XVIII amžiaus japonų menininkai ir jų kūryba. Japonijos tapyba yra senovės meno forma

Yayoi Kusama vargu ar galės atsakyti, kas sudarė jos, kaip menininkės, karjeros pagrindą. Jai 87 metai, jos menas pripažintas visame pasaulyje. Netrukus JAV ir Japonijoje bus surengtos didelės jos darbų parodos, tačiau pasauliui ji dar visko nepapasakojo. „Tai vis dar pakeliui. Ateityje ketinu tai sukurti“, – sako Kusama. Ji vadinama sėkmingiausia Japonijos menininke. Be to, ji yra brangiausiai gyvenanti menininkė: 2014 metais jos paveikslas „Baltas Nr. 28“ buvo parduotas už 7,1 mln.

Kusama gyvena Tokijuje ir jau beveik keturiasdešimt metų savanoriškai guli psichiatrinėje ligoninėje. Kartą per dieną ji palieka sienas dažyti. Ji keliasi trečią valandą nakties, negali užmigti ir nori gerai išnaudoti savo laiką darbe. „Dabar esu senas, bet vis tiek ketinu kurti daugiau darbų ir geriausias darbas. Daugiau nei aš padariau praeityje. Mano galvoje pilna nuotraukų“, – sako ji.

(Iš viso 17 nuotraukų)

Yayoi Kusama savo darbų parodoje Londone 1985 m. Nuotrauka: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

Nuo devintos iki šeštos Kusama dirba savo trijų aukštų studijoje nesikeldamas neįgaliųjų vežimėlis. Ji gali vaikščioti, bet yra per silpna. Moteris dirba ant drobės, išdėliotos ant stalų arba pritvirtintos ant grindų. Studijoje gausu naujų paveikslų, ryškių, smulkiais taškeliais išmargintų darbų. Menininkė tai vadina „savęs nutildymu“ – begaliniu kartojimu, kuris užgožia triukšmą jos galvoje.

Prieš 2006 m. Praemium Imperiale meno apdovanojimus Tokijuje. Nuotrauka: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

Kitoje gatvės pusėje bus atidaryta nauja galerija, o į šiaurę nuo Tokijo statomas kitas jos meno muziejus. Be to, atidaromos dvi didelės jos darbų parodos. „Yayoi Kusama: Infinite Mirrors“ – jos 65 metų karjeros retrospektyva, vasario 23 d. atidaryta Hirshhorno muziejuje Vašingtone ir veiks iki gegužės 14 d., o vėliau keliaus į Sietlą, Los Andželą, Torontą ir Klivlandą. Ekspozicijoje – 60 Kusamos paveikslų.

Jos žirniai dengia viską nuo suknelių Louis Vuittonį autobusus Gimtasis miestas. Kusamos darbai nuolat parduodami už milijonus dolerių ir randami visame pasaulyje – nuo Niujorko iki Amsterdamo. Japonų menininko darbų parodos yra tokios populiarios, kad reikia imtis priemonių užkirsti kelią spūstims ir riaušėms. Pavyzdžiui, Hirschhorn parodoje bilietai parduodami tam tikram laikui, siekiant kažkaip reguliuoti lankytojų srautus.

Louis Vuitton ir Yayoi Kusama bendro dizaino pristatymas Niujorke 2012 m. Nuotrauka: Billy Farrell agentūra/REX/Shutterstock

Tačiau Kusamai vis tiek reikia patvirtinimo iš išorės. Viename interviu paklausta, ar prieš kelis dešimtmečius pasiekė savo tikslą tapti turtinga ir žinoma, ji nustebusi atsakė: „Kai buvau maža, man buvo labai sunku įtikinti mamą, kad noriu tapti menininke. Ar tikrai tiesa, kad esu turtingas ir garsus?

Kusama gimė Matsumoto mieste, Centrinės Japonijos kalnuose, 1929 metais turtingoje ir konservatyvioje šeimoje, prekiaujančioje sodinukais. Bet tai nebuvo laimingas namas. Jos mama niekino savo apgaudinėjantį vyrą ir nusiuntė mažąjį Kusamą jo šnipinėti. Mergina matė savo tėvą su kitomis moterimis, ir tai sukėlė joje visą gyvenimą trunkantį nepasitenkinimą seksu.

„Louis Vuitton“ vitriną sukūrė Kusama 2012 m. Nuotrauka: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

Vaikystėje ji pradėjo patirti regos ir klausos haliucinacijas. Pirmą kartą pamačiusi moliūgą, ji įsivaizdavo, kad jis kalbasi su ja. Būsimoji menininkė su vizijomis susidorojo kurdama pasikartojančius raštus, kad užgožtų mintis galvoje. Net tokiame jauname amžiuje menas jai tapo savotiška terapija, kurią vėliau ji pavadins „meno medicina“.

Muziejuje eksponuojami Yayoi Kusamos darbai šiuolaikinis menas Whitney 2012 m. Nuotrauka: Billy Farrell agentūra/REX/Shutterstock

Kusamos mama griežtai priešinosi dukters norui tapti menininke ir reikalavo, kad mergina eitų tradiciniu keliu. „Ji neleido man piešti. Ji norėjo, kad ištekėčiau“, – viename interviu sakė atlikėja. Ji išmetė mano darbą. Norėjau mesti po traukiniu. Kiekvieną dieną kovojau su mama, todėl mano protas buvo pažeistas.

1948 m., pasibaigus karui, Kusama išvyko į Kiotą studijuoti tradicinės japonų nihonga tapybos pagal griežtas taisykles. Ji nekentė šios meno formos.

Vienas iš Yayoi Kusamos parodos eksponatų Whitney modernaus meno muziejuje 2012 m. Nuotrauka: Billy Farrell agentūra/REX/Shutterstock

Kai Kusama gyveno Matsumote, ji rado Georgia O'Keeffe knygą ir buvo nustebinta jos paveikslų. Mergina nuvyko į Amerikos ambasadą Tokijuje, kad kataloge rastų straipsnį apie O'Keeffe ir sužinotų savo adresą. Kusama parašė jai laišką ir atsiuntė keletą piešinių, o jos nuostabai, amerikiečių menininkas jai atsakė.

„Negalėjau patikėti savo sėkme! Ji buvo tokia maloni, kad reagavo į staiga užplūdusį kuklios jausmų proveržį japonų merginos, kurio ji niekada gyvenime nebuvo sutikusi ar net girdėjusi“, – savo autobiografijoje „Infinity Net“ rašė atlikėja.

