Šiuolaikiniai japonų menininkai. Psichikos ligoninės gyventojas iš Japonijos yra brangiausiai gyvenantis menininkas

Kiekviena šalis turi savo šiuolaikinio meno herojus, kurių vardai žinomi, kurių parodos sutraukia minias gerbėjų ir smalsuolių, o kūriniai išsibarstę privačiose kolekcijose.

Šiame straipsnyje mes supažindinsime jus su populiariausiais šiuolaikiniai menininkai Japonija.

Keiko Tanabe

Kiote gimęs Keiko vaikystėje laimėjo daugybę titulų. meno konkursai, bet Aukštasis išsilavinimas gavo visai ne meno srityje. Ji yra dirbusi Japonijos savivaldos prekybos organizacijos Tokijuje, didelėje advokatų kontoroje San Franciske ir privačioje konsultacijų įmonėje San Diege tarptautinių ryšių skyriuje ir daug keliavo. Nuo 2003 metų ji paliko darbą ir, San Diege išmokusi tapybos akvarele pagrindus, atsidėjo tik menui.

Ikenaga Yasunari (Ikenaga Yasunari)

Japonų menininkė Ikenaga Yasunari piešia portretus šiuolaikinės moterys pagal senovės japonų tapybos tradiciją, kaip pagrindą naudojant Menso teptuką, mineralinius pigmentus, anglies juodumą, tušą ir liną. Jo veikėjos – mūsų laikų moterys, tačiau dėl Nihonga stiliaus kyla jausmas, kad jos pas mus atkeliavo iš senų laikų.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki yra realistas, įvaldęs akvarelės technika. Abė gali būti vadinamas menininku-filosofu: jis iš esmės nebraižo žinomų orientyrų, pirmenybę teikia subjektyvioms kompozicijoms, kurios atspindi vidines būsenas juos stebintis asmuo.

Hiroko Sakai

Menininko Hiroko Sakai karjera prasidėjo 90-ųjų pradžioje Fukuokos mieste. Baigusi Seinan Gakuin universitetą ir Nihon French Interjero dizaino mokyklą dizaino ir vizualizacijos studijose, ji įkūrė „Atelier Yume-Tsumugi Ltd“. ir sėkmingai vadovavo šiai studijai 5 metus. Daugelis jos darbų puošia ligoninių vestibiulius, didelių korporacijų biurus ir kai kuriuos Japonijos savivaldybių pastatus. Persikėlęs į JAV, Hiroko pradėjo tapyti aliejumi.

Riusuke Fukahori

Ryuusuki Fukahori trimačiai darbai yra tarsi hologramos. Jie padaryti akriliniai dažai dedamas keliais sluoksniais ir skaidrus skystis Derva – visa tai, neišskiriant tradicinių metodų, tokių kaip šešėlių piešimas, kraštų švelninimas, skaidrumo kontrolė, leidžia Ryusuki kurti skulptūrinius paveikslus ir suteikia darbui gylio ir tikroviškumo.

Natsuki Otani

Natsuki Otani yra talentingas japonų iliustratorius, gyvenantis ir dirbantis Anglijoje.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu savo darbo pagrindu pasirinko temą, kuri naudinga visiems – jis piešia kates. Jo nuotraukos populiarios visame pasaulyje, ypač galvosūkių pavidalu.

Tetsuya Mishima

Dauguma šiuolaikinio japonų menininko Mishima paveikslų yra pagaminti aliejumi. Profesionaliai piešia nuo 90-ųjų, surengė keletą personalinių parodų ir didelis skaičius kolektyvinės parodos, tiek japonų, tiek užsienio.

Hokusai, XVIII amžiaus japonų menininkas, sukūrė svaiginantį masyvą meno kūrinys. Hokusai dirbo gerai iki senatvės, nuolat tvirtindamas, kad „viskas, ką jis darė iki 70 metų, nebuvo verta ir neverta dėmesio“.

