Japonijos tapybos menas. Tradicinė japonų tapyba ir graviravimas
Yayoi Kusama vargu ar galės atsakyti, kas sudarė jos, kaip menininkės, karjeros pagrindą. Jai 87 metai, jos menas pripažintas visame pasaulyje. Netrukus JAV ir Japonijoje bus surengtos didelės jos darbų parodos, tačiau pasauliui ji dar visko nepapasakojo. „Tai vis dar pakeliui. Ateityje ketinu tai sukurti“, – sako Kusama. Ji vadinama sėkmingiausia Japonijos menininke. Be to, ji yra brangiausiai gyvenanti menininkė: 2014 metais jos paveikslas „Baltas Nr. 28“ buvo parduotas už 7,1 mln.
Kusama gyvena Tokijuje ir jau beveik keturiasdešimt metų savanoriškai guli psichiatrinėje ligoninėje. Kartą per dieną ji palieka sienas dažyti. Ji keliasi trečią valandą nakties, negali užmigti ir nori gerai išnaudoti savo laiką darbe. „Dabar esu senas, bet vis tiek kursiu daugiau darbų Ir geriausias darbas. Daugiau nei aš padariau praeityje. Mano galvoje pilna nuotraukų“, – sako ji.
(Iš viso 17 nuotraukų)
Yayoi Kusama savo darbų parodoje Londone 1985 m. Nuotrauka: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock
Nuo devintos iki šeštos Kusama dirba savo trijų aukštų studijoje nesikeldamas neįgaliųjų vežimėlis. Ji gali vaikščioti, bet yra per silpna. Moteris dirba ant drobės, išdėliotos ant stalų arba pritvirtintos ant grindų. Studijoje gausu naujų paveikslų, ryškių, smulkiais taškeliais išmargintų darbų. Menininkė tai vadina „savęs nutildymu“ – begaliniu kartojimu, kuris užgožia triukšmą jos galvoje.
Prieš 2006 m. Praemium Imperiale meno apdovanojimus Tokijuje. Nuotrauka: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock
Kitoje gatvės pusėje bus atidaryta nauja galerija, o į šiaurę nuo Tokijo statomas kitas jos meno muziejus. Be to, atidaromos dvi didelės jos darbų parodos. Yayoi Kusama: Infinite Mirrors, jos 65 metų karjeros retrospektyva, atidaryta Hirshhorn muziejuje Vašingtone vasario 23 d. ir veiks iki gegužės 14 d., o vėliau keliaus į Sietlą, Los Andželą, Torontą ir Klivlandą. Ekspozicijoje – 60 Kusamos paveikslų.
Jos žirniai dengia viską nuo suknelių Louis Vuittonį autobusus Gimtasis miestas. Kusamos darbai nuolat parduodami už milijonus dolerių ir randami visame pasaulyje – nuo Niujorko iki Amsterdamo. Japonų menininko darbų parodos yra tokios populiarios, kad reikia imtis priemonių užkirsti kelią spūstims ir riaušėms. Pavyzdžiui, Hirschhorn parodoje bilietai parduodami tam tikram laikui, siekiant kažkaip reguliuoti lankytojų srautus.
Louis Vuitton ir Yayoi Kusama bendro dizaino pristatymas Niujorke 2012 m. Nuotrauka: Billy Farrell agentūra/REX/Shutterstock
Tačiau Kusamai vis tiek reikia patvirtinimo iš išorės. Viename interviu paklausta, ar prieš kelis dešimtmečius pasiekė savo tikslą tapti turtinga ir žinoma, ji nustebusi atsakė: „Kai buvau maža, man buvo labai sunku įtikinti mamą, kad noriu tapti menininke. Ar tikrai tiesa, kad esu turtingas ir garsus?
Kusama gimė Matsumoto mieste, Centrinės Japonijos kalnuose, 1929 metais turtingoje ir konservatyvioje šeimoje, prekiaujančioje sodinukais. Bet tai nebuvo laimingas namas. Jos mama niekino savo apgaudinėjantį vyrą ir nusiuntė mažąjį Kusamą jo šnipinėti. Mergina matė savo tėvą su kitomis moterimis, ir tai sukėlė joje visą gyvenimą trunkantį nepasitenkinimą seksu.
„Louis Vuitton“ vitriną sukūrė Kusama 2012 m. Nuotrauka: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock
Vaikystėje ji pradėjo patirti regos ir klausos haliucinacijas. Pirmą kartą pamačiusi moliūgą, ji įsivaizdavo, kad jis kalbasi su ja. Būsimoji menininkė su vizijomis susidorojo kurdama pasikartojančius raštus, kad užgožtų mintis galvoje. Net tokiame jauname amžiuje menas jai tapo savotiška terapija, kurią vėliau ji pavadins „meno medicina“.
