolaikinio meno idėjoms plėtoti ir propaguoti, kas aiškiai parodo popkultūros ir anime įtaką. Vienas žinomiausių Japonijos menininkai modernumą galima pavadinti Takashi Murakami, kurio kūryba skirta vaizduoti Japonijos gyvenimo scenas pokario laikotarpis ir maksimalios sintezės koncepcijos vaizduojamieji menai ir mainstream.

Iš žymių japonų klasikinės mokyklos menininkų galima paminėti šiuos.

Įtemptas Šubūnas

Shubunas dirbo XV amžiaus pradžioje, daug laiko skirdamas Song dinastijos eros kinų meistrų kūrybai, šis žmogus stovėjo prie japonų kalbos ištakų. puikus žanras. Shubunas laikomas sumi-e, monochrominės tapybos tušu įkūrėju. Jis dėjo daug pastangų populiarindamas naująjį žanrą, paversdamas jį viena iš pirmaujančių japonų tapybos krypčių. Shubuno mokiniai vėliau tapo daugybe žinomų menininkų, įskaitant Sesshu ir garsiosios meno mokyklos Kano Masanobu įkūrėją. Shubunui buvo priskiriama daug peizažų, tačiau garsiausias jo darbas tradiciškai laikomas „Skaitymas bambukų giraitėje“.

Ogata Korin (1658–1716)

Ogata Korin yra viena didžiausių menininkų Japonijos tapybos istorijoje, įkūrėja ir viena iš ryškiausi atstovai rimpa meno stilius. Korinas savo darbuose drąsiai nukrypo nuo tradicinių stereotipų, suformavęs savo stilių, kurio pagrindinės savybės buvo mažos formos ir ryškus siužeto impresionizmas. Korinas yra žinomas dėl savo ypatingų įgūdžių vaizduoti gamtą ir dirbti su abstrakčiomis spalvų kompozicijomis. „Slyvų žiedai raudoni ir balti“ – vienas žinomiausių Ogatos Korino darbų, žinomi ir jo paveikslai „Chrizantemos“, „Macušimos bangos“ ir nemažai kitų.

Hasegawa Tohaku (1539–1610)

Tohaku yra Japonijos meno mokyklos Hasegawa įkūrėjas. Ankstyvajam Tohaku kūrybos laikotarpiui būdinga žinomos japonų tapybos mokyklos įtaka. Kano, tačiau laikui bėgant menininkas suformavo savo unikalų stilių. Daugeliu atžvilgių kūriniai turėjo įtakos Tohaku kūrybai pripažintas meistras Sesshu, Hosegawa netgi laikė save penktuoju šio didžiojo meistro įpėdiniu. gavo Hasegawa Tohaku paveikslą „Pušys“. pasaulinė šlovė, jo darbai „Klevas“, „Pušys ir žydintys augalai" ir kiti.

Kano Eitoku (1543–1590)

Kanō mokyklos stilius Japonijos vaizduojamajame mene dominavo apie keturis šimtmečius, o Kano Eitoku yra bene vienas žinomiausių ir ryškiausių šios meno mokyklos atstovų. Eitoku buvo palankus valdžios, aristokratų ir turtingų mecenatų globa negalėjo neprisidėti prie jo mokyklos stiprinimo ir šio kūrinio populiarumo, be jokios abejonės, labai talentingas menininkas. Aštuonių skydų stumdomas ekranas „Cypress“, nutapytas Eitoku Kano, yra tikras šedevras ir puikus pavyzdys Monoyama stiliaus apimtis ir galia. Ne mažiau įdomiai atrodo ir kiti meistro darbai, tokie kaip „Keturių metų laikų paukščiai ir medžiai“, „Kinų liūtai“, „Atsiskyrėliai ir fėja“ ir daugelis kitų.

Katsushika Hokusai (1760–1849)

Hokusai - didžiausias meistras ukiyo-e (japoniškas medžio raižinys). Hokusai kūryba sulaukė pasaulinio pripažinimo, jo šlovė kitose šalyse neprilygsta daugumos Azijos menininkų populiarumu, jo kūrinys „Didžioji banga prie Kanagavos“ tapo kažkuo panašaus. vizitinė kortelė Japonijos vaizduojamieji menai pasaulio meno scenoje. Pats kūrybinis būdas Hokusai vartojo daugiau nei trisdešimt slapyvardžių, po šešiasdešimties menininkas visiškai atsidėjo menui, būtent šis laikas laikomas vaisingiausiu jo kūrybos periodu. Hokusai kūryba turėjo įtakos Vakarų impresionistų ir postimpresionistų meistrų kūrybai, įskaitant Renoiro, Monet ir van Gogho darbus.