Yayoi Kusama lange, kurį ji sukūrė Louis Vuitton Niujorke 2012 m. Nuotrauka: Nilsas Jorgensenas/REX/Shutterstock

Nepaisant O'Keeffe perspėjimų, kad jauniems atlikėjams JAV sekasi sunkiai, jau nekalbant apie jaunas vienišas merginas iš Japonijos, Kusama buvo nesustabdoma. 1957 metais jai pavyko gauti pasą ir vizą. Ji pasiuvo dolerius į savo sukneles, kad išvengtų griežtos pokario valiutos kontrolės.

Pirmoji stotelė buvo Sietlas, kur ji surengė parodą nedidelėje galerijoje. Tada Kusama išvyko į Niujorką, kur buvo skaudžiai nusivylusi. „Skirtingai nuo pokario Matsumoto, Niujorkas visais atžvilgiais buvo pikta ir smurtinga vieta. Man tai buvo per daug įtempta, greitai įklimpau į neurozę. Dar blogiau, Kusama atsidūrė visiškame skurde. Senos durys jai tarnavo kaip lova, ir ji iš šiukšlių dėžių gaudė žuvų galvas ir supuvusias daržoves, kad iš jų ruoštų sriubą.

Instaliacija „Infinity Mirror Room – Love Forever“ („Kambarys su begalybės veidrodžiais – meilė amžinai“). Nuotrauka: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

Ši sunki situacija paskatino Kusamą dar labiau pasinerti į savo darbą. Ji pradėjo kurti savo pirmuosius paveikslus serijoje „Infinity Web“, padengdama didžiules drobes (viena iš jų siekė 10 metrų aukštį) užburiančiomis mažų kilpelių bangomis, kurios, atrodė, niekada nesibaigs. Pati menininkė juos apibūdino taip: „Balti tinklai apgaubia juodus tylios mirties taškelius beviltiškos nebūties tamsos fone“.

Yayoi Kusama instaliacija atidarant naują šiuolaikinio meno muziejaus garažą Gorkio centriniame kultūros ir kultūros parke Maskvoje 2015 m. Nuotrauka: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

Šis įkyrus kartojimas padėjo nuvyti neurozę, bet ne visada gelbėjo. Kusama nuolat kentėjo nuo psichozės priepuolių ir atsidūrė Niujorko ligoninėje. Ambicinga, ryžtinga ir laimingai prisiimanti egzotiškos azijietės, vilkinčios kimono, vaidmenį, ji prisijungė prie įtakingų meno žmonių minios ir bendravo su tokiais pripažintais menininkais kaip Markas Rothko ir Andy Warholas. Vėliau Kusama sakė, kad Warholas imitavo jos darbą.

Kusama netrukus įgijo tam tikrą šlovę ir eksponavo perpildytose galerijose. Be to, menininko šlovė tapo skandalinga.

1960-aisiais, kai Kusama buvo apsėsta taškelių rašto, ji pradėjo rengti renginius Niujorke: provokavo žmones nusirengti tokiose vietose kaip. centrinis parkas ir Bruklino tiltą, o jų kūnus išdažė taškeliais.

Peržiūrėta 2013 m. „Art Basel Hong Kong“. Nuotrauka: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

Dešimtmečius iki judėjimo „Occupy Wall Street“ atsiradimo Kusama Niujorko finansiniame rajone surengė įvykį, sakydama, kad nori „sunaikinti Volstryto vyrus taškeliais“. Maždaug tuo pačiu metu ji fališkai atrodančiais iškilimais pradėjo dengti įvairius daiktus – kėdę, valtį, vežimą. „Pradėjau kurti penius, kad išgydyčiau savo pasibjaurėjimą seksu“, – rašė menininkas, apibūdindamas, kaip šis kūrybinis procesas siaubingumą pamažu pavertė kažkuo pažįstamu.

„Pass Winter“ instaliacija Tate galerijoje Londone. Nuotrauka: James Gourley/REX/Shutterstock

Kusama niekada nebuvo ištekėjusi, nors gyvendama Niujorke su menininku Josephu Cornellu palaikė santuokinius santykius dešimt metų. „Man nepatiko seksas, o jis buvo impotentas, todėl buvome vienas kitam labai geri“, – sakė ji interviu žurnalui „Art Magazine“.

Kusama vis labiau išgarsėjo savo išdaigomis: ji pasiūlė pernakvoti su JAV prezidentu Richardu Niksonu, jei šis baigs Vietnamo karą. „Papuoškime vieni kitus taškeliais“, – rašė ji jam laiške. Susidomėjimas jos menu išblėso, ji iškrito iš palankumo ir vėl prasidėjo pinigų problemos.

Yayoi Kusama per savo darbo retrospektyvą Whitney modernaus meno muziejuje Niujorke 2012 m. Nuotrauka: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

Žinia apie Kusamos pabėgimus pasiekė Japoniją. Ją imta vadinti „nacionaline nelaime“, o mama sakė, kad būtų geriau, jei dukra būtų mirusi nuo ligos vaikystėje. Aštuntojo dešimtmečio pradžioje nuskurdęs ir nesėkmingas Kusama grįžo į Japoniją. Ji buvo užregistruota psichiatrinėje ligoninėje, kurioje gyvena iki šiol, ir paskendo meno nežinomybėje.

1989 m. Niujorko Šiuolaikinio meno centre buvo surengta jos kūrybos retrospektyva. Tai buvo lėto, bet susidomėjimo Kusamos menu pradžia. Ji užpildė veidrodžių kambarį moliūgais instaliacijai, kuri buvo pristatyta Venecijos bienalėje 1993 m., o 1998 m. surengė didelę parodą MoMa modernaus meno muziejuje Niujorke. Būtent čia ji kartą surengė įvykį.

Parodoje Mano amžinoji siela m Nacionalinis centras menas Tokijuje, 2017 m. vasario mėn. Nuotrauka: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Per pastaruosius kelerius metus Yayoi Kusama tapo tarptautiniu reiškiniu. Šiuolaikinė galerija Tate'as Londone ir Whitney muziejus Niujorke surengė didžiules retrospektyvas, kurios pritraukė didžiules minias ir padarė jos ikoninį taškinį raštą labai atpažįstamą.

Parodoje „Mano amžinoji siela“ Nacionaliniame meno centre Tokijuje 2017 m. vasario mėn. Nuotrauka: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Menininkė nesiruošia nustoti dirbti, tačiau pradėjo galvoti apie savo mirtingumą. „Nežinau, kiek galiu išgyventi net po mirties. Yra ateities karta, kuri seka mano pėdomis. Man bus didelė garbė, jei žmonėms patiks žiūrėti į mano darbus ir jei juos sujaudins mano menas.

