Penki žinomiausi prancūzų menininkai. Prancūzų šiuolaikiniai menininkai

Menas ir dizainas

7404

24.09.15 01:41

„Tokia maža, ji buvo akivaizdžiai pervertinta!“ Kai kurie turistai, specialiai atvykę į Luvrą pamatyti vietinės šventovės Monos Lizos, murkia... Luvras Luvras, tačiau nepamirškite, kad daug garsių dailininkų gimė pačioje Prancūzijoje. Trumpai pasižvalgykime po šios šalies praeitį ir prisiminkime geriausius prancūzų menininkus.

Geriausi prancūzų menininkai

Puikus klasicizmas

XVI amžiaus pabaigoje gimęs Nicolas Poussin entuziastingai perėmė Aukštojo Renesanso meistrų, įskaitant „La Gioconda da Vinci“ autorių ir Rafaelį, technikas. Jo paveiksluose dažnai yra biblinių personažų, mitologinių scenų (netgi peizažų ciklas, skirtas metų laikams, o tas įkvėptas Biblijos). Normanas Poussinas stovėjo prie klasicizmo ištakų, jo indėlio į prancūzų meną negalima pervertinti. Mūsų Ermitaže yra jo paveikslas „Poilsis skrendant į Egiptą“.

Galantiškos eros dainininkė

Antoine'as Watteau, gimęs beveik dviem dešimtmečiams po Poussino mirties, tvirtai karaliavo prancūzų menininkų „Olimpe“. Jo laikais Europoje nebuvo nė vieno tapytojo, kuris galėtų su juo konkuruoti meistriškumu. Jis gyveno tik 36 metus, tačiau sugebėjo palikti daugybę šedevrų. Kasdienės scenos, peizažai, Watteau portretai žavūs ir elegantiški, jis vadinamas rokoko stiliaus pirmtaku. Stojant į Dailės akademiją jaunuolis nutapė dvi paveikslo „Piligriminė kelionė į Citeros salą“ versijas (viena saugoma Berlyne, kita – Paryžiaus Luvre). Ermitažas įsigijo keletą prancūzų menininko darbų, įskaitant paveikslą „Prancūzų komedijos aktoriai“.

Gabus peizažistas

Pirmos klasės jūrų ir kraštovaizdžio tapytojas Claude'as Josephas Vernet ilgą laiką dirbo Italijoje. Neapolio pakrantė ir galingas Tibras paliko pėdsaką jo kūryboje. Luvro kolekcijoje – „Vaizdas į tiltą ir Šventojo Angelo pilį“ ir „Neapolio vaizdas su Vezuvijumi“, o Ermitažo eksponatai „Uolos prie jūros“, „Rytas Kastelamare“ ir kai kurie kiti meistro šedevrai.

Romantiški kolegos

Eugene'as Delacroix, romantinio meno judėjimo atstovas, gimė XVIII-XIX amžių sandūroje ir įgijo gerą išsilavinimą. Mėgo kopijuoti senųjų meistrų šedevrus – ant jų šlifavo savo meną. Eugenijus draugavo su Alexandre'u Dumas ir žavėjosi Géricault kūryba. Vieni iš žymiausių Delacroix paveikslų (jis dažnai rinkdavosi istorines temas) yra „Laisvė barikadose“ ir „Sardanapalo mirtis“.

Kitas romantikas Theodore'as Gericault buvo tik keleriais metais vyresnis už Delacroix, tačiau savo kolegai buvo didelis autoritetas. Deja, likimas jį matavo labai trumpai – būdamas 32 metų dailininkas nukrito nuo žirgo ir partrenkė. Teodoras pirmenybę teikė didelio masto mūšio scenoms, kopijavo Rubensą, būdamas aistringas Flemingo gerbėjas. Net jei nesate girdėję šio prancūzų menininko vardo, tikriausiai pasitaikė reprodukcijų iš Gericault šedevro „Medūzos plaustas“ (šis kūrinys yra Luvro pasididžiavimas).

Amžinas klajoklis

Mums geriau žinomas Eugenijus Henris Paulas Gogenas. Postimpresionistas užklupo XX amžiaus pradžią, bet išėjo gana anksti: mirė 1903 m., būdamas 54 metų, Prancūzijos Polinezijoje. Sakoma, kad genijų pražudė negalavimai (blogiausia iš jų – nepagydomi raupsai). Jaunystėje jis daug keliavo: Paulius tarnavo kaip paprastas jūreivis karo laive, buvo prekybinio laivyno laivų statytojas. Tie įspūdžiai, žinoma, atsispindėjo tapytojo darbuose. Jis beveik paskyrė savo gyvenimą tarpininkavimui, tačiau laiku sustojo ir atsidėjo kūrybai. Net neišmanantiems žmonėms yra žinomi ryškūs Gogeno sukurti vaizdai, pavyzdžiui, „Moteris, laikanti vaisių“.

skraidantys siluetai

Kiekvienas iš jūsų yra girdėjęs posakį „Degas Balerinas“. Šis prancūzų menininkas įkvėpimo tikrai sėmėsi iš baleto mokyklų ir repeticijų. Jo šviesiais pasteliniais potėpiais pavyko užfiksuoti grakščius lengvus galvos pakrypimus, piruetus, nusilenkimus, šuolius – tai matome impresionisto drobėse „Šokių pamoka“ ar „Mėlynieji šokėjai“. Plačiai žinomos jo kasdienės scenos: „Absentas“, „Geležintojai“.

Impresionizmo tėvas

Kitas Europos tapybos klasikas – Edouardas Manet (vienas iš impresionizmo „tėvų“) – kaip ir Degas, mėgo vaizduoti miestiečių gyvenimą: pasivaikščiojimus sode ar piknikus gamtoje. Jo portretai išsiskiria paprastumu ir nedailumu, o gyvenimo pabaigoje netikėtai susidomėjo natiurmortais. „Olympia“, „The Railroad“, „Pusryčiai ant žolės“ laikomi pasaulinio garso šedevrais.

Sentimentalus ir perlinis

Pierre'o-Auguste'o Renoiro mėgstamiausias žanras buvo portretas. Pasaulietinis godumas, jaunos nekaltos mergelės, įsimylėjusios poros atgyja po pasitikinčiais šeimininko teptuko potėpiais. Pradėjęs kaip impresionistas, Pierre'as pamažu juo nusivylė ir prisijungė prie klasicistų. Jo menas yra sentimentalus ir perlamutriškas. Pažiūrėkite į „Merginos prie fortepijono“ ar „Pavasario puokštė“, drobės tarsi švyti iš vidaus.

Ar valstietis, ar mąstytojas...

Paul Cezanne su savo portretuose iškaltais siluetais iš akmens ir šiek tiek „išteptais“ peizažais yra ryškus postimpresionizmo atstovas. Ir kūryboje, ir gyvenime jis buvo šykštus emocijų, lakoniškas ir nelabai emocionalus – kažkas jame buvo iš valstiečio, kažkas iš mokslininko mąstytojo. Įdomu tai, kad tai jo šedevras „Kortų žaidėjai“ – vienas brangiausių paveikslų pasaulyje (2012 m. jis buvo nupirktas Kataro emyro kolekcijai už 250 mln. USD).