Sveiki, mieli skaitytojai – žinių ir tiesos ieškotojai!

Japonijos menininkai išsiskiria unikaliu stiliumi, kurį ištobulino meistrų kartos. Šiandien kalbėsime apie ryškiausius japonų tapybos atstovus ir jų paveikslus, nuo seniausių laikų iki šių dienų.

Na, pasinerkime į Tekančios saulės šalies meną.

Meno gimimas

Senovinis tapybos menas Japonijoje pirmiausia siejamas su rašymo ypatumais, todėl remiasi kaligrafijos pagrindais. Pirmieji pavyzdžiai – kasinėjimų metu rasti bronzinių varpų fragmentai, indai, namų apyvokos daiktai. Daugelis jų buvo nudažyti natūraliais dažais, o tyrimai rodo, kad gaminiai buvo pagaminti anksčiau nei 300 m.

Naujas meno raidos etapas prasidėjo atvykus į Japoniją. Ant emakimono buvo pritaikyti specialūs popieriaus ritiniai - budistų panteono dievybių atvaizdai, scenos iš Mokytojo ir jo pasekėjų gyvenimo.

Religinės temos vyravimą tapyboje galima atsekti viduramžių Japonijoje, būtent nuo 10 iki 15 a. To laikmečio menininkų vardai iki šių dienų, deja, nebuvo išsaugoti.

15-18 amžių laikotarpiu prasideda naujas laikas, pasižymintis menininkų, turinčių išvystytą individualų stilių, pasirodymu. Jie pažymėjo vektorių tolimesnis vystymas vaizdiniai menai.

Ryškūs praeities atstovai

Įtemptas Šubūnas (XV a. pradžia)

Norėdami tapti puikus meistras, Xubong studijavo Kinijos dainų atlikėjų rašymo būdus ir jų kūrybą. Vėliau jis tapo vienu iš tapybos įkūrėjų Japonijoje ir sumi-e kūrėju.

Sumi-e - meno stilius, kurios pagrindas yra piešimas tušu, o tai reiškia vieną spalvą.

Shubunas padarė daug naujas Stiliusįsitvirtino menininkų rateliuose, mokė meno kitus talentus, įskaitant ateitį garsūs dailininkai kaip Sesshu.

Populiariausias Shubuno paveikslas vadinasi „Skaitymas bambukų giraitėje“.

Tense Shubun „Skaitymas bambukų giraitėje“.

Hasegawa Tohaku (1539–1610)

Jis tapo mokyklos, pavadintos savo vardu – Hasegawa, kūrėju. Iš pradžių jis bandė vadovautis Kano mokyklos kanonais, bet pamažu jo darbuose ėmė atsekti individualią „rašyseną“. Tohaku vadovavosi Sesshu grafika.

Darbo pagrindas buvo paprasti, glausti, bet tikroviški peizažai nesudėtingais pavadinimais:

  • „Pušys“;
  • "Klevas";
  • Pušys ir žydintys augalai.


Pušys, Hasegawa Tohaku

Broliai Ogata Korin (1658-1716) ir Ogata Kenzan (1663-1743)

Broliai buvo puikūs XVIII amžiaus amatininkai. Vyriausias, Ogata Korin, visiškai atsidėjo tapybai ir įkūrė rimpos žanrą. Jis vengė stereotipinių vaizdų, pirmenybę teikė impresionistiniam žanrui.

Ogata Korin piešė gamtą apskritai, o ypač gėles ryškių abstrakcijų pavidalu. Jo teptukai priklauso paveikslui:

  • „Slyvų žiedas raudonai baltas“;
  • „Matsušimos bangos“;
  • "Chrizantemos".


Korin Ogata Matsushima bangos

Jaunesnysis brolis - Ogata Kenzan - turėjo daug slapyvardžių. Bent jau užsiėmė tapyba, bet labiau garsėjo kaip nuostabus keramikas.

Ogata Kenzan įvaldė daugybę keramikos technikų. Jis išsiskyrė nestandartiniu požiūriu, pavyzdžiui, kūrė kvadrato formos lėkštes.

Nuosavas tapyba nepasižymėjo puošnumu – tai irgi buvo jos ypatumas. Jam patiko kaligrafija puošti tokius produktus kaip ritinys ar poezijos ištraukos. Kartais jie dirbdavo kartu su broliu.