Parodoje „Mano amžinoji siela“ Nacionaliniame meno centre Tokijuje 2017 m. vasario mėn. Nuotrauka: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Nepaisant savo meno komercializavimo, Kusama galvoja apie kapą Matsumote – ne šeimos skliaute, kurį ji jau paveldėjo iš savo tėvų – ir kaip jo nepaversti šventove. „Bet aš dar nemirštu. Manau, kad gyvensiu dar 20 metų“, – sako ji.

Parodoje „Mano amžinoji siela“ Nacionaliniame meno centre Tokijuje 2017 m. vasario mėn. Nuotrauka: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Japonų tapyba yra visiškai unikali pasaulio meno kryptis. Jis gyvuoja nuo seniausių laikų, tačiau kaip tradicija neprarado savo populiarumo ir gebėjimo nustebinti.

Dėmesys tradicijoms

Rytai – tai ne tik peizažai, kalnai ir kylanti saulė. Tai ir žmonės, sukūrę jos istoriją. Būtent šie žmonės ilgus šimtmečius išlaikė japonų tapybos tradicijas, plėtodami ir daugindami savo meną. Tie, kurie įnešė svarų indėlį į japonų menininkų istoriją. Būtent jų dėka šiuolaikiniai išlaikė visus tradicinės japonų tapybos kanonus.

Tapybos stilius

Skirtingai nuo Europos, japonų menininkai mieliau piešė grafiką, o ne tapybą. Tokiuose paveiksluose nerasite impresionistams taip būdingų šiurkščių, neatsargių aliejaus potėpių. Kokia grafinė tokio meno kaip japonų medžiai, uolos, gyvūnai ir paukščiai pobūdis – viskas šiuose paveikslėliuose nupiešta kuo aiškiau, tvirtomis ir pasitikinčiomis rašalo linijomis. Visi kompozicijos objektai turi turėti kontūrą. Užpildymas kontūro viduje dažniausiai atliekamas akvarele. Spalva išplaunama, dedama kitų atspalvių, kažkur paliekama popieriaus spalva. Dekoratyvumas kaip tik ir išskiria japonų paveikslus nuo viso pasaulio meno.

Kontrastai tapyboje

Kontrastas yra dar viena būdinga japonų menininkų naudojama technika. Tai gali būti tonų, spalvų skirtumas arba šiltų ir šaltų atspalvių kontrastas.

Menininkas griebiasi technikos, kai nori išryškinti kokį nors dalyko elementą. Tai gali būti gysla augale, vienas žiedlapis arba medžio kamienas danguje. Tada vaizduojama šviesi, apšviesta objekto dalis ir po ja esantis šešėlis (arba atvirkščiai).

Perėjimai ir spalvos

Piešiant japoniškus paveikslus dažnai naudojami perėjimai. Jie yra skirtingi: pavyzdžiui, nuo vienos spalvos iki kitos. Ant vandens lelijų, bijūnų žiedlapių matosi perėjimas nuo šviesus atspalvis iki sodrios, ryškios spalvos.

Taip pat perėjimai naudojami vandens paviršiaus, dangaus vaizde. Labai gražiai atrodo sklandus perėjimas nuo saulėlydžio iki tamsios, gilėjančios prieblandos. Piešiant debesis taip pat naudojami skirtingų atspalvių perėjimai ir atspindžiai.

Pagrindiniai japonų tapybos motyvai

Mene viskas yra susieta su tikru gyvenimu, su jame dalyvaujančių jausmais ir emocijomis. Kaip ir literatūroje, muzikoje ir kitose kūrybos apraiškose, taip ir tapyboje – kelios amžinos temos. Tai istoriniai siužetai, žmonių ir gamtos vaizdai.

Japonijos peizažai yra įvairūs. Dažnai paveiksluose yra tvenkinių vaizdai - mėgstamiausia japonų interjero tema. Dekoratyvinis tvenkinys, kelios vandens lelijos ir bambukai šalia – taip atrodo tipiškas XVII-XVIII amžiaus paveikslas.

Gyvūnai japonų tapyboje

Gyvūnai taip pat yra pasikartojantis Azijos tapybos elementas. Tradiciškai tai tupi tigras arba naminė katė. Apskritai azijiečiai labai mėgsta, todėl jų atstovų yra visose rytietiško meno formose.

Faunos pasaulis yra kita tema, kurią seka japonų tapyba. Paukščiai – gervės, dekoratyvinės papūgos, prabangūs povai, kregždės, nepastebimi žvirbliai ir net gaidžiai – visa tai randama Rytų meistrų piešiniuose.

Žuvis yra tokia pat karšta tema Japonijos menininkams. Koi yra japoniška auksinės žuvelės versija. Šios būtybės gyvena Azijoje visuose tvenkiniuose, net ir mažuose parkuose bei soduose. Koi karpis yra tam tikra tradicija, kuri priklauso būtent Japonijai. Šios žuvys simbolizuoja kovą, ryžtą, savo tikslo siekimą. Nenuostabu, kad jie vaizduojami kaip plūduriuojantys su srautu, visada su dekoratyviniais bangų keterais.

Japonijos paveikslai: žmonių vaizdavimas

Žmonės japonų tapyboje yra ypatinga tema. Menininkai vaizdavo geišas, imperatorius, karius ir vyresniuosius.

Geišos vaizduojamos apsuptos gėlių, visada dėvinčios įmantrius chalatus su daugybe klosčių ir elementų.

Išminčiai vaizduojami sėdintys arba ką nors aiškinantys savo mokiniams. Seno mokslininko įvaizdis yra Azijos istorijos, kultūros ir filosofijos simbolis.

Karys buvo vaizduojamas kaip baisus, kartais bauginantis. Ilgieji buvo detaliai nupiešti ir atrodė kaip viela.

Paprastai visos šarvų detalės yra išgrynintos rašalu. Dažnai nuogus karius puošia tatuiruotės, vaizduojančios rytietišką drakoną. Tai Japonijos stiprybės ir karinės galios simbolis.