Piktoji aristokrato uola

Paskutinis geriausių prancūzų menininkų sąraše yra vargšas Henri Marie Raymond de Toulouse Lautrec. Kodėl vargšas vaikinas? Taip, jis priklausė senovinei grafystės šeimai, tačiau būdamas 13 ir 14 metų jaunuoliui pavyko iš pradžių sulaužyti vienos, paskui kitos kojos šlaunį, dėl to jos nustojo augti. Henri liko pusiau nykštukas su negalia. Negalėjimas daryti karinės karjeros sukrėtė visą šeimą, o pats Henri buvo paskatintas imtis tapybos. Mokėsi pas meistrus (labai mėgo Degas ir Cezanne kūrybą), o atvykęs į Paryžių tapo kabaretų ir užeigų lankytoju, pats išgėrė, susirgo sifiliu ir mirė sulaukęs 37 metų. Jo grafikos darbai ir tapyba buvo pripažinti po jo mirties. Moulin Rouge menininkų ir prostitučių, kurių paslaugų buvo priverstas griebtis Tulūza Lautrekas, portretai dabar laikomi šedevrais.

XVII–XVIII amžių sandūros prancūzų dailės mokyklą galima vadinti pirmaujančia Europos mokykla, būtent Prancūzijoje tuo metu gimė tokie meno stiliai kaip rokoko, romantizmas, klasicizmas, realizmas, impresionizmas ir postimpresionizmas.

Rokoko (prancūzų rokoko, iš rocaille – dekoratyvinis kriauklės formos motyvas) – XVIII a. I pusės Europos meno stilius. Rokoko būdingas hedonizmas, pasitraukimas į idiliško teatrinio žaidimo pasaulį, aistra pastoraciniams ir jausmingiems-erotiniams dalykams. Rokoko dekoro prigimtis įgavo pabrėžtinai elegantiškas, įmantrias ir įmantrias formas.

Rokoko stiliumi dirbo Francois Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard.

Klasicizmas - XVII – XIX amžiaus pradžios Europos meno stilius, kurio būdingas bruožas buvo kreipimasis į antikinio meno formas, kaip idealų estetinį ir etinį standartą.

Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres, Jacques-Louis David dirbo klasicizmo stiliumi.

Romantizmas - XVIII–XIX amžiaus Europos meno stilius, kuriam būdingi bruožai buvo dvasinio ir kūrybinio žmogaus gyvenimo prigimtinės vertės teigimas, stiprių ir dažnai maištingų aistrų ir charakterių įvaizdis.

Romantizmo stiliumi dirbo Francisco de Goya, Eugene'as Delacroix, Theodore'as Gericault, Williamas Blake'as.

Edouardas Manetas. Pusryčiai dirbtuvėse. 1868 metai

Realizmas - meno stilius, kurio užduotis yra tiksliausias ir objektyviausias tikrovės fiksavimas. Stilistiškai realizmas yra daugialypis ir įvairus. Įvairūs realizmo aspektai tapyboje yra barokinis Caravaggio ir Velazquezo iliuzionizmas, Manet ir Degas impresionizmas bei Van Gogho Nyunen darbai.

Realizmo gimimas tapyboje dažniausiai siejamas su prancūzų dailininko Gustave'o Courbet, kuris 1855 metais Paryžiuje atidarė savo personalinę parodą „Realizmo paviljonas“, kūryba, nors dar prieš jį Barbizono mokyklos menininkai Theodore'as Rousseau, Jeanas- Francois Millet, Jules Breton dirbo realistiškai. 1870-aisiais realizmas buvo padalintas į dvi pagrindines sritis – natūralizmą ir impresionizmą.

Realistiška tapyba tapo plačiai paplitusi visame pasaulyje. „Wanderers“ dirbo XIX amžiaus Rusijoje aštrios socialinės orientacijos realizmo stiliumi.

Impresionizmas (iš prancūzų kalbos įspūdis - įspūdis) - XIX amžiaus paskutinio trečdalio - XX amžiaus pradžios meno stilius, kurio būdingas bruožas buvo noras kuo natūraliau užfiksuoti realų pasaulį jo mobilumu ir kintamumu, perteikti trumpalaikius įspūdžius. . Impresionizmas nekėlė filosofinių problemų, o sutelkė dėmesį į akimirkos sklandumą, nuotaiką ir apšvietimą. Pats gyvenimas tampa impresionistų subjektais, kaip virtinė mažų švenčių, vakarėlių, malonių iškylų ​​gamtoje draugiškoje aplinkoje. Impresionistai vieni pirmųjų pradėjo tapyti plenere, nebaigę savo darbų studijoje.

Impresionizmo stiliumi dirbo Edgaras Degas, Edouardas Manet, Claude'as Monet, Camille'as Pissarro, Auguste'as Renoiras, Georges'as Seurat, Alfredas Sisley ir kiti.

postimpresionizmas - meno stilius, atsiradęs XIX amžiaus pabaigoje. Postimpresionistai siekė laisvai ir bendrai perteikti pasaulio medžiagiškumą, griebėsi dekoratyvinės stilizacijos.

Iš postimpresionizmo atsirado tokios meno sritys kaip ekspresionizmas, simbolizmas ir modernumas.

Vincentas van Goghas, Paulas Gogenas, Paulas Cezanne'as, Tulūza-Lotrecas dirbo postimpresionizmo stiliumi.

Išsamiau panagrinėkime impresionizmą ir postimpresionizmą atskirų XIX amžiaus Prancūzijos meistrų darbo pavyzdžiu.

Edgaras Degas. Autoportretas. 1854-1855 m

Edgaras Degas (gyvenimo metai 1834-1917) – prancūzų tapytojas, grafikas ir skulptorius.

Pradėjęs nuo griežtos istorinės tapybos ir portretų, 1870-aisiais Degas priartėjo prie impresionizmo atstovų ir pasuko į šiuolaikinio miesto gyvenimo įvaizdį – gatves, kavines, teatro spektaklius.

Degas paveiksluose kruopščiai apgalvota ir patikrinta dinamiška, dažnai asimetriška kompozicija, tikslus lankstus piešinys, netikėti rakursai, aktyvi figūros ir erdvės sąveika.

E. Degas. Vonia. 1885 m

Daugelyje kūrinių Edgaras Degas parodo žmonių elgesio ir išvaizdos specifiką, kurią generuoja jų gyvenimo ypatumai, atskleidžia žmogaus profesinio gesto, laikysenos, judėjimo mechanizmą, jo plastinį grožį. Degas menas būdingas gražaus ir proziško deriniui; menininkas, kaip blaivus ir subtilus stebėtojas, tuo pačiu fiksuoja varginančius kasdienius darbus, besislepiančius už elegantiškos pramogos.

Mėgstamiausia pastelinė technika leido Edgarui Degas geriausiai parodyti savo braižytojo talentą. Sotūs tonai ir „blizgantys“ pastelės potėpiai padėjo menininkui sukurti tą ypatingą spalvingą atmosferą, tą vaiskiuojantį orumą, kuris išskiria visus jo darbus.