Muziejuje eksponuojami Yayoi Kusamos darbai šiuolaikinis menas Whitney 2012 m. Nuotrauka: Billy Farrell agentūra/REX/Shutterstock
Kusamos mama griežtai priešinosi dukters norui tapti menininke ir reikalavo, kad mergina eitų tradiciniu keliu. „Ji neleido man piešti. Ji norėjo, kad ištekėčiau“, – viename interviu sakė atlikėja. Ji išmetė mano darbą. Norėjau mesti po traukiniu. Kiekvieną dieną kovojau su mama, todėl mano protas buvo pažeistas.
1948 m., pasibaigus karui, Kusama išvyko į Kiotą studijuoti tradicinės japonų nihonga tapybos pagal griežtas taisykles. Ji nekentė šios meno formos.
Vienas iš Yayoi Kusamos parodos eksponatų Whitney modernaus meno muziejuje 2012 m. Nuotrauka: Billy Farrell agentūra/REX/Shutterstock
Kai Kusama gyveno Matsumote, ji rado Georgia O'Keeffe knygą ir buvo nustebinta jos paveikslų. Mergina nuvyko į Amerikos ambasadą Tokijuje, kad kataloge rastų straipsnį apie O'Keeffe ir sužinotų jos adresą. Kusama parašė jai laišką ir atsiuntė keletą piešinių, o jos nuostabai, amerikiečių menininkas jai atsakė.
„Negalėjau patikėti savo sėkme! Ji buvo tokia maloni, kad reagavo į staiga užplūdusį kuklios jausmų proveržį japonų merginos, kurio ji niekada gyvenime nebuvo sutikusi ar net girdėjusi“, – savo autobiografijoje „Infinity Net“ rašė atlikėja.
Yayoi Kusama lange, kurį ji sukūrė Louis Vuitton Niujorke 2012 m. Nuotrauka: Nilsas Jorgensenas/REX/Shutterstock
Nepaisant O'Keeffe perspėjimų, kad jauniems atlikėjams JAV sekasi sunkiai, jau nekalbant apie jaunas vienišas merginas iš Japonijos, Kusama buvo nesustabdoma. 1957 metais jai pavyko gauti pasą ir vizą. Ji pasiuvo dolerius į savo sukneles, kad išvengtų griežtos pokario valiutos kontrolės.
Pirmoji stotelė buvo Sietlas, kur ji surengė parodą nedidelėje galerijoje. Tada Kusama išvyko į Niujorką, kur buvo skaudžiai nusivylusi. „Skirtingai nuo pokario Matsumoto, Niujorkas visais atžvilgiais buvo pikta ir smurtinga vieta. Man tai buvo per daug įtempta, greitai įklimpau į neurozę. Dar blogiau, Kusama atsidūrė visiškame skurde. Senos durys jai tarnavo kaip lova, ir ji iš šiukšlių dėžių gaudė žuvų galvas ir supuvusias daržoves, kad iš jų ruoštų sriubą.
Instaliacija „Infinity Mirror Room – Love Forever“ („Kambarys su begalybės veidrodžiais – meilė amžinai“). Nuotrauka: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock
Ši sunki situacija paskatino Kusamą dar labiau pasinerti į savo darbą. Ji pradėjo kurti savo pirmuosius paveikslus serijoje „Infinity Web“, padengdama didžiules drobes (viena iš jų siekė 10 metrų aukštį) užburiančiomis mažų kilpelių bangomis, kurios, atrodė, niekada nesibaigs. Pati menininkė juos apibūdino taip: „Balti tinklai apgaubia juodus tylios mirties taškelius beviltiškos nebūties tamsos fone“.
Yayoi Kusamos instaliacija atidarant naują Šiuolaikinio meno muziejaus Garažo pastatą Gorkio centriniame kultūros ir kultūros parke Maskvoje 2015 m. Nuotrauka: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock
Šis įkyrus kartojimas padėjo nuvyti neurozę, bet ne visada gelbėjo. Kusama nuolat kentėjo nuo psichozės priepuolių ir atsidūrė Niujorko ligoninėje. Ambicinga, ryžtinga ir laimingai prisiimanti egzotiškos azijietės, vilkinčios kimono, vaidmenį, ji prisijungė prie įtakingų meno žmonių minios ir bendravo su tokiais pripažintais menininkais kaip Markas Rothko ir Andy Warholas. Vėliau Kusama sakė, kad Warholas imitavo jos darbą.
Kusama netrukus įgijo tam tikrą šlovę ir eksponavo perpildytose galerijose. Be to, menininko šlovė tapo skandalinga.