Valdovai buvo vaizduojami imperatoriškoms šeimoms. Gražūs chalatai, papuošalai vyrų plaukuose – kad tokių meno kūrinių apstu.

peizažai

Tradicinis japonų peizažas – kalnai. Azijos dailininkams pavyko pavaizduoti įvairius peizažus: tą pačią viršūnę jie gali pavaizduoti skirtingomis spalvomis, su skirtinga atmosfera. Vienintelis dalykas, kuris lieka nepakitęs, yra privalomas gėlių buvimas. Dažniausiai kartu su kalnais menininkas vaizduoja kokį nors augalą pirmame plane ir jį detaliai piešia. Gražiai atrodo kalnai ir vyšnių žiedai. O jei piešiate krentančius žiedlapius – paveikslu žavisi liūdnas grožis. Paveikslo atmosferos kontrastas yra dar viena nuostabi Japonijos kultūros savybė.

Hieroglifai

Dažnai paveikslo kompozicija japonų tapyboje derinama su raidėmis. Hieroglifai išdėstyti taip, kad kompoziciškai atrodytų gražiai. Paprastai jie piešiami paveikslo kairėje arba dešinėje. Hieroglifai gali nurodyti, kas pavaizduota paveikslėlyje, jo pavardė ar menininko pavardė.

Japonija yra viena turtingiausių šalių istorija ir kultūra. Visame pasaulyje japonus įprasta laikyti pedantiškais žmonėmis, kurie estetiką randa absoliučiai visose gyvenimo apraiškose. Todėl japonų paveikslai visada yra labai harmoningi spalvomis ir tonais: jei yra kokios nors ryškios spalvos inkliuzai, tai tik semantiniuose centruose. Remiantis Azijos menininkų paveikslų pavyzdžiu, galima studijuoti spalvų teoriją, teisingą formos perkėlimą naudojant grafiką, kompoziciją. Japoniškų paveikslų atlikimo technika tokia aukšta, kad gali būti pavyzdžiu dirbant su akvarele ir atliekant grafikos darbų „plovimą“.

Japonų klasikinė tapyba turi ilgą ir įdomi istorija. Japonijos vaizduojamieji menai pristatomi skirtingais stiliais ir žanrais, kurių kiekvienas yra unikalus savaip. Senovinės tapytos figūrėlės ir geometriniai motyvai, rasti ant dotaku bronzinių varpų ir keramikos šukių, datuojami 300 m. po Kr.

Budistinė meno orientacija

Japonijoje sienų tapybos menas buvo gana gerai išvystytas, VI amžiuje ypač populiarūs buvo budizmo filosofijos vaizdai. Tuo metu šalyje buvo statomos didelės šventyklos, kurių sienas visur puošė pagal budizmo mitų ir legendų siužetus tapytos freskos. Iki šiol senoviniai sienų tapybos pavyzdžiai buvo saugomi Horyuji šventykloje netoli Japonijos Naros miesto. Horyuji freskose vaizduojamos scenos iš Budos ir kitų dievų gyvenimo. Šių freskų meninis stilius labai artimas Song dinastijos laikais Kinijoje populiariai vaizdinei koncepcijai.

Vaizdingas Tangų dinastijos stilius ypač išpopuliarėjo Naros laikotarpio viduryje. Takamatsuzukos kape rastos freskos priklauso šiam laikotarpiui ir datuojamos maždaug VII a. Meninė technika, susiformavusi veikiant Tangų dinastijai, vėliau sudarė kara-e tapybos žanro pagrindą. Šis žanras išlaikė savo populiarumą iki pirmųjų kūrinių yamato-e stiliaus pasirodymo. Dauguma freskų ir tapybinių šedevrų yra nežinomų autorių, šiandien daugelis to laikotarpio kūrinių saugomi Sesoin lobyne.

Didėjanti naujų budistų mokyklų, tokių kaip Tendai, įtaka VIII ir IX amžiuje paveikė platų religinį Japonijos vizualiųjų menų dėmesį. 10-ajame amžiuje, kai ypač vystėsi japonų budizmas, atsirado raigozu žanras – „sveikinamieji paveikslai“, vaizduojantys Budos atvykimą į Vakarų rojų. Ankstyvuosius raigōzu pavyzdžius, datuojamus 1053 m., galima pamatyti Bedo-in šventykloje, kuri saugoma Uji mieste, Kioto prefektūroje.

Stilių keitimas

Heiano laikotarpio viduryje kinų kara-e stilių pakeitė yamato-e žanras, kuris ilgą laiką tapo vienu populiariausių ir geidžiamiausių japonų tapybos žanrų. Naujasis vaizdinis stilius daugiausia buvo pritaikytas sulankstomiems ekranams ir stumdomoms durims. Laikui bėgant, yamato-e persikėlė į horizontalius emakimono ritinius. Emaki žanre dirbę menininkai savo darbuose stengėsi perteikti visą pasirinkto siužeto emocionalumą. „Genji monogatari“ ritinys susidėjo iš kelių tarpusavyje sujungtų epizodų, to meto menininkai naudojo greitus potėpius ir ryškias, išraiškingas spalvas.

E-maki yra vienas seniausių ir ryškiausių otoko-e, vyrų portreto žanro, pavyzdžių. Moterų portretai išskirtas kaip atskiras onna-e žanras. Tiesą sakant, tarp šių žanrų, taip pat tarp vyrų ir moterų, yra gana didelių skirtumų. Onna-e stilius spalvingai pateiktas „Pasakos apie Genji“ dizaine, kur pagrindinės piešinių temos – romantiški siužetai, rūmų gyvenimo scenos. Vyriškas stilius otoko-e yra daugiausia meninis istorinių mūšių ir kt svarbius įvykius imperijos gyvenime.

Klasikinė japonų meno mokykla tapo palankia dirva Japonijos šiuolaikinio meno idėjoms plėtoti ir propaguoti, kas aiškiai parodo popkultūros ir anime įtaką. Vienu žymiausių šiuolaikinių japonų menininkų galima vadinti Takashi Murakami, kurio kūryba skirta vaizduoti pokario laikotarpio Japonijos gyvenimo scenas bei maksimalios vaizduojamojo meno ir mainstream sintezės koncepciją.

Iš žymių japonų klasikinės mokyklos menininkų galima paminėti šiuos.

Įtemptas Šubūnas

Shubunas dirbo XV amžiaus pradžioje, daug laiko skyręs Songų dinastijos epochos kinų meistrų kūrybai, šis žmogus stovėjo prie japonų tapybinio žanro ištakų. Shubunas laikomas sumi-e, monochrominės tapybos tušu įkūrėju. Jis dėjo daug pastangų populiarindamas naująjį žanrą, paversdamas jį viena iš pirmaujančių japonų tapybos krypčių. Shubuno mokiniai buvo daug menininkų, kurie vėliau išgarsėjo, įskaitant Sesshu ir garsiosios meno mokyklos Kano Masanobu įkūrėją. Shubunui buvo priskiriama daug peizažų, tačiau garsiausias jo darbas tradiciškai laikomas „Skaitymas bambukų giraitėje“.