Sulaukęs brandaus amžiaus Degas dažnai atsigręžia į baleto temą. Trapios ir nesvarios balerinų figūros iškyla prieš žiūrovą arba šokių pamokų prieblandoje, ir scenos prožektorių šviesoje, arba trumpomis poilsio akimirkomis. Tariamas kompozicijos atsitiktinumas ir nešališka autoriaus pozicija sukuria žvilgtelėjusio kažkieno gyvenimo įspūdį, menininkas mums parodo grakštumo ir grožio pasaulį, nepakliūdamas į perdėtą sentimentalumą.

Edgarą Degas galima pavadinti subtiliu koloristu, jo pastelės stebėtinai harmoningos, kartais subtilios ir lengvos, kartais sukurtos ant aštrių spalvų kontrastų. Degas maniera pasižymėjo nuostabia laisvumu – pasteles jis taikė drąsiais, laužytais potėpiais, kartais palikdamas popieriaus atspalvį per pastelę arba pridėdamas potėpių aliejumi ar akvarele. Spalva Degas paveiksluose kyla iš vaivorykštės spindesio, iš tekančios vaivorykštės linijų, kurios sukuria formą, srauto.

Vėlyvieji Degas kūriniai išsiskiria spalvų intensyvumu ir sodrumu, kuriuos papildo dirbtinio apšvietimo efektai, padidintos, beveik plokščios formos, erdvės suvaržymas, suteikiantis įtempto ir dramatiško charakterio. Tuo

laikotarpio Degas parašė vieną geriausių savo kūrinių – „Mėlynieji šokėjai“. Menininkas čia dirba didelėmis spalvų dėmėmis, itin svarbią teikdamas dekoratyvinei paveikslo paviršiaus organizacijai. Pagal spalvų harmonijos grožį ir kompozicinį sprendimą paveikslą „Mėlynieji šokėjai“ galima laikyti geriausiu Degas baleto temos įkūnijimu, šiame paveiksle pasiekusio didžiausią faktūros ir spalvų derinių turtingumą.

P. O. Renuaras. Autoportretas. 1875 m

Pierre'as Auguste'as Renoiras (gyvenimo metai 1841-1919) – prancūzų tapytojas, grafikas ir skulptorius, vienas pagrindinių impresionizmo atstovų. Renoiras pirmiausia žinomas kaip pasaulietinio portreto meistras, neturintis sentimentalumo. 1880-ųjų viduryje. iš tikrųjų sulaužė impresionizmą, grįždamas prie klasicizmo linijiškumo Ingres kūrybos laikotarpiu. Puikus koloristas Renoiras dažnai sukuria monochrominės tapybos įspūdį pasitelkdamas geriausius, panašių spalvų tonų derinius.

P. O. Renuaras. Irklavimo baseinas. 1869 m

Kaip ir dauguma impresionistų, Renoiras savo paveikslų objektais renkasi trumpalaikius gyvenimo epizodus, pirmenybę teikdamas šventinėms miesto scenoms – baliams, šokiams, pasivaikščiojimams („Naujasis tiltas“, „Varlė“, „Moulin da la Galette“ ir kt.). Šiose drobėse nepamatysime nei juodos, nei tamsiai rudos spalvos. Tik daugybė aiškių ir ryškių spalvų, kurios susilieja žiūrint iš tam tikro atstumo. Žmonių figūros šiuose paveiksluose nutapytos ta pačia impresionistine technika kaip ir juos supantis peizažas, su kuriuo jos dažnai susilieja.

P. O. Renuaras. Aktorės Jeanne Samary portretas. 1877 m

Ypatingą vietą Renoiro kūryboje užima poetiški ir žavūs moteriški įvaizdžiai: viduje skirtingi, bet išoriškai šiek tiek panašūs vienas į kitą, atrodo, paženklinti bendru epochos antspaudu. Renoiras nutapė tris skirtingus aktorės Jeanne Samary portretus. Ant vieno iš jų aktorė pavaizduota išskirtine žaliai mėlyna suknele rožiniame fone. Šiame portrete Renoiras sugebėjo pabrėžti geriausias savo modelio savybes: grožį, gyvą protą, atvirą žvilgsnį, spindinčią šypseną. Menininko darbo stilius labai laisvas, kartais iki aplaidumo, tačiau tai sukuria nepaprasto gaivumo, dvasinio aiškumo ir ramybės atmosferą.Akuo atvaizde Renoiras pasiekia retą gvazdikų rafinuotumą (tapydama žmogaus spalva). oda), sukurta remiantis šiltų kūno atspalvių deriniu su judančiais šviesiai žalsvai ir pilkai mėlynais atspindžiais, suteikiančiais drobės paviršiui glotnumo ir blankumo. Paveiksle „Nuogas saulės šviesoje“ Renoiras daugiausia naudoja pirmines ir antrines spalvas, visiškai neįskaitant juodos spalvos. Spalvotos dėmės, gautos naudojant mažus spalvotus potėpius, suteikia būdingą susiliejimo efektą, kai žiūrovas tolsta nuo nuotraukos.

Pažymėtina, kad žalių, geltonų, ochros, rausvų ir raudonų tonų naudojimas odai vaizduoti šokiravo to meto visuomenę, nepasiruošusią suvokimui, kad šešėliai turi būti spalvoti, užpildyti šviesa.

1880-aisiais Renoiro kūryboje prasidėjo vadinamasis „Ingres laikotarpis“. Žymiausias šio laikotarpio kūrinys – „Didieji pirtininkai“. Pirmą kartą Renoiras pradėjo naudoti eskizus ir eskizus, kad sukurtų kompoziciją, piešinio linijos tapo aiškios ir apibrėžtos, spalvos prarado buvusį ryškumą ir sodrumą, paveikslas kaip visuma pradėjo atrodyti santūresnis ir šaltesnis.

1890-ųjų pradžioje Renuaro mene įvyko nauji pokyčiai. Tapybiškai atsiranda spalvų vaivorykštė, todėl šis laikotarpis kartais vadinamas „perlu“, vėliau šis laikotarpis užleidžia vietą „raudonam“, taip pavadintam dėl pirmenybės rausviems ir rausviems gėlių atspalviams.

Eugenijus Henris Polas Gogenas (gyvenimo metai 1848-1903) – prancūzų tapytojas, skulptorius ir grafikas. Kartu su Cezanne'u ir Van Goghu jis buvo didžiausias postimpresionizmo atstovas. Tapyti pradėjo suaugęs, ankstyvasis kūrybos laikotarpis siejamas su impresionizmu. Geriausi Gogeno darbai buvo parašyti Taičio ir Hiva-Oa salose Okeanijoje, kur Gogenas paliko „iškrypėlišką civilizaciją“. Būdingi Gogeno stiliaus bruožai – statiškų ir spalviškai kontrastingų kompozicijų kūrimas ant didelių plokščių drobių, giliai emocingų ir kartu dekoratyvių.

„Geltonajame Kristuje“ Gogenas pavaizdavo krucifiksą tipiško Prancūzijos kaimo kraštovaizdžio fone, kenčiantį Jėzų supa trys bretonų valstiečių moterys. Ramybė ore, ramios nuolankios moterų pozos, saulėtos geltonos spalvos prisotintas kraštovaizdis su medžiais raudonoje rudens lapijoje, tolumoje savo reikalais užsiėmęs valstietis, negali nekonfliktuoti su tuo, kas vyksta ant kryžiaus. Aplinka smarkiai kontrastuoja su Jėzumi, kurio veide išryškėja ta kančios stadija, kuri ribojasi su apatija, abejingumu viskam, kas jį supa. Kristaus priimtų beribių kančių prieštaravimas ir šios aukos „nematomumas“ žmonėms – tokia yra pagrindinė šio Gogeno kūrinio tema.