1960-aisiais, kai Kusama buvo apsėsta taškelių rašto, ji pradėjo rengti renginius Niujorke: provokavo žmones nusirengti tokiose vietose kaip. centrinis parkas ir Bruklino tiltą, o jų kūnus išdažė taškeliais.
Peržiūrėta 2013 m. „Art Basel Hong Kong“. Nuotrauka: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock
Dešimtmečius iki judėjimo „Occupy Wall Street“ atsiradimo Kusama Niujorko finansiniame rajone surengė įvykį, sakydama, kad nori „sunaikinti Volstryto vyrus taškeliais“. Maždaug tuo pačiu metu ji ėmė fališkai atrodančiais iškilimais dengti įvairius daiktus – kėdę, valtį, vežimą. „Pradėjau gaminti penius, kad išgydyčiau savo nepasitenkinimą seksu“, – rašė menininkas, aprašydamas, kaip tai įvyko kūrybinis procesas pamažu tai, kas baisu, pavertė kažkuo pažįstamu.
„Pass Winter“ instaliacija Tate galerijoje Londone. Nuotrauka: James Gourley/REX/Shutterstock
Kusama niekada nebuvo ištekėjusi, nors gyvendama Niujorke su menininku Josephu Cornellu palaikė santuokinius santykius dešimt metų. „Man nepatiko seksas, o jis buvo impotentas, todėl mes buvome labai geri vienas kitam“, – sakė ji interviu žurnalui „Art Magazine“.
Kusama vis labiau išgarsėjo savo išdaigomis: ji pasiūlė pernakvoti su JAV prezidentu Richardu Niksonu, jei šis baigs Vietnamo karą. „Papuoškime vieni kitus taškeliais“, – rašė ji jam laiške. Susidomėjimas jos menu išblėso, ji iškrito iš palankumo ir vėl prasidėjo pinigų problemos.
Yayoi Kusama per savo darbo retrospektyvą Whitney modernaus meno muziejuje Niujorke 2012 m. Nuotrauka: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock
Žinia apie Kusamos pabėgimus pasiekė Japoniją. Ją imta vadinti „nacionaline nelaime“, o mama sakė, kad būtų geriau, jei dukra būtų mirusi nuo ligos vaikystėje. Aštuntojo dešimtmečio pradžioje nuskurdęs ir nesėkmingas Kusama grįžo į Japoniją. Ji buvo užregistruota psichiatrinėje ligoninėje, kurioje gyvena iki šiol, ir paskendo meno nežinomybėje.
1989 m. Niujorko Šiuolaikinio meno centre buvo surengta jos kūrybos retrospektyva. Tai buvo lėto, bet susidomėjimo Kusamos menu pradžia. Ji užpildė veidrodinį kambarį moliūgais instaliacijai, kuri buvo rodoma Venecijos bienalė 1993 m., o 1998 m didžioji paroda MoMA modernaus meno muziejuje Niujorke. Būtent čia ji kartą surengė įvykį.
Parodoje Mano amžinoji siela m Nacionalinis centras menas Tokijuje, 2017 m. vasario mėn. Nuotrauka: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Per pastaruosius kelerius metus Yayoi Kusama tapo tarptautiniu reiškiniu. Šiuolaikinė galerija Tate Londone ir Whitney muziejus Niujorke surengė didžiules retrospektyvas, kurios pritraukė didžiules minias ir padarė jos ikoninį taškinį raštą labai atpažįstamą.
Parodoje „Mano amžinoji siela“ Nacionaliniame meno centre Tokijuje 2017 m. vasario mėn. Nuotrauka: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Menininkė nesiruošia nustoti dirbti, tačiau pradėjo galvoti apie savo mirtingumą. „Nežinau, kiek galiu išgyventi net po mirties. Yra ateities karta, kuri seka mano pėdomis. Man bus didelė garbė, jei žmonėms patiks žiūrėti į mano darbus ir jei juos sujaudins mano menas.
Parodoje „Mano amžinoji siela“ Nacionaliniame meno centre Tokijuje 2017 m. vasario mėn. Nuotrauka: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Nepaisant savo meno komercializavimo, Kusama galvoja apie kapą Matsumote – ne šeimos skliaute, kurį ji jau paveldėjo iš savo tėvų – ir kaip jo nepaversti šventove. „Bet aš dar nemirštu. Manau, kad gyvensiu dar 20 metų“, – sako ji.
Parodoje „Mano amžinoji siela“ Nacionaliniame meno centre Tokijuje 2017 m. vasario mėn. Nuotrauka: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Kiekviena šalis turi savo šiuolaikinio meno herojus, kurių vardai žinomi, kurių parodos sutraukia minias gerbėjų ir smalsuolių, o kūriniai platinami po privačias kolekcijas.