Galbūt garsiausias japonų menininkas pasaulyje, jis visada išsiskyrė iš savo bendraamžių domėjimusi Kasdienybė. Užuot vaizdavę žavingas geišas ir herojiškus samurajus, Hokusai piešė darbininkus, žvejus, miesto žanro scenas, kurios dar nebuvo susidomėjusios. Japonijos menas. Jis taip pat laikėsi europietiško požiūrio į kompoziciją.

Pateikiame trumpą pagrindinių terminų sąrašą, kuris padės šiek tiek orientuotis Hokusai darbuose.

1 Ukiyo-e yra spaudiniai ir paveikslai, populiarūs Japonijoje nuo 1600 iki 1800 m. Japonijos vizualiųjų menų tendencija, susiformavusi nuo Edo laikotarpio. Šis terminas kilęs iš žodžio „ukiyo“, kuris reiškia „kintantis pasaulis“. Wickie yra aliuzija į klestinčios prekybininkų klasės hedonistinius džiaugsmus. Šia kryptimi Hokusai yra labiausiai garsus menininkas.

Hokusai per savo gyvenimą vartojo mažiausiai trisdešimt pseudonimų. Nepaisant to, kad slapyvardžių vartojimas buvo įprasta to meto japonų menininkų praktika, slapyvardžių skaičiumi jis gerokai lenkė kitus didžiuosius autorius. Hokusai pseudonimai dažnai naudojami jo kūrybos etapams periodizuoti.

2 Edo laikotarpis yra laikotarpis nuo 1603 iki 1868 m Japonijos istorija, tada buvo pastebėtas ekonomikos augimas ir naujas susidomėjimas menu bei kultūra.

3 Shunrō yra pirmasis iš Hokusai slapyvardžių.

4 Shunga pažodžiui reiškia „pavasario paveikslas“, o „pavasaris“ yra japonų sekso žargonas. Taigi, tai erotinio pobūdžio graviūros. Juos kūrė labiausiai gerbiami menininkai, tarp jų ir Hokusai.

5 Surimono. Paskutinis „surimono“ – taip buvo vadinami šie pagal užsakymą pagaminti spaudiniai – sulaukė didžiulės sėkmės. Skirtingai nuo ukiyo-e spaudinių, kurie buvo skirti masinei auditorijai, surimono retai buvo parduodami plačiajai visuomenei.

6 Fuji kalnas yra simetriškas kalnas, kuris yra aukščiausias Japonijoje. Bėgant metams ji įkvėpė daugybę menininkų ir poetų, įskaitant Hokusai, sukūrusį ukiyo-e seriją „Trisdešimt šeši Fudžio kalno vaizdai“. Šioje serijoje yra žinomiausi Hokusai spaudiniai.

7 Japonizmas yra ilgalaikė įtaka, kurią Hokusai padarė vėlesnėms Vakarų menininkų kartoms. Japonizmas – tai stilius, įkvėptas ryškių ukiyo-e spaudinių spalvų, perspektyvos stokos ir kompozicinių eksperimentų.

Japonų tapyba yra senovės rūšys str. Ji apima įvairias formas, žanrus ir įvairų turinį.

Japonų tapyba yra seniausia meno rūšis. Ji apima įvairias formas, žanrus ir įvairų turinį. Elegantiškas menas pristato pasauliui paveikslus, kurie yra ekranai, sienų tapyba, šilko ar popieriaus ritiniai, vėduoklės, molberto paveikslai ir graviūros.

Japonų tapyba išsiskiria daugybe žanrų ir stilių. Pirmaujančią vietą japonų tapyboje, taip pat literatūroje, užima gamta. Ji pristatoma kaip dieviškojo principo sergėtoja. Japonijos tapyba kilusi iš Kinijos menas, todėl jo žanrai labai panašūs į Dangaus imperijos. Šiais laikais daugelis Japonijos menininkai nori studijuoti Kinijoje.