P. Gogenas. Ar tu pavydi? 1892 m

Paveikslas "Ar pavydi?" reiškia Polinezijos menininko kūrybos laikotarpį. Paveikslas paremtas gyvenimo scena, kurią žvilgteli dailininkas:

ant kranto dvi seserys - ką tik išsimaudė, o dabar jų kūnai išsimėtę ant smėlio atsitiktinėmis geidulingomis pozomis - kalba apie meilę, vienas prisiminimas sukelia ginčus: „Kaip? Ar tu pavydi!".

Tapydamas sultingą pilnakraujį atogrąžų gamtos grožį, civilizacijos nesugadintus gamtos žmones, Gogenas pavaizdavo utopinę svajonę apie žemiškąjį rojų, apie žmogaus gyvenimą harmonijoje su gamta. Gogeno polinezietiškos drobės dekoratyviniu koloritu, kompozicijos plokštumu ir monumentalumu, stilizuoto rašto apibendrinimu primena plokštes.

P. Gogenas. Iš kur mes atsiradome? Kas mes esame? Kur mes einame? 1897-1898 m

Nuotrauka „Iš kur mes atėjome? Kas mes esame? Kur mes einame?" Gogenas laikė didingą savo apmąstymų kulminaciją. Pagal menininko sumanymą paveikslas turėtų būti skaitomas iš dešinės į kairę: trys pagrindinės figūrų grupės iliustruoja pavadinime pateiktus klausimus. Moterų grupė su vaiku paveikslo dešinėje reiškia gyvenimo pradžią; vidurinė grupė simbolizuoja kasdienį brandos egzistavimą; kraštutinėje kairiojoje grupėje Gogenas vaizdavo žmogaus senatvę, artėjančią mirtį; mėlynas stabas fone simbolizuoja kitą pasaulį. Šis paveikslas yra naujoviško Gogeno postimpresionistinio stiliaus viršūnė; jo stilius derino aiškų spalvų naudojimą, dekoratyvų koloritą ir kompozicinius sprendimus, vaizdo plokštumą ir monumentalumą su emocine išraiškingumu.

Gogeno kūryba numatė daugybę šiuo laikotarpiu susiformavusio Art Nouveau stiliaus bruožų, kurie turėjo įtakos Nabis grupės meistrų ir kitų XX amžiaus pradžios tapytojų formavimuisi.

W. Van Gogas. Autoportretas. 1889 m

Vincentas Van Gogas (gyvenimo metai 1853-1890) – prancūzų ir olandų postimpresionistų tapytojas, pradėjo tapyti, kaip ir Polas Gogenas, jau būdamas pilnametystės, 1880 m. Iki tol Van Gogas sėkmingai dirbo prekiautoju, vėliau mokytoju internatinėje mokykloje, vėliau mokėsi protestantų misionierių mokykloje ir šešis mėnesius dirbo misionieriumi skurdžiame kasybos kvartale Belgijoje. Devintojo dešimtmečio pradžioje Van Goghas pasuko į meną, lankė Briuselio (1880–1881) ir Antverpeno (1885–1886) dailės akademiją. Ankstyvuoju savo kūrybos laikotarpiu Van Goghas piešė eskizus ir paveikslus tamsioje vaizdinėje diapazone, siužetais pasirinkdamas kalnakasių, valstiečių ir amatininkų gyvenimo scenas. Šio laikotarpio Van Gogho kūriniai („Bulvių valgytojai“, „Senasis Nyneno bažnyčios bokštas“, „Batai“) žymi skausmingai aštrų žmogaus kančios ir depresijos jausmo suvokimą, slegią psichologinės įtampos atmosferą. Savo laiškuose broliui Theo menininkas apie vieną šio laikotarpio paveikslą „Bulvių valgytojai“ rašė taip: „Jame bandžiau pabrėžti, kad šie žmonės, valgydami bulves lempos šviesoje, kasė savo bulves. žemę tomis pačiomis rankomis, kurias ištiesė prie indo; Taigi drobė byloja apie sunkų darbą ir apie tai, kad veikėjai sąžiningai užsidirbo maistą.“ 1886–1888 m. Van Gogas gyveno Paryžiuje, lankėsi prestižinėje privačioje garsaus visoje Europoje mokytojo P. Cormono dailės studijoje, studijavo impresionistinę tapybą, japonišką graviūrą, sintetinius Paulo Gogeno kūrinius. Per šį laikotarpį Van Gogho paletė tapo šviesi, dingo žemiškas dažų atspalvis, atsirado grynai mėlyni, aukso geltonumo, raudoni tonai, jam būdingas dinamiškas, tarsi tekantis teptuko potėpis („Agostina Segatori tamburino kavinėje“, „Tiltas per Seną“. “, „Papa Tanguy“, „Paryžiaus vaizdas iš Theo buto Rue Lepic“).

1888 metais Van Gogas persikėlė į Arlį, kur galutinai buvo nustatytas jo kūrybinio būdo originalumas. Ugningas meninis temperamentas, skausmingas polėkis harmonijos, grožio ir laimės link, o kartu ir žmogui priešiškų jėgų baimė įkūnija arba saulėtomis pietų spalvomis spindinčius peizažus („Geltonas namas“, „Derlius“). . La Crot Valley“), arba grėsmingu , primenančiu košmaro vaizdus („Night Cafe Terrace“); spalvos ir potėpio dinamika

W. Van Gogas. Naktinės kavinės terasa. 1888 metai

pripildo sudvasinto gyvenimo ir judėjimo ne tik gamta ir joje gyvenantys žmonės („Raudonieji vynuogynai Arlyje“), bet ir negyvi objektai („Van Gogho miegamasis Arlyje“).

Pastaraisiais metais intensyvų Van Gogho darbą lydėjo psichikos ligos, dėl kurių jis buvo paguldytas į psichikos ligonių ligoninę Arle, vėliau Sen Remy (1889–1890) ir Auvers-sur-Oise (1890), kur. jis nusižudė. Paskutiniųjų dvejų menininko gyvenimo metų kūryba pasižymi ekstaziniu apsėdimu, itin suaktyvėjusia spalvų derinių raiška, staigiais nuotaikų svyravimais – nuo ​​siautulingos nevilties ir niūrios vizionieriaus („Kelias su kiparisais ir žvaigždėmis“) iki virpančio nušvitimo jausmo ir taika („Peizažas Auvers mieste po lietaus“).

W. Van Gogas. Irisai. 1889 m

Gydydamasis Saint-Remy klinikoje, Van Goghas nutapė paveikslų seriją „Irises“. Jo tapyboje su gėlėmis nėra didelės įtampos, galima atsekti japoniškų ukiyo-e spaudinių įtaką. Šis panašumas pasireiškia objektų kontūrų parinkimu, neįprastais kampais, detalių plotų buvimu ir plotais, užpildytais vientisa, tikrovės neatitinkančia spalva.