Ogata Korin (1658–1716)

Ogata Korin yra viena didžiausių menininkų Japonijos tapybos istorijoje, įkūrėja ir viena ryškiausių atstovų. meninis stilius rimpa. Korinas savo darbuose drąsiai nukrypo nuo tradicinių stereotipų, suformavęs savo stilių, kurio pagrindinės savybės buvo mažos formos ir ryškus siužeto impresionizmas. Korinas yra žinomas dėl savo ypatingų įgūdžių vaizduoti gamtą ir dirbti su abstrakčiomis spalvų kompozicijomis. „Slyvų žiedas raudonai baltas“ yra vienas iš labiausiai žinomų kūrinių Taip pat žinomi Ogata Korina, jo paveikslai „Chrizantemos“, „Macušimos bangos“ ir nemažai kitų.

Hasegawa Tohaku (1539–1610)

Tohaku yra Japonijos meno mokyklos Hasegawa įkūrėjas. Ankstyvajam Tohaku kūrybos laikotarpiui būdinga žinomos japonų tapybos mokyklos įtaka. Kano, bet laikui bėgant menininkas susikūrė savo unikalus stilius. Daugeliu atžvilgių Tohaku kūrybai įtakos turėjo pripažinto meistro Sesshu darbai, Hosegawa netgi laikė save penktuoju šio didžiojo meistro įpėdiniu. Pasaulinę šlovę pelnė Hasegawa Tohaku paveikslas „Pušys“, jo darbai „Klevas“, „Pušys ir žydintys augalai" ir kiti.

Kano Eitoku (1543–1590)

Kanō mokyklos stilius Japonijos vaizduojamajame mene dominavo maždaug keturis šimtmečius, o Kanō Eitoku yra turbūt vienas garsiausių ir žymūs atstovaiši meno mokykla. Eitoku palankiai įvertino valdžia, aristokratų ir turtingų mecenatų globa negalėjo neprisidėti prie jo mokyklos stiprinimo ir šio, be jokios abejonės, labai talentingo menininko darbų populiarumo. Eitoku Kano aštuonių skydelių stumdomas ekranas „Cypress“ yra tikras šedevras ir puikus Monoyama stiliaus apimties ir galios pavyzdys. Ne mažiau įdomiai atrodo ir kiti meistro darbai, tokie kaip „Keturių metų laikų paukščiai ir medžiai“, „Kinų liūtai“, „Atsiskyrėliai ir fėja“ ir daugelis kitų.

Katsushika Hokusai (1760–1849)

Hokusai - didžiausias meistras ukiyo-e (japoniškas medžio raižinys). Hokusų darbas gavo pasaulio pripažinimas, jo šlovė kitose šalyse nepalyginama su daugumos Azijos menininkų populiarumu, jo darbas „Didžioji banga prie Kanagavos“ tapo tam tikru Japonijos vaizduojamojo meno bruožu pasaulio meno scenoje. Pats kūrybinis būdas Hokusai pavartojo daugiau nei trisdešimt slapyvardžių, po šešiasdešimties menininkas visiškai atsidėjo menui ir būtent šis laikas laikomas vaisingiausiu jo kūrybos periodu. Hokusai kūryba turėjo įtakos Vakarų impresionistų ir postimpresionistų meistrų kūrybai, įskaitant Renoiro, Monet ir van Gogho darbus.

Turi labai turtingą istoriją; jos tradicija yra plati, o unikali Japonijos padėtis pasaulyje daro didelę įtaką dominuojantiems japonų menininkų stiliams ir technikoms. Žinomas faktas Kad Japonija šimtmečius buvo gana izoliuota, nulėmė ne tik geografija, bet ir dominuojantis japonų kultūrinis polinkis į izoliaciją, paženklinusią šalies istoriją. Per šimtmečius, kuriuos galėtume vadinti „Japonijos civilizacija“, kultūra ir menas vystėsi atskirai nuo likusio pasaulio. Ir tai netgi pastebima japonų tapybos praktikoje. Pavyzdžiui, Nihonga paveikslai yra vienas iš pagrindinių Japonijos tapybos praktikos elementų. Jis paremtas daugiau nei tūkstančio metų tradicija, o paveikslai dažniausiai kuriami teptukais ant jūsų (japoniško popieriaus) arba egina (šilko).

Tačiau japonų menas ir tapyba buvo paveikti užsienio meninės praktikos. Pirma, tai buvo kinų menas XVI amžiuje ir kinų tapyba bei kinų meno tradicijos, kurios buvo ypač įtakingos keliais atžvilgiais. Nuo XVII amžiaus japonų tapybai įtakos turėjo ir Vakarų tradicijos. Visų pirma, prieškariniu laikotarpiu, kuris truko 1868–1945 m., Japonijos tapyba buvo paveikta impresionizmo ir Europos romantizmas. Tuo pat metu naujiems Europos meno judėjimams didelę įtaką padarė ir japonų meno technika. Meno istorijoje ši įtaka vadinama „japonizmu“, ypač reikšminga impresionistams, kubistams ir su modernizmu siejamiems menininkams.

Ilgą japonų tapybos istoriją galima vertinti kaip kelių tradicijų, kurios sukuria pripažintos japonų estetikos dalis, sintezę. Visų pirma, budizmo menas ir tapybos metodai bei religinė tapyba paliko reikšmingą pėdsaką japonų tapybos estetikoje; Peizažų tapyba vandens rašalu pagal kinų literatūros tapybos tradiciją yra dar vienas svarbus elementas, pripažintas daugelyje garsių japonų paveikslų; gyvūnų ir augalų, ypač paukščių ir gėlių, tapyba yra tai, kas dažniausiai siejama su japonų kompozicijomis, kaip ir peizažai bei scenos iš Kasdienybė. Galiausiai, senovės filosofijos ir kultūros idėjos apie grožį turėjo didelę įtaką japonų tapybai. senovės japonija. Wabi, reiškiantis trumpalaikį ir atšiaurų grožį, sabi (natūralios patinos ir senėjimo grožis) ir yugen (gili grakštumas ir subtilumas) vis dar daro įtaką idealams japonų tapybos praktikoje.