Tapyba Japonijoje turi kelis savo istorijos etapus. Kiekvienas iš jų turi savo ypatybes ir ypatybes.

Pradiniu raidos etapu laikomas laikotarpis nuo VII amžiaus vidurio iki VIII amžiaus pabaigos, vadinamas Nara. Šiuo laikotarpiu buvo nutapyta Horyuji šventykla, tai puikus įrodymas apie įtaką Japonijos kultūra Indijos ir Kinijos tradicijos.

Kitas japonų tapybos raidos laikotarpis vadinamas heian. Jis garsėja aktyviu šventyklų tapybos klestėjimu ir pasaulietinio įvaizdžio meno pavyzdžiais. Šiuo laikotarpiu buvo kuriamos iliustracijos romanams ir pasakojimams, skirtiems kilmingiems džentelmenams linksminti.

Laikotarpis Kamakura(užima laikotarpį nuo XII a. pabaigos iki XIV a. pirmos pusės), kuris užėmė laikotarpį nuo XII amžiaus pabaigos iki XIV a. pirmos pusės, pasižymi stilių kaita. , naujų gyvenimo vaizdavimo būdų paieška. Japonijos tapybos nuotaika smarkiai keičiasi. Anksčiau paveikslai perteikdavo optimistišką, lengvą ir džiaugsmingą atmosferą. Šiuo laikotarpiu buvo žengtas didelis žingsnis tikroviško vaizdo link, taip pat paveikslui suteikus kone karinį charakterį. Būdingos tapybos temos – mūšio scenos iš mitų ir istorijos, religinės scenos iš budizmo tradicijos. Plačiai paplitęs svarbių valstybės veikėjų portretų įvaizdis.

Per Muromachi(laiko intervalas nuo XIV amžiaus pirmosios pusės iki antrosios pusės XVI a amžiuje), išryškėja tendencija, šlovinusi japonų tapybą visame pasaulyje. Dzen budizmo filosofija padarė didelę įtaką tapybai, todėl kraštovaizdžio menas išpopuliarėjo. Monochrominė technika gavo ypatingą eleganciją. Šiuo laikotarpiu japonų tapybai įtakos turėjo Kinija. Garsiausias japonų menininkas Tuo metu peizažų tapyboje besispecializuojantis Toyo Oda pirmuosius paveikslus sukūrė keliaudamas po Vidurio Karalystę. Kryptį jis išvystė jau namuose.

Ši tendencija buvo aktyviai plėtojama ir papildyta per kitus du Japonijos tapybos vystymosi laikotarpius - Monojama ir Edo. Vienspalvė technika buvo sudėtingesnė parinktis. Kruopščiai išdirbtos ir nudažytos detalės. Menininkai nepabijojo eksperimentų ir ėmė taikyti anksčiau tapyboje ant ritinių ir ekranų, sienų tapyboje naudotas technikas. peizažai ir minios scenos pradėtas papildyti psichologines istorijas, demonstruojantis herojų stipraus emocinio streso momentu. Išskyrus tradicinė tapyba Japonijoje medžio raižiniai aktyviai plito. Jis buvo suskirstytas į du tipus: teatro graviūrą ir kasdienę rašymo graviūrą. Žymiausias teatro estampų meistras yra Choshusai Syaraku. Kasdienio gyvenimo graviravimas buvo aktyviai plėtojamas Suzuki Harunobu ir Kitagawa Utamaro darbuose.

Yayoi Kusama vargu ar galės atsakyti, kas sudarė jos, kaip menininkės, karjeros pagrindą. Jai 87 metai, jos menas pripažintas visame pasaulyje. Netrukus JAV ir Japonijoje bus surengtos didelės jos darbų parodos, tačiau pasauliui ji dar visko nepapasakojo. „Tai vis dar pakeliui. Ateityje ketinu tai sukurti“, – sako Kusama. Ji vadinama sėkmingiausia Japonijos menininke. Be to, ji yra brangiausiai gyvenanti menininkė: 2014 metais jos paveikslas „Baltas Nr. 28“ buvo parduotas už 7,1 mln.