W. Van Gogas. Kviečių laukas su varnomis. 1890 m

„Kviečių laukas su varnais“ yra Van Gogho paveikslas, dailininko nutapytas 1890 m. liepą ir yra vienas garsiausių jo darbų. Manoma, kad paveikslas buvo baigtas 1890 m. liepos 10 d., likus 19 dienų iki jo mirties Auvers-sur-Oise. Yra versija, kad Van Goghas nusižudė tapydamas šį paveikslą (išėjęs į lauką su piešimo medžiagomis, nusišovė iš pistoleto, įsigyto paukščių pulkams atbaidyti širdies srityje, tada savarankiškai pateko į ligoninę, kur jis mirė nuo kraujo netekimo).

Prancūzų menininkai yra didžiausi pasaulio kultūros vardai. Be to, būtent prancūzų meistrai geriausiuose aukcionuose sumušė visus meno kūrinių kainos rekordus. Tik gaila, kad jų autoriai susilaukė tik pomirtinės šlovės, bet tokios yra daugelio grožio kūrėjų likimo peripetijos.

Prancūzų menininkai: prancūzų impresionizmo fenomenas

Taigi XX amžiaus prancūzų menininkai tapo brangiausiai parduodamais, todėl garsiausiais ir pripažintais pasaulyje. Netgi visiškai nepatyrę vaizduojamojo meno žmonės žino savo vardus. Visų pirma, tai menininkai impresionistai. Prancūzija jiems buvo nesvetinga per gyvenimą, bet po mirties jie tapo tikru nacionaliniu pasididžiavimu.

Didžiausi Prancūzijos menininkai, pelnę pasaulinį pripažinimą, šlovę ir šlovę plačiuose sluoksniuose Pjeras Renuaras, Edouardas Manetas, ‎Edgaras Degas, Polas Sezanas, Claude'as Monet ir Paulius Gogenas. Visi jie yra garsiausios ir perkamiausios XX amžiaus tapybos krypties – impresionizmo – atstovai. Savaime suprantama, ši kryptis atsirado Prancūzijoje, kuri geriausiai atskleidžia savo vietą ir reikšmę pasaulio meno istorijoje. Nuostabus originalios technikos ir puikaus emocinio išraiškingumo derinys žavėjo ir tebežavi viso pasaulio impresionizmo grožio žinovus.

Prancūzijos menininkai: prancūzų tapybos formavimasis

Tačiau prancūzų menininkai yra ne tik impresionistai. Kaip ir kitur Europoje, čia tapybos klestėjimas krito Renesanso epochoje. Žinoma, Prancūzija negali pasigirti tokiais milžinais kaip Leonardo da Vinci ar Rafaelis, bet vis tiek įnešė savo indėlį į bendrą reikalą. Tačiau italų įtaka buvo per stipri, kad būtų suformuota pirminė nacionalinė mokykla.

Pirmasis puikus prancūzų menininkas, visiškai išsivadavęs nuo išorinės įtakos, buvo Jacques'as Louisas Davidas, kuris pagrįstai laikomas nacionalinės tapybos tradicijos pradininku. Žymiausias dailininko paveikslas buvo garsusis žirginis imperatoriaus Napoleono portretas „Napoleonas prie Šv. Bernardo perėjos“ (1801).

19 amžiaus Prancūzijos menininkai, dirbantys realistine kryptimi, žinoma, yra mažiau žinomi nei impresionistai, tačiau vis dėlto jie padarė apčiuopiamą indėlį į pasaulio tapybos raidą. Tačiau XX amžius buvo prancūzų meno triumfas, o Paryžius tapo mūzų centru. Garsusis Prancūzijos sostinės Monmartro rajonas, suteikęs prieglobstį dešimtims neturtingų menininkų, kurie vėliau pateko į žmonijos paveldo aukso fondą, įskaitant vardus. Renoir, van Gogas, Tulūza-Lotrekas, taip pat Pikasas ir Modigliani, tapo vaizduojamojo meno centru ir iki šiol pritraukia minias turistų. Monmartre tradiciškai gyvena ir žinomi šiuolaikiniai prancūzų menininkai.

Buvo laikas, kai menininkai nebuvo vertinami už savo darbus. Tačiau šiandien šie asmenys yra labai vertinami, nepaisant to, ar jie priklauso istoriniams laikams, ar yra gyvi. Prancūzų tapytojai ypač gerbiami už nuostabų ir puikų darbą.

Čia yra 10 garsiausių ir iškiliausių prancūzų menininkų ir tapytojų. Grįžkime į praeitį ir apsvarstykime visa tai kartu. Prašau mėgautis!

Žymiausių prancūzų menininkų ir tapytojų TOP 10:

10. Paulas Gogenas (1848-1903)

Paul Gauguin yra prancūzų tapytojas ir postimpresionizmo laikų tapytojas. Jis labai prisidėjo prie avangardinės tapybos kūrimo. Gogenas glaudžiai bendravo su Van Goghu.

9. Vincentas van Gogas (1853–1890)

Vincentas van Gogas priklauso postimpresionizmo laikotarpiui. Jis yra vienas garsiausių tapytojų ir menininkų pasaulyje. Vincentas yra žinomas dėl savo drąsos ir spalvingų paveikslų ir gimė Nyderlanduose.

8. Camille Pissarro (1830–1903)

Camille Pissarro priklauso impresionizmo ir postimpresionizmo epochoms. Jis yra vienas įtakingiausių ir geriausių visų laikų tapytojų. Savo paveiksluose jis kūrė naujus ir unikalius stilius, kurie galėtų suteikti pranašumo jo karjerai.

7. Edouardas Manet (1832–1883)

Edouardas Manetas yra žinomas dėl savo indėlio į realizmo ir impresionizmo mokyklas. Jis buvo puikus ir novatoriškas tapytojas. Jis kūrinius pavertė impresionizmu, kad suteiktų jiems šiuolaikišką išvaizdą.

6. Eugenijus Delakrua (1798–1863)

Eugène'as Delacroix yra žinomas dėl romantiškų paveikslų ir meno kūrinių. Šiam darbui įkvėpimo jis sėmėsi iš Venecijos renesanso dailininkų ir Rubenso.

5. Paul Cezanne (1839-1906)

Paulas Cezanne'as gimė XVIII a. Nuostabus impresionizmo eros menininkas. Savo karjerą jis pradėjo impresionistinėmis formomis, tačiau išaugo kaip novatoriškas menininkas, dovanojęs geriausius XIX a. meno kūrinius.

4. Charlesas-Francois Dabigny (1817-1878)

Charlesas-Francois Dabigny yra vienas garsiausių visų laikų menininkų. Jis vis dar prisimenamas dėl tradicinių peizažinių paveikslų ir yra naudojamas aplinkiniams sužavėti unikaliais meno kūriniais.

3. Augustas Renuaras (1841–1919)

Augustas Renuaras priklauso impresionizmo erai. Jis yra vienas garsiausių tapytojų, suvaidinusių pagrindinį vaidmenį kuriant impresionistinius kūrinius.

2. Claude'as Monet (1840-1926)

Claude'as Monet yra tapytojas impresionistas. Jis yra vienas įtakingiausių XVIII amžiaus tapytojų. Jį stipriai paveikė gimnazistų kūryba, jis sukūrė savo kūrinius, tokius kaip „Įspūdis“, „Saulėtekis“ ir kt.