Šiame straipsnyje mes supažindinsime jus su populiariausiais šiuolaikiniai menininkai Japonija.
Keiko Tanabe
Kiote gimęs Keiko vaikystėje laimėjo daugybę titulų. meno konkursai, bet Aukštasis išsilavinimas gavo visai ne meno srityje. Ji yra dirbusi Japonijos savivaldos prekybos organizacijos Tokijuje, didelėje advokatų kontoroje San Franciske ir privačioje konsultacijų įmonėje San Diege tarptautinių ryšių skyriuje ir daug keliavo. Nuo 2003 metų ji paliko darbą ir, San Diege išmokusi tapybos akvarele pagrindus, atsidėjo tik menui.
Ikenaga Yasunari (Ikenaga Yasunari)
Japonų menininkė Ikenaga Yasunari piešia portretus šiuolaikinės moterys pagal senovės japonų tapybos tradiciją, kaip pagrindą naudojant Menso teptuką, mineralinius pigmentus, anglies juodumą, tušą ir liną. Jo veikėjos – mūsų laikų moterys, tačiau dėl Nihonga stiliaus kyla jausmas, kad jos pas mus atkeliavo iš senų laikų.
Abe Toshiyuki
Abe Toshiyuki yra realistas, įvaldęs akvarelės technika. Abė gali būti vadinamas menininku-filosofu: jis iš esmės nebraižo žinomų orientyrų, pirmenybę teikia subjektyvioms kompozicijoms, kurios atspindi vidines būsenas juos stebintis asmuo.
Hiroko Sakai
Menininko Hiroko Sakai karjera prasidėjo 90-ųjų pradžioje Fukuokos mieste. Baigusi Seinan Gakuin universitetą ir Nihon French Interjero dizaino mokyklą dizaino ir vizualizacijos studijose, ji įkūrė „Atelier Yume-Tsumugi Ltd“. ir sėkmingai vadovavo šiai studijai 5 metus. Daugelis jos darbų puošia ligoninių vestibiulius, didelių korporacijų biurus ir kai kuriuos Japonijos savivaldybių pastatus. Persikėlęs į JAV, Hiroko pradėjo tapyti aliejumi.
Riusuke Fukahori
Ryuusuki Fukahori trimačiai darbai yra tarsi hologramos. Jie padaryti akriliniai dažai dedamas keliais sluoksniais ir skaidrus skystis Derva – visa tai, neišskiriant tradicinių metodų, tokių kaip šešėlių piešimas, kraštų švelninimas, skaidrumo kontrolė, leidžia Ryusuki kurti skulptūrinius paveikslus ir suteikia darbui gylio ir tikroviškumo.
Natsuki Otani
Natsuki Otani yra talentingas japonų iliustratorius, gyvenantis ir dirbantis Anglijoje.
Makoto Muramatsu
Makoto Muramatsu savo darbo pagrindu pasirinko temą, kuri naudinga visiems – jis piešia kates. Jo nuotraukos populiarios visame pasaulyje, ypač galvosūkių pavidalu.
Tetsuya Mishima
Dauguma šiuolaikinio japonų menininko Mishima paveikslų yra pagaminti aliejumi. Profesionaliai piešia nuo 90-ųjų, surengė keletą personalinių parodų ir didelis skaičius kolektyvinės parodos, tiek japonų, tiek užsienio.
Jei manote, kad visi puikūs menininkai yra praeityje, tada neįsivaizduojate, kaip klystate. Šiame straipsnyje sužinosite apie garsiausius ir talentingi menininkai modernumas. Ir, patikėkite, jų kūriniai įsimins ne mažiau giliai nei praeitų epochų maestro darbai.
Wojciechas Babskis
Wojciechas Babskis – modernus lenkų menininkas. Jis baigė Silezijos politechnikos institutą, bet susisiekė su. IN Pastaruoju metu piešia daugiausia moteris. Orientuojasi į emocijų pasireiškimą, paprastomis priemonėmis siekia išgauti kuo didesnį efektą.
Mėgsta spalvas, bet dažnai naudoja juodus ir pilkus atspalvius, kad pasiektų geriausią įspūdį. Nebijo eksperimentuoti su naujomis technikomis. Pastaruoju metu jis vis labiau populiarėja užsienyje, daugiausia – Didžiojoje Britanijoje, kur sėkmingai parduoda savo darbus, kuriuos jau galima rasti daugelyje privačių kolekcijų. Be meno, jis domisi kosmologija ir filosofija. Klausosi džiazo. Šiuo metu gyvena ir dirba Katovicuose.