Kusama gyvena Tokijuje ir jau beveik keturiasdešimt metų savanoriškai guli psichiatrinėje ligoninėje. Kartą per dieną ji palieka sienas dažyti. Ji keliasi trečią valandą nakties, negali užmigti ir nori gerai išnaudoti savo laiką darbe. „Dabar esu senas, bet vis tiek kursiu daugiau darbų ir geriausias darbas. Daugiau nei aš padariau praeityje. Mano galvoje pilna nuotraukų“, – sako ji.

(Iš viso 17 nuotraukų)

Yayoi Kusama savo darbų parodoje Londone 1985 m. Nuotrauka: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

Nuo devintos iki šeštos Kusama dirba savo trijų aukštų studijoje nesikeldamas neįgaliųjų vežimėlis. Ji gali vaikščioti, bet yra per silpna. Moteris dirba ant drobės, išdėliotos ant stalų arba pritvirtintos ant grindų. Studijoje gausu naujų paveikslų, ryškių, smulkiais taškeliais išmargintų darbų. Menininkė tai vadina „savęs nutildymu“ – begaliniu kartojimu, kuris užgožia triukšmą jos galvoje.

Prieš 2006 m. Praemium Imperiale meno apdovanojimus Tokijuje. Nuotrauka: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

Kitoje gatvės pusėje bus atidaryta nauja galerija, o į šiaurę nuo Tokijo statomas kitas jos meno muziejus. Be to, atidaromos dvi didelės jos darbų parodos. Yayoi Kusama: Infinite Mirrors, jos 65 metų karjeros retrospektyva, atidaryta Hirshhorn muziejuje Vašingtone vasario 23 d. ir veiks iki gegužės 14 d., o vėliau keliaus į Sietlą, Los Andželą, Torontą ir Klivlandą. Ekspozicijoje – 60 Kusamos paveikslų.

Jos žirniai dengia viską nuo suknelių Louis Vuittonį autobusus Gimtasis miestas. Kusamos darbai nuolat parduodami už milijonus dolerių ir randami visame pasaulyje – nuo ​​Niujorko iki Amsterdamo. Japonų menininko darbų parodos yra tokios populiarios, kad reikia imtis priemonių užkirsti kelią spūstims ir riaušėms. Pavyzdžiui, Hirschhorn parodoje bilietai parduodami tam tikram laikui, siekiant kažkaip reguliuoti lankytojų srautus.

Louis Vuitton ir Yayoi Kusama bendro dizaino pristatymas Niujorke 2012 m. Nuotrauka: Billy Farrell agentūra/REX/Shutterstock

Tačiau Kusamai vis tiek reikia patvirtinimo iš išorės. Viename interviu paklausta, ar prieš kelis dešimtmečius pasiekė savo tikslą tapti turtinga ir žinoma, ji nustebusi atsakė: „Kai buvau maža, man buvo labai sunku įtikinti mamą, kad noriu tapti menininke. Ar tikrai tiesa, kad esu turtingas ir garsus?

Kusama gimė Matsumoto mieste, Centrinės Japonijos kalnuose, 1929 metais turtingoje ir konservatyvioje šeimoje, prekiaujančioje sodinukais. Bet tai nebuvo laimingas namas. Jos mama niekino savo apgaudinėjantį vyrą ir nusiuntė mažąjį Kusamą jo šnipinėti. Mergina matė savo tėvą su kitomis moterimis, ir tai sukėlė joje visą gyvenimą trunkantį nepasitenkinimą seksu.