1. Edgaras Degas (1834-1917)

Edgaras Degas laikomas impresionizmo pirmtaku. Jis piešė realistinius žmogaus gyvenimo aspektus. Jo darbo stilius buvo tikrai unikalus ir labai įspūdingas.

Išsami informacija Kategorija: XVI–XVIII a. pabaigos vaizduojamieji menai ir architektūra Paskelbta 2017-04-27 14:46 Peržiūrų: 3249

XVIII amžiaus pradžioje. Prancūzijoje atsirado naujas stilius – rokoko.

Išvertus iš prancūzų rokoko (rocaille) – „lukštas“. Šio meninio stiliaus pavadinimas atskleidžia jam būdingą bruožą – meilę sudėtingoms formoms, keistoms linijoms, primenančioms elegantišką kriauklės siluetą.
Rokoko stilius gyvavo neilgai (iki maždaug 40-ųjų), tačiau jo įtaka Europos kultūrai pasirodė labai stipri.
Antroje XVIII amžiaus pusėje. prasidėjo naujas susidomėjimo senovės kultūra antplūdis. Tai iš dalies lėmė Pompėjos kasinėjimai, kurių metu buvo atrasti unikalūs meno paminklai. Kita vertus, šį susidomėjimą skatino prancūzų Apšvietos idėjos: jie įžvelgė meno ir socialinio gyvenimo idealą Senovės Graikijos ir Senovės Romos istorijoje ir kultūroje. Taip susiformavo naujas stilius – neoklasicizmas. Taip buvo ne visose šalyse. Pavyzdžiui, Italijoje barokas egzistavo kartu su rokoko stiliumi, o Prancūzijoje barokas nebuvo daug išplėtotas. Rusijoje rokoko ir neoklasicizmas papildė vienas kitą.
XVIII amžiuje. užsakovai nebevaidino pagrindinio vaidmens menininko likime: visuomenės nuomonė tapo pagrindiniu meno kūrinių teisėju. Pasirodė meno kritika: Denis Diderot, Jean Jacques Rousseau ir kt.
Svarbus įvykis Prancūzijos meno gyvenime XVIII a. tapo viešomis parodomis – Salonais. Nuo 1667 m. juos kasmet organizuoja Paryžiaus karališkoji tapybos ir skulptūros akademija, remiama karališkojo dvaro. Sėkmė salone buvo pripažinimas tapytojui ar skulptoriui. Dalyvauti Salonuose siekė ne tik prancūzai, todėl Paryžius pamažu virto visos Europos meno centru.

Jeanas Antoine'as Watteau (1684-1721)

Rosalba Carriera. Antoine'o Watteau portretas (1721 m.)
Antoine'as Watteau – XVIII amžiaus pirmojo trečdalio prancūzų tapytojas, rokoko stiliaus pradininkas.
Tapyboje jis atrado subtiliausių emocijų sferą, derančią su peizažo lyrika.
A. Watteau gimė provincijos miestelyje stogdengio šeimoje. Jau ankstyvame amžiuje pasireiškė jo meniniai sugebėjimai, o tėvas jį atidavė mokiniu pas vietinį nereikšmingo talento dailininką. Labai greitai mentorius nustojo būti naudingas būsimam menininkui. Antoine'as Watteau, prieš tėvo valią, slapta palieka gimtąjį Valensjeno miestelį ir pėsčiomis keliauja į Paryžių, kur įsidarbina dažymo dirbtuvėse ant Notre Dame tilto, kurio savininkas organizavo serijinę pigių kopijų gamybą. paveikslai „bendras skonis“ didmeniniams pirkėjams. Watteau mechaniškai kopijavo tuos pačius populiarius paveikslus, o laisvalaikiu tapė iš gamtos. Jis buvo išskirtinai darbštus.

Antoine'as Watteau „Įnoringas“ (apie 1718 m.). Valstybinis Ermitažo muziejus (Peterburgas)
Netrukus Watteau surado pirmuosius mecenatus – Pierre'ą Mariette ir jo sūnų Jeaną, graverius ir kolekcininkus, didelės įmonės, prekiaujančios spaudiniais ir paveikslais, savininkus. Mariettes Watteau gavo galimybę susipažinti su Rembrandto, Ticiano, Rubenso kūryba. Tarpininkaujant Mariettes, Watteau tampa dailininko Claude'o Gillot mokiniu, teatro dekoracijų meistru ir mažų paveikslų kūrėju. „Iš šio meistro Watteau paėmė tik grotesko ir komiškumo skonį, taip pat šiuolaikinių dalykų skonį, kuriam jis atsidavė vėliau. Ir vis dėlto turime pripažinti, kad Gillo Watteau pagaliau suprato save ir kad nuo to laiko ryškėjo talento, kurį reikėjo ugdyti, ženklai “(menininko Edm-Francois Gersin biografas).

Antoine'as Watteau „Prancūzų komedijos aktoriai“ (apie 1712 m.). Valstybinis Ermitažo muziejus (Peterburgas)
Būdamas 33 metų Watteau tampa populiariausiu tapytoju Paryžiuje, prisidėjusiu prie jo Europos šlovės.

Antoine'as Watteau "Gilles" (1718-1719). Luvras (Paryžius)
Štai kaip Watteau M.Yu kalba apie šią nuotrauką. Vokietis, vadovaujantis Rusijos muziejaus tyrėjas: „Meno istorijoje Gillesas praktiškai neturi analogų. Nedaug žmonių rašė aktorius. Be to, niekas nedrįso parodyti aktoriaus visiško neveiklumo. Pačiam Watteau tai buvo drąsus žingsnis: pačiame drobės viduryje nupiešti figūrą, didžiąją jos dalį užpildant plačiu gobtuvu, visiškai paslepiančiu komiko kūną, o gilumoje pavaizduoti kitų aktorių veidus. , ryškiai kontrastuojantis su beveik nejudančiu herojaus veidu su linksmybėmis ir animacija... Netekęs gestų ir veido išraiškų, simetriškai ir plokščiai įrašytas į drobę, jis ramiai egzistuoja laike, tarsi amžinai jam sustojęs. Viskas, kas trumpalaikė ir trumpalaikė, jam svetima. Už jo slypi šurmulys aktorių judesiuose. Prieš jį – žiūrovų juokas ir linksmybės. Ir jis visada lieka nejudantis, jo apvaliose, meiliose ir protingose ​​akyse yra juokingas ir liesantis priekaištas.
Jau gerokai susirgęs Watteau paėmė ant Notre Dame tilto antikvarinės parduotuvės iškabą „Didysis monarchas“. Ši parduotuvė priklausė jo draugui Gersenui.