Galiausiai, jei sutelksime dėmesį į dešimties garsiausių Japonijos šedevrų atranką, turime paminėti ukiyo-e, kuris yra vienas populiariausių meno žanrų Japonijoje, nors ir priklauso grafikos kūrimui. Jis dominavo Japonijos menas XVII – XIX a., o šiam žanrui priklausantys menininkai kūrė medžio raižinius ir paveikslus su tokiais objektais kaip gražios merginos, kabuki aktoriai ir sumo imtynininkai, taip pat scenos iš istorijos ir liaudies pasakos, kelionių scenos ir peizažai, flora ir fauna ir net erotika.

Visada sunku sudaryti geriausių meno tradicijų paveikslų sąrašą. Daugelis nuostabių kūrinių bus neįtraukti; tačiau šiame sąraše yra dešimt labiausiai atpažįstamų japonų paveikslų pasaulyje. Šiame straipsnyje bus pristatomi tik paveikslai, sukurti nuo XIX amžiaus iki šių dienų.

Japonijos tapyba turi nepaprastai turtingą istoriją. Per šimtmečius japonų menininkai sukūrė daugybę unikalių technikų ir stilių, kurie yra vertingiausias Japonijos indėlis į meno pasaulį. Viena iš šių technikų yra sumi-e. Sumi-e pažodžiui reiškia „piešimas tušu“, derinant kaligrafiją ir tapybą tušu, sukuriant retą teptuku tapytų kompozicijų grožį. Šis grožis yra paradoksalus – senovinis, bet modernus, paprastas, bet sudėtingas, drąsus, tačiau nuosaikus, neabejotinai atspindintis dvasinį meno pagrindą dzenbudizme. Budistų žyniai šeštajame amžiuje iš Kinijos į Japoniją atvežė kieto rašalo bloką ir bambukinį teptuką, o per pastaruosius 14 amžių Japonija sukūrė turtingą tapybos tušu paveldą.

Slinkite žemyn ir pamatysite 10 japonų tapybos šedevrų

1. Katsushika Hokusai "Žvejo žmonos svajonė"

Vienas iš labiausiai atpažįstamų japonų paveikslų yra „Žvejo žmonos sapnas“. Jis buvo parašytas 1814 m garsus menininkas Hokusai. Pagal griežtus apibrėžimus, tai nuostabus darbas Hokusai negali būti laikomas paveikslu, nes tai ukiyo-e medžio raižinys iš Jaunų pušų (Kinoe no Komatsu), kuri yra trijų tomų šunga knyga. Kompozicijoje vaizduojamas jaunas ama naras, seksualiai susipynęs su aštuonkojų pora. Šis vaizdas turėjo didelę įtaką XIX ir XX a. Darbas paveikė vėlesnius menininkus, tokius kaip Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf ir Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka „Abe no Nakamaro rašo nostalgišką eilėraštį žiūrėdamas į mėnulį“

Tessai Tomioka yra garsaus japonų menininko ir kaligrafo pseudonimas. Jis laikomas paskutiniu didžiausiu menininku pagal Bunjing tradiciją ir vienu pirmųjų pagrindinių Nihonga stiliaus menininkų. Bunjinga buvo japonų tapybos mokykla, klestėjusi vėlyvuoju Edo laikotarpiu tarp menininkų, kurie save laikė literatais ar intelektualais. Kiekvienas iš šių menininkų, įskaitant Tessaia, sukūrė savo stilių ir techniką, tačiau jie visi buvo dideli Kinijos meno ir kultūros gerbėjai.

3. Fujishima Takeji „Saulėtekis virš Rytų jūros“

Fujishima Takeji buvo japonų menininkas, žinomas dėl savo darbų plėtojant romantizmą ir impresionizmą jogos (vakarietiško stiliaus) meno judėjime XIX amžiaus pabaigoje ir XX amžiaus pradžioje. 1905 m. jis išvyko į Prancūziją, kur jį paveikė to meto prancūzų judėjimai, ypač impresionizmas, kaip matyti iš jo 1932 m. paveikslo Saulėtekis virš Rytų jūros.

4. Kitagawa Utamaro „Dešimt moterų veidų tipų, dominuojančių gražuolių kolekcija“

Kitagawa Utamaro buvo žymus japonų menininkas, gimęs 1753 m. ir miręs 1806 m. Jis iki šiol geriausiai žinomas dėl serialo „Dešimt moterų veidų tipų“. Valdančių gražuolių rinkinys, didžiosios klasikinės poezijos meilės temos“ (kartais vadinamas „Įsimylėjusiomis moterimis“, turinčios atskiras graviūras „Nuoga meilė“ ir „Sąmoninga meilė“). Jis yra vienas reikšmingiausių menininkų, priklausančių ukiyo-e medžio raižinių žanrui.

5. Kawanabe Kyosai "Tigras"

Kawanabe Kyosai buvo vienas garsiausių Edo laikotarpio japonų menininkų. Jo meną paveikė Tohaku, XVI a. Kano tapytojas, vienintelis to meto tapytojas, tapęs ekranus tik rašalu subtiliame aukso miltelių fone. Nors Kyosai yra žinomas kaip karikatūristas, jis yra parašęs daugumą garsūs paveikslai in Japonijos istorija XIX menas amžiaus. „Tigras“ – vienas iš tų paveikslų, kuriuos kurdami Kyosai panaudojo akvarelę ir tušą.

6. Hiroshi Yoshida Fuji iš Kawaguchi ežero

Hiroshi Yoshida yra žinomas kaip viena didžiausių Shin-Hanga stiliaus figūrų (shin-hanga yra meninis judėjimas pradžioje Japonijoje Taisho ir Showa laikotarpiais, kurie atgijo tradicinis menas ukiyo-e, įsitvirtinusi Edo ir Meiji laikotarpiu (XVII – XIX a.)). Jis buvo apmokytas Vakarų aliejinės tapybos tradicijos, kuri buvo priimta Japonijoje Meiji laikotarpiu.

7. Takashi Murakami „727“

Takashi Murakami yra bene populiariausias šių laikų japonų menininkas. Jo darbai parduodami už astronomines kainas pagrindiniai aukcionai, o kūryba jau įkvepia naujas menininkų kartas ne tik Japonijoje, bet ir užsienyje. Murakami menas apima daugybę laikmenų ir paprastai apibūdinamas kaip itin plokščias. Jo darbai yra žinomi dėl savo spalvų naudojimo, įtraukiant Japonijos tradicinės ir populiariosios kultūros motyvus. Jo paveikslų turinys dažnai apibūdinamas kaip „mielas“, „psichodelinis“ ar „satyrinis“.