„Louis Vuitton“ vitriną sukūrė Kusama 2012 m. Nuotrauka: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

Vaikystėje ji pradėjo patirti regos ir klausos haliucinacijas. Pirmą kartą pamačiusi moliūgą, ji įsivaizdavo, kad jis kalbasi su ja. Būsimoji menininkė su vizijomis susidorojo kurdama pasikartojančius raštus, kad užgožtų mintis galvoje. Net tokiame jauname amžiuje menas jai tapo savotiška terapija, kurią vėliau ji pavadins „meno medicina“.

Muziejuje eksponuojami Yayoi Kusamos darbai šiuolaikinis menas Whitney 2012 m. Nuotrauka: Billy Farrell agentūra/REX/Shutterstock

Kusamos mama griežtai priešinosi dukters norui tapti menininke ir reikalavo, kad mergina eitų tradiciniu keliu. „Ji neleido man piešti. Ji norėjo, kad ištekėčiau“, – viename interviu sakė atlikėja. Ji išmetė mano darbą. Norėjau mesti po traukiniu. Kiekvieną dieną kovojau su mama, todėl mano protas buvo pažeistas.

1948 m., pasibaigus karui, Kusama išvyko į Kiotą studijuoti tradicinės japonų nihonga tapybos pagal griežtas taisykles. Ji nekentė šios meno formos.

Vienas iš Yayoi Kusamos parodos eksponatų Whitney modernaus meno muziejuje 2012 m. Nuotrauka: Billy Farrell agentūra/REX/Shutterstock

Kai Kusama gyveno Matsumote, ji rado Georgia O'Keeffe knygą ir buvo nustebinta jos paveikslų. Mergina nuvyko į Amerikos ambasadą Tokijuje, kad kataloge rastų straipsnį apie O'Keeffe ir sužinotų savo adresą. Kusama parašė jai laišką ir atsiuntė keletą piešinių, o jos nuostabai, amerikiečių menininkas jai atsakė.

„Negalėjau patikėti savo sėkme! Ji buvo tokia maloni, kad reagavo į staiga užplūdusį kuklios jausmų proveržį japonų merginos, kurio ji niekada gyvenime nebuvo sutikusi ar net girdėjusi“, – savo autobiografijoje „Infinity Net“ rašė atlikėja.

Yayoi Kusama lange, kurį ji sukūrė Louis Vuitton Niujorke 2012 m. Nuotrauka: Nilsas Jorgensenas/REX/Shutterstock

Nepaisant O'Keeffe perspėjimų, kad jauniems atlikėjams JAV sekasi sunkiai, jau nekalbant apie jaunas vienišas merginas iš Japonijos, Kusama buvo nesustabdoma. 1957 metais jai pavyko gauti pasą ir vizą. Ji pasiuvo dolerius į savo sukneles, kad išvengtų griežtos pokario valiutos kontrolės.

Pirmoji stotelė buvo Sietlas, kur ji surengė parodą nedidelėje galerijoje. Tada Kusama išvyko į Niujorką, kur buvo skaudžiai nusivylusi. „Skirtingai nuo pokario Matsumoto, Niujorkas visais atžvilgiais buvo pikta ir smurtinga vieta. Man tai buvo per daug įtempta, greitai įklimpau į neurozę. Dar blogiau, Kusama atsidūrė visiškame skurde. Senos durys jai tarnavo kaip lova, ir ji iš šiukšlių dėžių gaudė žuvų galvas ir supuvusias daržoves, kad iš jų ruoštų sriubą.

Instaliacija „Infinity Mirror Room – Love Forever“ („Kambarys su begalybės veidrodžiais – meilė amžinai“). Nuotrauka: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

Ši sunki situacija paskatino Kusamą dar labiau pasinerti į savo darbą. Ji pradėjo kurti savo pirmuosius paveikslus serijoje „Infinity Web“, padengdama didžiules drobes (viena iš jų siekė 10 metrų aukštį) užburiančiomis mažų kilpelių bangomis, kurios, atrodė, niekada nesibaigs. Pati menininkė juos apibūdino taip: „Balti tinklai apgaubia juodus tylios mirties taškelius beviltiškos nebūties tamsos fone“.