Warrenas Changas
Warren Chang – modernus Amerikos menininkas. Gimęs 1957 m. ir užaugęs Monterėjuje, Kalifornijoje, 1981 m. Meno centro dizaino koledže Pasadenoje įgijo puikių menų bakalauro laipsnį. Kitus du dešimtmečius jis dirbo iliustratoriumi įvairiose įmonėse Kalifornijoje ir Niujorke, o 2009 m. pradėjo profesionalaus menininko karjerą.
Jo realistinius paveikslus galima suskirstyti į dvi pagrindines kategorijas: biografinius interjero paveikslus ir darbinius žmones vaizduojančius paveikslus. Jo susidomėjimas šiuo tapybos stiliumi kyla iš XVI a. tapytojo Jano Vermeerio kūrybos ir apima objektus, autoportretus, šeimos narių, draugų, studentų portretus, studijos, klasės ir namų interjerus. Jo tikslas yra sukurti nuotaiką ir emocijas savo realistiškuose paveiksluose manipuliuojant šviesa ir naudojant prislopintas spalvas.
Chang išgarsėjo po perėjimo prie tradicinių vizualiųjų menų. Per pastaruosius 12 metų jis pelnė daugybę apdovanojimų ir apdovanojimų, iš kurių prestižiškiausias yra Amerikos aliejinių tapytojų, didžiausios aliejinės tapybos bendruomenės Jungtinėse Valstijose, „Master Signature“. Tik vienas asmuo iš 50 yra pagerbtas galimybe gauti šį apdovanojimą. Šiuo metu Warrenas gyvena Monterėjuje ir dirba jo studijoje, taip pat dėsto (žinomas kaip talentingas mokytojas) San Francisko menų akademijoje.
Aurelijus Bruni
Aurelio Bruni - italų menininkas. Gimė Blere, 1955 m. spalio 15 d. Spoleto dailės institute baigė scenografijos studijas. Kaip menininkas, jis yra savamokslis, nes savarankiškai „pastatė žinių namus“ ant dar mokykloje padėtų pamatų. Tapyti aliejumi jis pradėjo būdamas 19 metų. Šiuo metu gyvena ir dirba Umbrijoje.
Ankstyvosios Bruni tapybos šaknys yra siurrealizmas, tačiau laikui bėgant jis pradeda sutelkti dėmesį į lyrinio romantizmo ir simbolizmo artumą, sustiprindamas šį derinį išskirtiniu savo personažų rafinuotumu ir grynumu. Gyvieji ir negyvi objektai įgauna vienodą orumą ir atrodo beveik hiperrealistiškai, tačiau tuo pačiu nesislepia už užuolaidos, o leidžia įžvelgti savo sielos esmę. Universalumas ir rafinuotumas, jausmingumas ir vienatvė, mąstymas ir vaisingumas – tai Aurelio Bruni dvasia, maitinama meno spindesio ir muzikos harmonijos.
Aleksandras Balosas
Alkasandras Balosas yra šiuolaikinis lenkų menininkas, kurio specializacija – aliejinė tapyba. Gimė 1970 metais Glivicuose, Lenkijoje, tačiau nuo 1989 metų gyvena ir dirba JAV, Šastos mieste, Kalifornijoje.
Vaikystėje jis mokėsi dailės, vadovaujamas savamokslio dailininko ir skulptoriaus tėvo Jano, todėl nuo mažens menine veikla sulaukė visiško abiejų tėvų palaikymo. 1989 m., būdamas aštuoniolikos metų, Balosas išvyko iš Lenkijos į JAV, kur jo mokytoja ir menininkė Cathy Gaggliardi paskatino Alcasanderį stoti į JAV. meno mokykla. Tada Balosas gavo visą stipendiją Milvokio Viskonsino universitete, kur studijavo tapybą pas filosofijos profesorių Harry Rosiną.
Baigęs mokslus 1995 m. ir įgijęs bakalauro laipsnį, Balos persikėlė į Čikagą mokytis vaizdiniai menai kurių metodai pagrįsti kūrybiškumu Jacques-Louis David. vaizdinis realizmas ir portretų tapyba buvo dauguma 90-ųjų ir 2000-ųjų pradžios Baloso darbai. Šiandien Balos naudoja žmogaus figūra siekiant pabrėžti bruožus ir parodyti žmogaus būties trūkumus, kartu nesiūlant jokių sprendimų.
Jo paveikslų siužetinės kompozicijos skirtos žiūrovui savarankiškai interpretuoti, tik tada drobės įgaus tikrąją laikinę ir subjektyvią prasmę. 2005 metais menininkas persikėlė į Šiaurės Kaliforniją, nuo tada jo kūrybos apimtys gerokai išsiplėtė ir dabar apima laisvesnius tapybos metodus, įskaitant abstrakciją ir įvairius multimedijos stilius, padedančius per tapybą išreikšti būties idėjas ir idealus.