8. Yayoi Kusama „Moliūgas“

Yaoi Kusama taip pat yra vienas garsiausių japonų menininkų. Ji kuria viduje įvairios technikosįskaitant tapybą, koliažą, „scat“ skulptūrą, performanso meną, aplinkos meną ir instaliaciją, kurių dauguma rodo jos teminį susidomėjimą psichodelinėmis spalvomis, pasikartojimais ir raštais. Viena žinomiausių šio puikaus menininko serijų yra Moliūgų serija. Ryškiai geltonos spalvos taškuotas įprastas moliūgas pavaizduotas prieš tinklelį. Visi tokie elementai kartu sudaro vizualinę kalbą, kuri yra neabejotina menininko stiliumi, kuri buvo sukurta ir patobulinta per dešimtmečius kruopštaus kūrimo ir atkūrimo.

9. Tenmyoya Hisashi „Japoniška dvasia Nr. 14“

Tenmyoya Hisashi yra šiuolaikinis japonų menininkas, žinomas dėl savo neo-nihonga paveikslų. Jis dalyvavo atgimime sena tradicija Japonų tapyba, kuri yra visiškai priešinga šiuolaikinei japonų tapybai. 2000 metais jis taip pat sukūrė savo naujas stilius butouha, kuris demonstruoja tvirtą požiūrį į autoritetą meno sistema per jo paveikslus. „Japoniška dvasia Nr. 14“ buvo sukurta kaip dalis meninė schema„BASARA“, išvertus į Japonijos kultūra kaip maištingas žemesniosios aristokratijos elgesys kariaujančių valstybių laikotarpiu, siekiant atimti iš valdžios galimybę pasiekti idealų gyvenimo būdą, rengiantis nuostabiais ir prabangiais drabužiais bei veikiant laisva valia, kuri jų neatitinka. socialinė klasė.

10. Katsushika Hokusai „Didžioji banga nuo Kanagavos“

Galiausiai, Didžioji banga prie Kanagavos yra turbūt labiausiai atpažįstama japonų tapyba kada nors parašyta. Tai tikrai labiausiai garsus darbas Japonijoje sukurtas menas. Jame pavaizduotos didžiulės bangos, keliančios grėsmę valtims prie Kanagavos prefektūros krantų. Nors kartais klaidingai suprantama kaip cunamis, banga, kaip rodo paveikslo pavadinimas, greičiausiai tiesiog turi anomaliai aukštą aukštį. Paveikslas padarytas pagal ukiyo-e tradiciją.

Iš: ,

Menas ir dizainas

2904

01.02.18 09:02

Šiandieninė meno scena Japonijoje labai įvairi ir provokuojanti: žiūrėdami į Tekančios saulės šalies meistrų darbus pagalvosite, kad nusileidote kitoje planetoje! Čia gyvena novatoriai, pakeitę pramonės kraštovaizdį pasauliniu mastu. Pateikiame 10 šiuolaikinių japonų menininkų ir jų kūrybos sąrašą – nuo neįtikėtinų Takashi Murakami (šiandien švenčiančio gimtadienį) būtybių iki spalvingos Kusamos visatos.

Nuo futuristinių pasaulių iki punktyrinių žvaigždynų: šiuolaikiniai japonų menininkai

Takashi Murakami: tradicionalistas ir klasikas

Pradėkime nuo progos herojaus! Takashi Murakami yra vienas žymiausių Japonijos šiuolaikinių menininkų, kuriantis paveikslus, didelio masto skulptūras ir madą. Murakami stiliui įtakos turi manga ir anime. Jis yra judėjimo „Superflat“, remiančio Japonijos meno tradicijas ir šalies pokario kultūrą, įkūrėjas. Murakami paaukštino daugelį savo bendraamžių, su kai kuriais iš jų susipažinsime ir šiandien. Mados ir meno meno rinkose pristatomi „subkultūriniai“ Takashi Murakami darbai. Jo provokuojantis filmas „My Lonesome Cowboy“ (1998 m.) 2008 m. buvo parduotas Niujorke „Sotheby's“ už rekordinę 15,2 mln. Murakami bendradarbiavo su visame pasaulyje žinomais prekių ženklais Marc Jacobs, Louis Vuitton ir Issey Miyake.

Tycho Asima ir jos siurrealistinė visata

Meno gamybos įmonės „Kaikai Kiki“ ir judėjimo „Superflat“ (abu įkūrė Takashi Murakami) narė Chiho Ashima yra žinoma dėl savo fantastinių miesto peizažų ir keistų popsatų. Menininkas kuria siurrealistines svajones, kuriose gyvena demonai, vaiduokliai, jaunos gražuolės, vaizduojamos svetimos gamtos fone. Jos darbai dažniausiai būna didelės apimties ir spausdinami ant popieriaus, odos, plastiko. 2006 m. šis šiuolaikinis japonų menininkas dalyvavo Londono parodoje „Art on the Underground“. Ji sukūrė 17 nuoseklių arkų platformai – stebuklingas kraštovaizdis pamažu virto iš dienos į naktį, iš miesto į kaimą. Šis stebuklas pražydo Gloucester Road metro stotyje.

Chiharu Shima ir Infinite Threads

Kitas menininkas Chiharu Shiota kuria didelio masto vizualines instaliacijas tam tikriems orientyrams. Ji gimė Osakoje, bet dabar gyvena Vokietijoje – Berlyne. Pagrindinės jos kūrybos temos – užmarštis ir atmintis, sapnai ir realybė, praeitis ir dabartis, taip pat nerimo akistata. Dauguma žinomų kūrinių Chiharu Shiota – nepralaidūs tinkleliai iš juodų siūlų, dengiantys įvairius buities ir asmeninius daiktus – pavyzdžiui, senas kėdes, Vestuvinė suknelė, apdegęs pianinas. 2014 metų vasarą Šiota raudonų siūlų siūlais sujungė ir ant kabliukų pakabino daugiau nei 300 jai dovanotų batų ir batų. Pirmoji Chiharu paroda Vokietijos sostinėje buvo surengta per Berlyno meno savaitę 2016 metais ir sukėlė sensaciją.