Yayoi Kusamos instaliacija atidarant naują Šiuolaikinio meno muziejaus Garažo pastatą Gorkio centriniame kultūros ir kultūros parke Maskvoje 2015 m. Nuotrauka: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

Šis įkyrus kartojimas padėjo nuvyti neurozę, bet ne visada gelbėjo. Kusama nuolat kentėjo nuo psichozės priepuolių ir atsidūrė Niujorko ligoninėje. Ambicinga, ryžtinga ir laimingai prisiimanti egzotiškos azijietės, vilkinčios kimono, vaidmenį, ji prisijungė prie įtakingų meno žmonių minios ir bendravo su tokiais pripažintais menininkais kaip Markas Rothko ir Andy Warholas. Vėliau Kusama sakė, kad Warholas imitavo jos darbą.

Kusama netrukus įgijo tam tikrą šlovę ir eksponavo perpildytose galerijose. Be to, menininko šlovė tapo skandalinga.

1960-aisiais, kai Kusama buvo apsėsta taškelių rašto, ji pradėjo rengti renginius Niujorke: provokavo žmones nusirengti tokiose vietose kaip. centrinis parkas ir Bruklino tiltą, o jų kūnus išdažė taškeliais.

Peržiūrėta 2013 m. „Art Basel Hong Kong“. Nuotrauka: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

Dešimtmečius iki judėjimo „Occupy Wall Street“ atsiradimo Kusama Niujorko finansiniame rajone surengė įvykį, sakydama, kad nori „sunaikinti Volstryto vyrus taškeliais“. Maždaug tuo pačiu metu ji fališkai atrodančiais iškilimais pradėjo dengti įvairius daiktus – kėdę, valtį, vežimą. „Pradėjau gaminti penius, kad išgydyčiau savo nepasitenkinimą seksu“, – rašė menininkas, aprašydamas, kaip tai įvyko kūrybinis procesas pamažu tai, kas baisu, pavertė kažkuo pažįstamu.

„Pass Winter“ instaliacija Tate galerijoje Londone. Nuotrauka: James Gourley/REX/Shutterstock

Kusama niekada nebuvo vedusi, nors gyvendama Niujorke dešimt metų palaikė santuoką su menininku Josephu Cornellu. „Man nepatiko seksas, o jis buvo impotentas, todėl buvome vienas kitam labai geri“, – sakė ji interviu žurnalui „Art Magazine“.

Kusama vis labiau išgarsėjo savo išdaigomis: ji pasiūlė pernakvoti su JAV prezidentu Richardu Niksonu, jei šis baigs Vietnamo karą. „Papuoškime vieni kitus taškeliais“, – rašė ji jam laiške. Susidomėjimas jos menu išblėso, ji iškrito iš palankumo ir vėl prasidėjo pinigų problemos.

Yayoi Kusama per savo darbo retrospektyvą Whitney modernaus meno muziejuje Niujorke 2012 m. Nuotrauka: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

Žinia apie Kusamos pabėgimus pasiekė Japoniją. Ją imta vadinti „nacionaline nelaime“, o mama sakė, kad būtų geriau, jei dukra būtų mirusi nuo ligos vaikystėje. Aštuntojo dešimtmečio pradžioje nuskurdęs ir nesėkmingas Kusama grįžo į Japoniją. Ji buvo užregistruota psichiatrinėje ligoninėje, kurioje gyvena iki šiol, ir paskendo meno nežinomybėje.

1989 m. Niujorko Šiuolaikinio meno centre buvo surengta jos kūrybos retrospektyva. Tai buvo lėto, bet susidomėjimo Kusamos menu pradžia. Ji užpildė veidrodinį kambarį moliūgais instaliacijai, kuri buvo rodoma Venecijos bienalė 1993 m., o 1998 m didžioji paroda MoMA modernaus meno muziejuje Niujorke. Būtent čia ji kartą surengė įvykį.