Antoine'as Watteau. Gersino parduotuvės iškaba (1720-1721). Šarlotenburgo rūmai (Berlynas)
Watteau nutapė paveikslo ženklą ant dviejų atskirų, o paskui įdėjo į vieną rėmelį. Paveikslo veiksmas iš peizažo perkeliamas į vidų. Drobėje pavaizduota erdvi parduotuvė, kuri pagal menininko planą eina tiesiai į Paryžiaus grindinį.
Pirmame plane, kairėje, tarnai dėžėje deda neseniai mirusio Liudviko XIV portretą. Viršutiniame kampe kabo jo uošvio Ispanijos karaliaus Pilypo IV portretas, dešinėje žinovai atidžiai tyrinėja paveikslą ovaliame rėmelyje; peizažai ir natiurmortai čia sugyvena su mitologinėmis scenomis.
Pagrindinis šio darbo bruožas – programiškumas. Luiso Aragono teigimu, Watteau, prisidengdamas ženklu, pristatė tapybos istoriją tokią, kokią ją žinojo. Šis paveikslas tapo tarsi meniniu autoriaus testamentu. Antoine'as Watteau mirė sulaukęs 36 metų nuo tuberkuliozės.

Antoine'o Watteau paminklas jo gimtajame Valensjeno mieste (1884 m.)
Rokoko stiliaus raida taip pat siejama su Francois Boucher kūryba.

François Boucher (1703–1770)

F. Boucher – prancūzų tapytojas, graveris, dekoratorius. Jo kūrybai būdingos rafinuotos formos, lyriškai švelnus koloritas, grakštumas, koketiškumas, kartais pasiekiantis mielumą.

Gustavas Lundbergas. Francois Boucher portretas
Boucher buvo meistras graveris, iliustravo Ovidijaus, Boccaccio, Moljero knygas. Kūrė dekoracijas operoms ir spektakliams, paveikslus karališkoms gobelenų manufaktūroms; atliko Sevres porceliano ornamentikos paveikslus, piešė vėduokles, atliko miniatiūras ir kt.
Tapyboje jis atsigręžė į alegorines ir mitologines temas, tapė žanrines scenas, pastoracinius (rakaus ir paprasto kaimo gyvenimo poetizaciją), peizažus, portretus.

F. Bušas. Madam de Pompadour portretas
Bushas gavo teismo dailininko vardą. Jis papuošė karaliaus ir Madam de Pompadour rezidencijas, privačius dvarus Paryžiuje. Paskutiniais savo gyvenimo metais jis buvo Karališkosios tapybos ir skulptūros akademijos direktorius ir „pirmasis karaliaus tapytojas“.

F. Bušas. Dailininko žmonos Marie Buseau portretas (1733 m.)
Kitas F. Boucher paveikslas iliustruoja La Fontaine apysakos „Atsiskyrėlis“ epizodą. Netoliese prisidengdamas atsiskyrėliu apsigyvena jaunas vyras, nusprendęs suvilioti gražią, bet nedrąsią kaimo merginą. Jam pavyksta įtikinti mergaitės mamą jos šventumu, o ji pati pasiima dukrą pas jį pasiklausyti gerų jo pamokymų. Boucher rodo originalią Lafontaine'o kūrybos interpretaciją, tačiau pagrindinę vietą jo kompozicijoje užima peizažas.

F. Boucher „Peizažas su atsiskyrėliu. Brolis Liusas“ (1742). Dailės muziejus. A. S. Puškinas (Maskva)

Demokratinės prancūzų meno pažiūros

Jie buvo įkūnyti „trečiojo dvaro tapytojo“ Jeano Baptiste'o Simeono Chardino darbuose, Maurice'o Quentino de Latour portretuose.

Jeanas Baptiste'as Simeonas Chardinas (1699-1779)

Chardinas. autoportretas
Chardinas sąmoningai vengė savo laiko menui būdingų siužetų. Daugiausia tapė natiurmortus ir kasdienes scenas, tačiau juose išsakė savo pastebėjimus. Domėjosi „trečiojo dvaro“ žmonių gyvenimu (visos gyventojų grupės, išskyrus privilegijuotuosius: dvasininkus ir bajorus).
Chardino, kaip menininko, veikla tęsė olandų ir flamandų meistrų tradicijas ir reprezentavo realizmo klestėjimą XVIII a. Netgi jo natiurmortas buvo tikrovės vaizdavimo aspektas. Įprasčiausi daiktai jam tapo kompozicijos šaltiniais harmoningai būtybei vaizduoti: ąsočiai, seni puodai, daržovės ir kt.

Chardin „Scat“ (1728). Luvras (Paryžius)
Menininkas sugebėjo puikiai perteikti spalvinę įvairovę, jautė vidinį objektų tarpusavio ryšį. Mažais potėpiais jis perteikė spalvų atspalvius, turėjo galimybę į vaizdą įtraukti saulės šviesos įtaką.
Atsigręžęs į žanrinę tapybą, į įprastas buitines scenas, Chardinas drobėje atkūrė ramų, išmatuotą kasdienybės būdą, artimą kiekvienam žmogui. Būtent šie paveikslai jam sustiprino vieną ryškiausių vietų prancūzų tapybos istorijoje. 1728 m. tapo Paryžiaus dailės akademijos nariu, 1743 m. - jos patarėju; vėliau tapo Ruano mokslų, literatūros ir dailės akademijos nariu.
Jis įkvėpė kasdieniškiausius daiktus ir veiklą: Skalbyklę (1737), Stiklainį alyvuogių (1760), Meno atributus (1766).

Chardin „Natiurmortas su meno atributika“ (1766 m. Valstybinis Ermitažo muziejus (Peterburgas). Paveikslas Jekaterinos II užsakytas Sankt Peterburge statomam Dailės akademijos pastatui
D. Diderot lygino savo įgūdžius su raganavimu: „O, Chardinai, tai ne balti, raudoni ir juodi dažai, kuriuos šlifuojate savo paletėje, o pati daiktų esmė; pasiimkite oro ir šviesos teptuko galiuku ir padėkite juos ant drobės!

Chardinas „Muilo burbulai“ (1733-1734). Nacionalinė meno galerija, Vašingtonas (JAV)
Savotiška „galantiškos“ tapybos ir kasdienybės žanro sintezė išskiria Jeano Honore'o Fragonardo kūrybą.

Jean Honore Fragonard (1732–1806)

Prancūzų tapytojas ir graveris. Dirbo rokoko stiliumi. Daugiau nei 550 paveikslų autorius (neskaičiuojant piešinių ir graviūrų).

J.O. Fragonardas. Autoportretas (apie 1760–1770 m.)
Jis buvo F. Boucher ir J.B.S. Chardinas. Iš pradžių jis mėgo istorinę tapybą, o vėliau pradėjo rašyti Watteau ir Boucher dvasia. Dažnai jis turi intymaus gyvenimo scenas, erotinį turinį, dekoratyvines paneles, portretus, miniatiūras, akvareles, pasteles. Jis taip pat darė ofortą.
Tačiau klasicizmo eroje populiarumas prarado.

J.O. Fragonardas „Užraktas“ (1777). Luvras (Paryžius)
Paveiksle vaizduojama meilės scena: džentelmenas, nenuleisdamas akių nuo ponios, dešine ranka tiesiasi prie durų, ant kurių uždaro viršutinį skląstį. Kairė ponios ranka tarsi pakartoja šį judesį. Ant stalo yra obuolys, biblinis pagundos ir nuodėmės simbolis.
Istoriniuose paveiksluose Fragonardas nėra labai originalus. Jo peizažai gana pagražinti. Kita vertus, meistriška kompozicija, piešimo elegancija, subtiliu koloritu ir subtiliu skoniu išsiskiria menininkės žanriniai paveikslai: „Muzikos pamoka“, „Pastoracija“, „Maudytojai“, „Mieganti nimfa“, „Kupidonas nusivilkęs marškinius nuo Gražuolė“, „Jaunasis gitaristas“, „Slaptas bučinys“.