Katsushika Hokusai (1760–1849)

Jis dirbo ukiyo-e stiliumi – savotišku medžio raižiniu, kitaip tariant, graviūrine tapyba. Per visą kūrybos laiką jis pakeitė apie 30 vardų. garsus darbas– „Didžioji banga prie Kanagavos“, kurios dėka išgarsėjo už savo tėvynės ribų.


Hokusai Katsushika „Didžioji banga prie Kanagavos“.

Ypač sunkiai Hokusai pradėjo dirbti po 60 metų, o tai atnešė gerų rezultatų. Van Goghas, Monet, Renoiras buvo susipažinę su jo kūryba ir tam tikru mastu tai turėjo įtakos Europos meistrų kūrybai.

Ando Hiroshige (1791–1858)

Vienas didžiausių XIX amžiaus menininkų. Gimė, gyveno, dirbo Edoje, tęsė Hokusų kūrybą, įkvėpė jo kūrybos. Tai, kaip jis vaizdavo gamtą, yra beveik toks pat įspūdingas, kaip ir pačių kūrinių skaičius.

Edo yra buvęs Tokijo vardas.

Štai keletas paveikslų ciklo figūrų apie jo kūrybą:

  • 5,5 tūkst. - visų graviūrų skaičius;
  • „100 Edo vaizdų;
  • „36 Fudži vaizdai“;
  • „69 Kisokaido stotys“;
  • „53 Tokaido stotys“.


Ando Hiroshige paveikslas

Įdomu tai, kad išskirtinis Van Goghas parašė keletą savo graviūrų kopijų.

Modernumas

Takashi Murakami

Dailininkas, skulptorius, mados dizaineris, vardą užsitarnavo jau XX amžiaus pabaigoje. Kūryboje jis laikosi mados tendencijos su klasikos elementais ir semiasi įkvėpimo iš anime ir manga animacinių filmų.


Takashi Murakami paveikslas

Takashi Murakami darbai priskiriami subkultūrai, tačiau tuo pat metu jie yra neįtikėtinai populiarūs. Pavyzdžiui, 2008 metais vienas jo darbų aukcione buvo nupirktas už daugiau nei 15 mln. Vienu metu šiuolaikinė kūrėja dirbo kartu su mados namais „Marc Jacobs“ ir „Louis Vuitton“.

Tycho Asima

Ankstesnio menininko bendražygis kuria šiuolaikinius siurrealistinius paveikslus. Juose vaizduojami miestų vaizdai, megapolių gatvės ir būtybės tarsi iš kitos visatos – vaiduokliai, piktosios dvasios, svetimos merginos. Paveikslų fone dažnai galima išvysti nesugadintą, kartais net bauginančią gamtą.

Jos paveikslai pasiekia dideli dydžiai ir retai apsiriboja popieriumi. Jie perkeliami į odą, plastikines medžiagas.

2006 metais Didžiosios Britanijos sostinėje vykusioje parodoje moteris sukūrė apie 20 arkinių konstrukcijų, atspindinčių kaimo ir miesto gamtos grožį dieną ir naktį. Vienas jų papuošė metro stotį.

Sveiki, Arakawa

Jaunuolio negalima vadinti tiesiog menininku klasikine šio žodžio prasme – jis kuria XXI amžiaus mene taip populiarias instaliacijas. Jo parodų temos tikrai japoniškos ir liečiančios draugiškus santykius bei visos komandos darbą.

Ei Arakawa dažnai dalyvauja įvairiose bienalėse, pavyzdžiui, Venecijoje, yra eksponuojamas savo tėvynės Modernaus meno muziejuje, pelnytai gauna įvairių apdovanojimų.

Ikenaga Yasunari

Šiuolaikinė tapytoja Ikenaga Yasunari sugebėjo sujungti du iš pažiūros nesuderinamus dalykus: šiandieninių merginų gyvenimą portretine forma ir tradicinės technikos Japonija kilusi iš senovės. Savo kūryboje tapytojas naudoja specialius teptukus, natūralius pigmentinius dažus, tušą, anglį. Vietoj įprasto lino – lininis audinys.


Ikenaga Yasunari tapyba

Tokia vaizduojamos eros ir herojių išvaizdos kontrastavimo technika sukuria įspūdį, kad jos sugrįžo pas mus iš praeities.

populiarus in paskutiniais laikais internetinėje bendruomenėje paveikslų seriją apie krokodilo gyvenimo sudėtingumą taip pat sukūrė japonų karikatūristas Keigo.

Išvada

Taigi japonų tapyba atsirado maždaug III amžiuje prieš Kristų ir nuo to laiko labai pasikeitė. Pirmieji atvaizdai pritaikyti keramikai, vėliau dailėje ėmė vyrauti budistiniai motyvai, tačiau autorių pavardės neišliko iki šių dienų.