Alyssa Monks
Alyssa Monks yra šiuolaikinė amerikiečių menininkė. Ji gimė 1977 m. Ridžvude, Naujajame Džersyje. Tapyba susidomėjo dar būdama vaikas. Mokėsi New School Niujorke ir Valstijos universitetas Montclair ir 1999 m. baigė Bostono koledžą, įgijo bakalauro laipsnį. Tuo pat metu ji studijavo tapybą Lorenzo Medici akademijoje Florencijoje.
Tada ji tęsė studijas pagal magistrantūros programą Niujorko dailės akademijoje, Figūrinio meno katedroje, kurią baigė 2001 m. 2006 m. ji baigė Fullertono koledžą. Kurį laiką ji skaitė paskaitas universitetuose ir švietimo įstaigos visoje šalyje dėstė tapybą Niujorko meno akademijoje, taip pat Montclair valstijos universitete ir Laimo akademijos meno koledže.
„Naudodamas tokius filtrus kaip stiklas, vinilas, vanduo ir garai, aš iškraipyju Žmogaus kūnas. Šie filtrai leidžia kurti dideli plotai abstraktus dizainas, pro jas žvelgiančios spalvų salelės – žmogaus kūno dalys.
Mano paveikslai pakeičia šiuolaikišką žvilgsnį į jau nusistovėjusias, tradicines besimaudančių moterų pozas ir gestus. Atidžiam žiūrovui jie galėtų daug pasakoti apie tokius, atrodytų, savaime suprantamus dalykus, kaip plaukimo, šokių nauda ir pan. Mano personažai prispausti prie dušo lango stiklo, iškraipydami savo kūną, suprasdami, kad taip jie daro įtaką pagarsėjusiam vyriškam žvilgsniui į nuogą moterį. Stori dažų sluoksniai sumaišomi, kad iš tolo imituotų stiklą, garus, vandenį ir mėsą. Tačiau iš arti – žavu fizines savybes aliejiniai dažai. Eksperimentuodamas su dažų ir spalvų sluoksniais randu momentą, kai abstraktūs potėpiai tampa kažkuo kitu.
Kai pirmą kartą pradėjau tapyti žmogaus kūną, tuo iškart susižavėjau ir netgi buvau apsėstas ir pajutau, kad savo paveikslus turiu padaryti kuo realistiškesnius. „Išpažinau“ realizmą tol, kol jis pats ėmė atrintis ir dekonstruoti. Dabar tyrinėju tapybos stiliaus, kuriame susitinka reprezentacinė tapyba ir abstrakcija, galimybes ir potencialą – jei abu stiliai gali egzistuoti kartu tuo pačiu momentu, aš tai padarysiu.
Antonio Finelli
italų menininkas - laiko stebėtojas” – Antonio Finelli gimė 1985 m. vasario 23 d. Šiuo metu gyvena ir dirba Italijoje tarp Romos ir Campobasso. Jo darbai buvo eksponuoti keliose galerijose Italijoje ir užsienyje: Romoje, Florencijoje, Novaroje, Genujoje, Palerme, Stambule, Ankaroje, Niujorke, taip pat jų galima rasti privačiose ir viešose kolekcijose.
Piešiniai pieštuku" Laiko stebėtojas Antonio Finelli siunčia mus į amžiną kelionę vidinis pasaulisžmogaus laikinumas ir su juo susijusi griežta šio pasaulio analizė, kurios pagrindinis elementas yra laiko ėjimas ir jo skleidžiami pėdsakai ant odos.
Finelli piešia bet kokio amžiaus, lyties ir tautybės žmonių portretus, kurių mimika byloja apie laiko slinkimą, o ant savo personažų kūnų menininkas tikisi rasti ir laiko negailestingumo įrodymų. Savo darbus Antonio apibrėžia vienu bendru pavadinimu: „Autoportretas“, nes pieštuku pieštukais ne tik vaizduoja žmogų, bet leidžia žiūrovui apmąstyti tikrus laiko tėkmės žmogaus viduje rezultatus.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni yra 37 metų italų menininkė, diplomato dukra. Ji turi tris vaikus. Dvylika metų ji gyveno Romoje, trejus – Anglijoje ir Prancūzijoje. BD meno mokykloje įgijo meno istorijos laipsnį. Tada ji gavo meno kūrinių restauratoriaus specialybės diplomą. Prieš suradusi savo pašaukimą ir visiškai atsidavusi tapybai, ji dirbo žurnaliste, koloriste, dizainere ir aktore.