J.O. Fragonard „Stealth Kiss“ Ermitažas (Peterburgas)
XVIII amžiaus viduryje. prancūzų Apšvietos iškėlė klasikinius auklėjimo priemonių idealus. Tapyboje atsirado sentimentali ir moralistinė kryptis, kurioje išsiskyrė dailininkas Jeanas-Baptiste'as Greuze'as.

Jeanas-Baptiste'as Greuze'as (1725-1805)

J.-B. Svajonės. autoportretas
Greuzei ypač sekėsi šeimos gyvenimo žanre su jo problemomis ir dramomis – čia jis prancūzų tapyboje turi nedaug varžovų.

J.-B. Greuze "Tėvo prakeiksmas" (1777). Luvras (Paryžius)
Paveiksle vaizduojama šeimos dramos scena, kai sūnus praneša tėvui, kad išeina į kariuomenę, o tėvas jį prakeikia.
Kaip portretų tapytojas, jis taip pat buvo geriausias, nes. portretus suprato kitaip nei jo amžininkai, kurie vyrus vaizdavo kaip Apolą, o moteris – kaip Floresą ir Venerą. Jo portretai kupini panašumo, kupini gyvybės ir jausmų.

J.-B. Greuze "Mergaitės portretas". Azerbaidžano nacionalinis meno muziejus
Sankt Peterburgo Ermitaže yra 11 Greuzės kūrinių.
Prancūzijoje XVIII amžiuje padidėjęs susidomėjimas gamta ir peizažo tapyba. Neoklasicizmui būdingą kraštovaizdžio tipą („architektūrinė fantazija“) sukūrė Hubertas Robertas.

Hubertas Robertas (1733–1808)

Vigée-Lebrun, Marie Elisabeth Louise. Huberto Roberto portretas (1788), Luvras (Paryžius)
prancūzų peizažistas; pelnė europinę šlovę dėl savo matmenų drobių su romantizuotais senovės griuvėsių vaizdais, apsuptais idealizuotos gamtos. Jo slapyvardis buvo „Griuvėsių Robertas“.

Hubertas Robertas „Antikvariniai griuvėsiai“ (1754-1765). Budapeštas

Jacques-Louis David (1748-1825)

J.-L. Deividas. Autoportretas (1794 m.)
Prancūzų tapytojas ir mokytojas, pagrindinis prancūzų neoklasicizmo atstovas tapyboje. Jautrus savo neramių laikų metraštininkas.
Gimė geležies didmenininko šeimoje. Jis daugiausia užaugo giminaičių šeimoje. Pastebėjus vaiko gebėjimą piešti, buvo manoma, kad jis taps architektu, kaip ir abu jo dėdės.
Dovydas lankė piešimo pamokas Šv. Lukas. 1764 m. giminaičiai jį supažindino su Francois Boucher, tačiau dėl ligos jis negalėjo mokytis su jaunuoliu. 1766 m. Davidas įstojo į Karališkąją tapybos ir skulptūros akademiją ir pradėjo studijuoti Vienne dirbtuvėse. 1775-1780 metais. Dovydas studijavo Prancūzų akademijoje Romoje, studijavo antikinį meną ir Renesanso meistrų kūrybą.
1783 metais buvo išrinktas Tapybos akademijos nariu.
Aktyviai dalyvavo revoliuciniame judėjime, buvo išrinktas Nacionalinio konvento nariu, prisijungė prie Montanardų, vadovaujamų Marato ir Robespjero, balsavo už karaliaus Liudviko XVI mirtį. Nutapo nemažai paveikslų, skirtų revoliucionieriams: „Prieaika pobūvių salėje“ (1791, nebaigta), „Marato mirtis“ (1793). Taip pat tuo metu jis organizavo masines liaudies šventes ir sukūrė Nacionalinį muziejų Luvre.

J.-L. Deividas „Marato mirtis“ (1793). Karališkieji dailės muziejai (Briuselis)
Ši drobė yra vienas garsiausių paveikslų, skirtų Didžiajai Prancūzijos revoliucijai.
Jeanas Paulas Maratas yra radikalaus laikraščio „Liaudies draugas“ žurnalistas, jakobinų lyderis. Susirgęs odos liga Maratas neišėjo iš namų ir, norėdamas palengvinti kančias, išsimaudė. 1793 m. liepos 13 d. bajorė Charlotte Corday jį savo bute peiliu subadė.
Užrašas ant medinio postamento – autoriaus dedikacija: „MARATU, Dovydai“. Marato rankoje yra lapas su tekstu: „1793 m. liepos 13 d. Marie Anna Charlotte Corday – piliečiui Maratui. Esu nelaimingas, todėl turiu teisę į jūsų apsaugą. Tiesą sakant, Maratas neturėjo laiko gauti šio raštelio, nes. Korday jį nužudė anksčiau.
1794 m. jis buvo įkalintas už revoliucines pažiūras.
1797 m. jis buvo Napoleono Bonaparto iškilmingo įžengimo į Paryžių liudininkas ir nuo tada tapo jo karštu rėmėju, o atėjus į valdžią – teismo „pirmuoju menininku“. Davidas kuria paveikslus, skirtus Napoleono žygiui per Alpes, jo karūnavimui, taip pat nemažai kompozicijų ir Napoleonui artimų asmenų portretų. Po Napoleono pralaimėjimo Vaterlo mūšyje 1815 m., jis pabėgo į Šveicariją, vėliau persikėlė į Briuselį, kur gyveno iki savo gyvenimo pabaigos.

J.-L. Dovydas „Bonapartas prie Šv. Bernardo perėjos“ (1801 m.)
Šis Dovydo paveikslas atveria romantizmo erą Europos tapyboje. Tai itin romantizuotas jojimo portretas generolo Napoleono Bonaparto, kuris 1800 m. gegužę vedė Italijos kariuomenę per Šv. Bernardo perėją aukštai Alpėse.
Romantišką reikšmę paveikslui suteikia ir natūralus fonas: stačios kalnų uolos, sniegas, stiprus vėjas ir blogas oras. Žemiau, jei atidžiai pažvelgsite, galite pamatyti iškirptus trijų didžiųjų vadų, kurie praėjo šiuo keliu, vardus: Hanibalas, Karolis Didysis ir Bonapartas.

J.-L. Davidas „Napoleono karūnavimas“ (1805–1808)
Drobė sukurta pagal Rubenso paveikslo „Marijos Mediči karūnavimas“ įspūdį.
Jacques-Louis David buvo palaidotas Briuselyje, o jo širdis buvo pervežta į Paryžių ir palaidota Pere Lachaise kapinėse.
XVIII amžiuje. Prancūzijoje dirbo istoriniai tapytojai Jeanas Jouvenet, Nicolas Colombel, Pierre Subleyra, portretų tapytojai Claude'as Lefebvre'as, Nicolas Largilier ir Hyacinthe Rigaud.
XVIII amžiaus viduryje. garsėjo Vanlo šeima, ypač broliai Jeanas-Baptiste'as ir Charlesas bei kiti menininkai.