Naujųjų amžių epochoje teptuko meistrai įgavo vis daugiau individualumo, kūrė skirtingomis kryptimis, mokyklos. Šiuolaikiniai vaizduojamieji menai neapsiriboja tradicinė tapyba- naudojamos instaliacijos, karikatūros, meninės skulptūros, specialios konstrukcijos.

Labai ačiū už dėmesį, mieli skaitytojai! Tikimės, kad mūsų straipsnis jums buvo naudingas, o pasakojimai apie ryškiausių meno meno atstovų gyvenimą ir kūrybą leido juos geriau pažinti.

Žinoma, sunku viename straipsnyje pasakyti apie visus menininkus nuo antikos iki šių dienų. Todėl tebūnie tai pirmasis žingsnis japonų tapybos pažinimo link.

Ir prisijunk prie mūsų – užsiprenumeruok tinklaraštį – kartu studijuosime budizmą ir Rytų kultūrą!

Kiekviena šalis turi savo šiuolaikinio meno herojus, kurių vardai žinomi, kurių parodos sutraukia minias gerbėjų ir smalsuolių, o kūriniai išsibarstę privačiose kolekcijose.

Šiame straipsnyje mes supažindinsime jus su populiariausiais šiuolaikiniai menininkai Japonija.

Keiko Tanabe

Kiote gimęs Keiko vaikystėje laimėjo daugybę titulų. meno konkursai, bet Aukštasis išsilavinimas gavo visai ne meno srityje. Ji yra dirbusi Japonijos savivaldos prekybos organizacijos Tokijuje, didelėje advokatų kontoroje San Franciske ir privačioje konsultacijų įmonėje San Diege tarptautinių ryšių skyriuje ir daug keliavo. Nuo 2003 metų ji paliko darbą ir, San Diege išmokusi tapybos akvarele pagrindus, atsidėjo tik menui.



Ikenaga Yasunari (Ikenaga Yasunari)

Japonų menininkė Ikenaga Yasunari piešia portretus šiuolaikinės moterys pagal senovės japonų tapybos tradiciją, kaip pagrindą naudojant Menso teptuką, mineralinius pigmentus, anglies juodumą, tušą ir liną. Jo veikėjos – mūsų laikų moterys, tačiau dėl Nihonga stiliaus kyla jausmas, kad jos pas mus atkeliavo iš senų laikų.



Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki yra realistas, įvaldęs akvarelės technika. Abe galima vadinti menininku-filosofu: jis iš esmės nepritraukia gerai žinomų vaizdų, pirmenybę teikia subjektyvioms kompozicijoms, atspindinčioms jas stebinčio žmogaus vidines būsenas.




Hiroko Sakai

Menininko Hiroko Sakai karjera prasidėjo 90-ųjų pradžioje Fukuokos mieste. Baigusi Seinan Gakuin universitetą ir Nihon French Interjero dizaino mokyklą dizaino ir vizualizavimo studijose, ji įkūrė „Atelier Yume-Tsumugi Ltd“. ir sėkmingai vadovavo šiai studijai 5 metus. Daugelis jos darbų puošia ligoninių vestibiulius, didelių korporacijų biurus ir kai kuriuos Japonijos savivaldybių pastatus. Persikėlęs į JAV, Hiroko pradėjo tapyti aliejumi.




Riusuke Fukahori

Ryuusuki Fukahori trimačiai darbai yra tarsi hologramos. Jie padaryti akriliniai dažai dedamas keliais sluoksniais ir skaidrus skystis Derva – visa tai, neišskiriant tradicinių metodų, tokių kaip šešėlių piešimas, kraštų švelninimas, skaidrumo kontrolė, leidžia Ryusuki kurti skulptūrinius paveikslus ir suteikia darbui gylio ir tikroviškumo.




Natsuki Otani

Natsuki Otani yra talentingas japonų iliustratorius, gyvenantis ir dirbantis Anglijoje.


Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu savo darbo pagrindu pasirinko temą, kuri naudinga visiems – jis piešia kates. Jo nuotraukos populiarios visame pasaulyje, ypač galvosūkių pavidalu.


Tetsuya Mishima

Dauguma šiuolaikinio japonų menininko Mishima paveikslų yra pagaminti aliejumi. Nuo 90-ųjų ji profesionaliai užsiima tapyba, surengė keletą personalinių parodų ir daugybę kolektyvinių parodų, tiek japonų, tiek užsienio.