Aistra tapybai Flaminijai kilo vaikystėje. Jos pagrindinė terpė yra aliejus, nes ji mėgsta „coiffer la te“ ir taip pat žaidžia su medžiaga. Panašios technikos ji išmoko dailininko Pascalio Torua darbuose. Flaminia įkvėpta didžiųjų tapybos meistrų, tokių kaip Balthus, Hopper ir François Legrand, taip pat įvairių meniniai judesiai: gatvės menas, kinų realizmas, siurrealizmas ir renesanso realizmas. Jos mėgstamiausias atlikėjas yra Caravaggio. Jos svajonė – atrasti terapinę meno galią.
Denisas Černovas
Denisas Černovas yra talentingas Ukrainos menininkas, gimė 1978 metais Sambire, Lvovo srityje, Ukrainoje. Baigęs Charkovą meno mokykla 1998 m. apsistojo Charkove, kur šiuo metu gyvena ir dirba. Jis taip pat mokėsi Charkove valstybinė akademija dizaino ir menų, grafikos skyrių, baigė 2004 m.
Jis nuolat dalyvauja meno parodos, ant Šis momentas jų buvo daugiau nei šešiasdešimt – tiek Ukrainoje, tiek užsienyje. Dauguma Deniso Černovo darbų saugomi privačiose kolekcijose Ukrainoje, Rusijoje, Italijoje, Anglijoje, Ispanijoje, Graikijoje, Prancūzijoje, JAV, Kanadoje ir Japonijoje. Kai kurie kūriniai buvo parduoti Christie's.
Denisas dirba įvairiais grafikais ir tapybos technikos. Piešiniai pieštuku – vienas mėgstamiausių jo tapybos būdų, temų sąrašas pieštukų piešiniai taip pat labai įvairi, piešia peizažus, portretus, aktus, žanrines kompozicijas, knygų iliustracijų, literatūros ir istorinės rekonstrukcijos ir fantazijos.
Japonų tapyba yra visiškai unikali pasaulio meno kryptis. Jis gyvuoja nuo seniausių laikų, tačiau kaip tradicija neprarado savo populiarumo ir gebėjimo nustebinti.
Dėmesys tradicijoms
Rytai – tai ne tik peizažai, kalnai ir kylanti saulė. Tai ir žmonės, sukūrę jos istoriją. Būtent šie žmonės daugelį amžių palaikė japonų tapybos tradiciją, plėtodami ir daugindami savo meną. Tie, kurie įnešė svarų indėlį į japonų menininkų istoriją. Būtent jų dėka šiuolaikiniai išlaikė visus tradicinės japonų tapybos kanonus.
Tapybos stilius
Skirtingai nuo Europos, japonų menininkai mieliau piešė grafiką, o ne tapybą. Tokiuose paveiksluose nerasite impresionistams taip būdingų šiurkščių, neatsargių aliejaus potėpių. Kokia grafinė tokio meno kaip japonų medžiai, uolos, gyvūnai ir paukščiai pobūdis – viskas šiuose paveikslėliuose nupiešta kuo aiškiau, tvirtomis ir pasitikinčiomis rašalo linijomis. Visi kompozicijos objektai turi turėti kontūrą. Užpildymas kontūro viduje dažniausiai atliekamas akvarele. Spalva išplaunama, dedama kitų atspalvių, kažkur paliekama popieriaus spalva. Dekoratyvumas kaip tik ir išskiria japonų paveikslus nuo viso pasaulio meno.
Kontrastai tapyboje
Kontrastas yra dar viena būdinga japonų menininkų naudojama technika. Tai gali būti tonų, spalvų skirtumas arba šiltų ir šaltų atspalvių kontrastas.
Menininkas griebiasi technikos, kai nori išryškinti kokį nors dalyko elementą. Tai gali būti gysla augale, vienas žiedlapis arba medžio kamienas danguje. Tada vaizduojama šviesi, apšviesta objekto dalis ir po ja esantis šešėlis (arba atvirkščiai).
Perėjimai ir spalvos
Piešiant japoniškus paveikslus dažnai naudojami perėjimai. Jie yra skirtingi: pavyzdžiui, nuo vienos spalvos iki kitos. Ant vandens lelijų, bijūnų žiedlapių matosi perėjimas nuo šviesus atspalvis iki sodrios, ryškios spalvos.
Taip pat perėjimai naudojami vandens paviršiaus, dangaus vaizde. Labai gražiai atrodo sklandus perėjimas nuo saulėlydžio iki tamsios, gilėjančios prieblandos. Piešiant debesis taip pat naudojami skirtingų atspalvių perėjimai ir atspindžiai.