Ei, Arakawa: visur, ne bet kur

Ei Arakawa įkvėptas pokyčių būsenų, nestabilumo laikotarpių, rizikos elementų, o jo instaliacijos dažnai simbolizuoja draugystės ir komandinio darbo temas. Šiuolaikinio japonų menininko credo apibrėžiamas performatyviu neapibrėžtu „visur, bet niekur“. Jo kūryba pasirodo netikėtose vietose. 2013 metais Arakavos darbai buvo eksponuojami Venecijos bienalėje ir Japonijos šiuolaikinio meno parodoje Mori meno muziejuje (Tokijas). „Hawaiian Presence“ instaliacija (2014 m.) buvo sukurta bendradarbiaujant su Niujorke gyvenančia menininke Carissa Rodriguez ir rodoma Whitney bienalėje. Taip pat 2014-aisiais Arakawa ir jo brolis Tomu, koncertuodami duetu pavadinimu „United Brothers“, „Frieze London“ lankytojams pasiūlė savo „kūrinį“ „The This Soup Taste Ambivalent“ su „radioaktyviomis“ Fukušimos daikono šaknimis.

Koki Tanaka: santykiai ir kartojimas

2015 metais Koki Tanaka buvo pripažintas Metų atlikėju. Tanaka tyrinėja bendrą kūrybiškumo ir vaizduotės patirtį, skatina projekto dalyvių mainus ir pasisako už naujas bendradarbiavimo taisykles. Jo instaliaciją Japonijos paviljone 2013 m. Venecijos bienalėje sudarė vaizdo įrašai apie objektus, paverčiančius erdvę meno mainų platforma. Kokio Tanakos instaliacijos (nepainioti su jo bendrapavardžiu aktoriumi) iliustruoja objektų ir veiksmų santykį, pavyzdžiui, vaizdo įraše užfiksuoti paprasti gestai, atliekami įprastais daiktais (peiliu pjaustant daržoves, į taurę pilamas alus, atidarant skėtį). Nieko reikšmingo neįvyksta, tačiau įkyrus kartojimas ir dėmesys smulkiausioms smulkmenoms priverčia žiūrovą įvertinti kasdienybę.

Mariko Mori ir supaprastintos formos

Kita šiuolaikinė japonų menininkė Mariko Mori „buria“ multimedijos objektus, derindama vaizdo įrašus, nuotraukas, objektus. Ji turi minimalistinę futuristinę viziją ir aptakias, siurrealistines formas. Pasikartojanti Maury kūrybos tema – Vakarų legendos sugretinimas su Vakarų kultūra. 2010 m. Mariko įkūrė ne pelno siekiančią švietimo kultūros organizaciją „Fau Foundation“, kuriai sukūrė savo meno instaliacijų seriją, pagerbdama šešis apgyvendintus žemynus. Visai neseniai Fondo nuolatinė instaliacija „Žiedas: vienas su gamta“ buvo iškelta virš vaizdingo krioklio Resende netoli Rio de Žaneiro.

Ryoji Ikeda: garso ir vaizdo sintezė

Ryoji Ikeda yra naujųjų medijų menininkas ir kompozitorius, kurio kūryba daugiausia susijusi su garsu skirtingomis „neapdorotomis“ būsenomis – nuo sinusinių garsų iki triukšmo, naudojant dažnius žmogaus klausos pakraščiuose. Kvapą gniaužiančiose jo instaliacijose yra kompiuteriu sukurti garsai, kurie vizualiai paverčiami vaizdo projekcijomis ar skaitmeniniais šablonais. Ikeda audiovizualinio meno objektuose naudojamas mastelis, šviesa, šešėlis, garsumas, elektroniniai garsai ir ritmas. Garsusis menininko bandomasis objektas susideda iš penkių projektorių, kurie apšviečia 28 metrų ilgio ir 8 metrų pločio plotą. Įrenginys konvertuoja duomenis (tekstą, garsus, nuotraukas ir filmus) į brūkšninį kodą ir dvejetainius nulių ir vienetų modelius.

Tatsuo Miyajima ir LED skaitikliai

Šiuolaikinis japonų skulptorius ir instaliacijų menininkas Tatsuo Miyajima naudoja savo mene elektros grandinės, vaizdo įrašai, kompiuteriai ir kitos programėlės. Pagrindinės Miyajima koncepcijos yra įkvėptos humanistinių idėjų ir budizmo mokymų. Šviesos diodų skaitikliai jo sąrankoje nuolat mirksi nuo 1 iki 9, simbolizuojantys kelionę iš gyvenimo į mirtį, tačiau vengiant baigtumo, kurį reiškia 0 (nulis Tatsuo kūryboje niekada nerodomas). Visur esantys skaičiai tinklelyje, bokštuose ir diagramose išreiškia Miyajimos susidomėjimą tęstinumo, amžinybės, ryšio ir laiko bei erdvės tėkmės idėjomis. Ne taip seniai objektas Miyajima Laiko strėlė buvo parodytas inauguracinėje parodoje „Nepilnos mintys, matomos Niujorke“.

Nara Yoshimoto ir blogi vaikai

Nara Yoshimoto kuria paveikslus, skulptūras ir piešinius su vaikais ir šunimis – temomis, kurios atspindi vaikišką nuobodulio ir nusivylimo jausmą bei nuožmią savarankiškumą, kuri natūraliai atsiranda mažiems vaikams. Yoshimoto kūrinių estetika primena tradicinę knygų iliustracijų, yra nelengvos įtampos ir atlikėjo meilės pankrokui mišinys. 2011 m. Azijos visuomenės muziejuje Niujorke buvo surengta pirmoji Yoshitomo personalinė paroda „Yoshitomo Nara: Nobody's Fool“, apimanti 20 metų trunkančią šiuolaikinio japonų menininko karjerą. Eksponatai buvo glaudžiai susiję su pasaulio jaunimo subkultūromis, jų susvetimėjimu ir protestu. .

Yayoi Kusama ir erdvė, kuri auga neįprastomis formomis

Nuostabi kūrybinė Yayoi Kusamos biografija apima septynis dešimtmečius. Per šį laiką nuostabi japonė spėjo studijuoti tapybos, grafikos, koliažo, skulptūros, kino, graviūros, aplinkos meno, instaliacijos, taip pat literatūros, mados ir drabužių dizaino sritis. Kusama sukūrė labai išskirtinį taškinio meno stilių, kuris tapo jos prekės ženklu. Iliuzinės vizijos, pateikiamos 88-erių Kusamos darbuose – kai pasaulis tarsi padengtas keistomis besidauginančiomis formomis – yra haliucinacijų, kurias ji patyrė nuo vaikystės, pasekmė. Patalpos su spalvingais taškeliais ir jų sankaupas atspindinčiais „begaliniais“ veidrodžiais atpažįstami, jų su niekuo nesupainiosi.