Parodoje Mano amžinoji siela m Nacionalinis centras menas Tokijuje, 2017 m. vasario mėn. Nuotrauka: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Per pastaruosius kelerius metus Yayoi Kusama tapo tarptautiniu reiškiniu. Šiuolaikinė galerija Tate'as Londone ir Whitney muziejus Niujorke surengė didžiules retrospektyvas, kurios pritraukė didžiules minias ir padarė jos ikoninį taškinį raštą labai atpažįstamą.

Parodoje „Mano amžinoji siela“ Nacionaliniame meno centre Tokijuje 2017 m. vasario mėn. Nuotrauka: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Menininkė nesiruošia nustoti dirbti, tačiau pradėjo galvoti apie savo mirtingumą. „Nežinau, kiek galiu išgyventi net po mirties. Yra ateities karta, kuri seka mano pėdomis. Man bus didelė garbė, jei žmonėms patiks žiūrėti į mano darbus ir jei juos sujaudins mano menas.

Parodoje „Mano amžinoji siela“ Nacionaliniame meno centre Tokijuje 2017 m. vasario mėn. Nuotrauka: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Nepaisant savo meno komercializavimo, Kusama galvoja apie kapą Matsumote – ne šeimos skliaute, kurį ji jau paveldėjo iš savo tėvų – ir kaip jo nepaversti šventove. „Bet aš dar nemirštu. Manau, kad gyvensiu dar 20 metų“, – sako ji.

Parodoje „Mano amžinoji siela“ Nacionaliniame meno centre Tokijuje 2017 m. vasario mėn. Nuotrauka: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Kuris apima daugybę technikų ir stilių. Per savo istoriją ji patyrė daugybę pokyčių. Atsirado naujų tradicijų ir žanrų, išliko pirminiai japoniški principai. Taip pat kaip nuostabi istorija Japonijos tapyba taip pat yra pasirengusi pateikti daug unikalių ir įdomių faktų.

senovės japonija

Pirmieji stiliai atsiranda seniausiuose istorinis laikotarpisšalyse iki pr. Kr. e. Tada menas buvo gana primityvus. Pirma, 300 m.pr.Kr. e., buvo įvairių geometrines figūras kurie buvo gaminami ant keramikos su pagaliukais. Toks archeologų radinys kaip ornamentas ant bronzinių varpų priklauso vėlesniam laikui.

Kiek vėliau, jau 300 m. e., atsiranda urvų paveikslai, kurie yra daug įvairesni geometrinis ornamentas. Tai jau pilnaverčiai vaizdai su vaizdais. Jie buvo rasti kriptų viduje ir tikriausiai šiose kapinėse buvo palaidoti ant jų piešti žmonės.

VII amžiuje prieš Kristų e. Japonija priima scenarijų, kilusį iš Kinijos. Maždaug tuo pačiu metu iš ten atkeliauja ir pirmieji paveikslai. Tada tapyba atsiranda kaip atskira meno sritis.

Edo

Edo toli gražu nėra pirmasis ir naujausias paveikslas Tačiau būtent ji į kultūrą atnešė daug naujų dalykų. Pirma, tai yra ryškumas ir blizgesys, kurie buvo pridėti prie įprastos technikos, atliekamos juodais ir pilkais tonais. Dauguma iškilus menininkasŠis stilius laikomas Sotasu. Jis kūrė klasikinius paveikslus, bet jo personažai buvo labai spalvingi. Vėliau jis perėjo į gamtą, o dauguma peizažų buvo sukurti auksavimo fone.

Antra, Edo laikotarpiu atsirado egzotika, nambano žanras. Jame buvo naudojamos šiuolaikinės europietiškos ir kiniškos technikos, kurios persipynė su tradiciniais japonų stiliais.