Pagrindiniai japonų tapybos motyvai
Mene viskas susiję su Tikras gyvenimas, su jame dalyvaujančių žmonių jausmais ir emocijomis. Kaip ir literatūroje, muzikoje ir kitose kūrybos apraiškose, taip ir tapyboje – kelios amžinos temos. Tai istoriniai siužetai, žmonių ir gamtos vaizdai.
Japonijos peizažai yra įvairūs. Dažnai paveiksluose yra tvenkinių vaizdai - mėgstamiausia japonų interjero tema. Dekoratyvinis tvenkinys, kelios vandens lelijos ir bambukai šalia – taip atrodo tipiškas XVII-XVIII amžiaus paveikslas.
Gyvūnai japonų tapyboje
Gyvūnai taip pat yra pasikartojantis Azijos tapybos elementas. Tradiciškai tai tupi tigras arba naminė katė. Apskritai azijiečiai labai mėgsta, todėl jų atstovų yra visose rytietiško meno formose.
Faunos pasaulis yra kita tema japonų tapyba. Paukščiai – gervės, dekoratyvinės papūgos, prabangūs povai, kregždės, nepastebimi žvirbliai ir net gaidžiai – visa tai randama Rytų meistrų piešiniuose.
Žuvis – ne mažiau aktuali tema Japonijos menininkams. Koi yra japoniška auksinės žuvelės versija. Šios būtybės gyvena Azijoje visuose tvenkiniuose, net ir mažuose parkuose bei soduose. Koi karpis yra tam tikra tradicija, kuri priklauso būtent Japonijai. Šios žuvys simbolizuoja kovą, ryžtą, savo tikslo siekimą. Nenuostabu, kad jie vaizduojami kaip plūduriuojantys su srautu, visada su dekoratyviniais bangų keterais.
Japonijos paveikslai: žmonių vaizdavimas
Žmonės japonų tapyboje yra ypatinga tema. Menininkai vaizdavo geišas, imperatorius, karius ir vyresniuosius.
Geišos vaizduojamos apsuptos gėlių, visada dėvinčios įmantrius chalatus su daugybe klosčių ir elementų.
Išminčiai vaizduojami sėdintys arba ką nors aiškinantys savo mokiniams. Seno mokslininko įvaizdis yra Azijos istorijos, kultūros ir filosofijos simbolis.
Karys buvo vaizduojamas kaip baisus, kartais bauginantis. Ilgieji buvo detaliai nupiešti ir atrodė kaip viela.
Paprastai visos šarvų detalės yra išgrynintos rašalu. Dažnai nuogus karius puošia tatuiruotės, vaizduojančios rytietišką drakoną. Tai Japonijos stiprybės ir karinės galios simbolis.
Valdovai buvo vaizduojami imperatoriškoms šeimoms. Gražūs chalatai, papuošalai vyrų plaukuose – kad tokių meno kūrinių apstu.
peizažai
Tradicinis japonų peizažas – kalnai. Azijos dailininkams pavyko pavaizduoti įvairius kraštovaizdžius: jie gali pavaizduoti tą pačią viršūnę skirtingos spalvos, su kitokia atmosfera. Vienintelis dalykas, kuris lieka nepakitęs, yra privalomas gėlių buvimas. Dažniausiai kartu su kalnais menininkas vaizduoja kokį nors augalą priekinio plano ir jį detaliai nupiešia. Gražiai atrodo kalnai ir vyšnių žiedai. O jei piešiate krentančius žiedlapius – paveikslu žavisi liūdnas grožis. Paveikslo atmosferos kontrastas yra dar viena nuostabi Japonijos kultūros savybė.
Hieroglifai
Dažnai paveikslo kompozicija japonų tapyboje derinama su raidėmis. Hieroglifai išdėstyti taip, kad kompoziciškai atrodytų gražiai. Paprastai jie piešiami paveikslo kairėje arba dešinėje. Hieroglifai gali nurodyti, kas pavaizduota paveikslėlyje, jo pavardė ar menininko pavardė.
Japonija yra viena turtingiausių šalių istorija ir kultūra. Visame pasaulyje japonus įprasta laikyti pedantiškais žmonėmis, kurie estetiką randa absoliučiai visose gyvenimo apraiškose. Todėl japonų paveikslai visada yra labai harmoningi spalvomis ir tonais: jei yra kokios nors ryškios spalvos inkliuzai, tai tik semantiniuose centruose. Remiantis Azijos menininkų paveikslų pavyzdžiu, galima studijuoti spalvų teoriją, teisingą formos perkėlimą naudojant grafiką, kompoziciją. Technika Japonijos paveikslai yra toks aukštas, kad gali būti pavyzdžiu dirbant su akvarele ir „skalbiant“ grafikos darbus.