Ir trečia, atsiranda Nang mokykla. Jame menininkai pirmiausia visiškai imituoja ar net kopijuoja kūrinius Kinijos meistrai. Tada atsiranda nauja šaka, kuri vadinama bunjing.

Modernizacijos laikotarpis

Edo laikotarpis pakeičia Meiji ir dabar japonų tapyba priverstas eiti į naujas etapas plėtra. Tuo metu visame pasaulyje populiarėjo tokie žanrai kaip vesternas ir panašiai, todėl meno modernizavimas tapo įprasta situacija. Tačiau Japonijoje, šalyje, kurioje visi žmonės gerbia tradicijas duotas laikas viskas labai skyrėsi nuo to, kas vyko kitose šalyse. Čia konkurencija tarp Europos ir vietos technikų smarkiai įsiliepsnoja.

Vyriausybė šiame etape teikia pirmenybę jauniems menininkams, kurie tarnauja Dideli lūkesčiai tobulinti vakarietiško stiliaus įgūdžius. Todėl jie siunčia juos į Europos ir Amerikos mokyklas.

Tačiau tai buvo tik laikotarpio pradžioje. Faktas yra tai, kad žinomi kritikai gana griežtai kritikavo vakarų menas. Siekiant išvengti didelio ažiotažo šia tema, europietiški stiliai ir technikos buvo pradėtos drausti parodose, sustabdytas jų demonstravimas ir populiarumas.

Europos stilių atsiradimas

Tada ateina Taisho laikotarpis. Šiuo metu jaunieji menininkai, išvykę studijuoti užsienio mokyklos grįžti į tėvynę. Natūralu, kad jie atsineša naujų japonų tapybos stilių, kurie labai panašūs į europietiškuosius. Atsiranda impresionizmas ir postimpresionizmas.

Šiame etape formuojasi daug mokyklų, kuriose senovės japonų stiliai. Bet visiškai atsikratyti vakarietiškų tendencijų neįmanoma. Todėl norint įtikti tiek klasikos mėgėjams, tiek šiuolaikinės Europos tapybos gerbėjams, būtina derinti keletą technikų.

Kai kurios mokyklos yra finansuojamos valstybės lėšomis, kurios dėka išsaugoma daug tautinių tradicijų. Kita vertus, privatūs prekeiviai priversti sekti vartotojų, norinčių kažko naujo, pavyzdžiu, pavargę nuo klasikos.

Antrojo pasaulinio karo tapyba

Prasidėjus karui, japonų tapyba kurį laiką liko nuošali nuo įvykių. Jis vystėsi atskirai ir nepriklausomai. Bet tai negalėjo tęstis amžinai.

Laikui bėgant, prastėjant politinei situacijai šalyje, aukšti ir gerbiami veikėjai pritraukia daugybę menininkų. Kai kurie iš jų net karo pradžioje pradeda kurti patriotiškais stiliais. Likusieji šį procesą pradeda tik valdžios nurodymu.

Atitinkamai, japonų vaizduojamieji menai Antrojo pasaulinio karo metais negalėjo ypač vystytis. Todėl dažymui jis gali būti vadinamas sustingusiu.

Amžinas Suibokuga

Japonų sumi-e tapyba, arba suibokuga, reiškia „piešinys rašalu“. Tai lemia šio meno stilių ir techniką. Jis atkeliavo iš Kinijos, tačiau japonai nusprendė suteikti jam savo pavadinimą. Ir iš pradžių technika neturėjo jokios estetinės pusės. Jį vienuoliai naudojo savęs tobulinimui studijuodami dzen. Be to, iš pradžių jie piešė paveikslus, o vėliau lavino susikaupimą juos žiūrėdami. Vienuoliai tikėjo, kad griežtos linijos, neaiškūs tonai ir šešėliai padeda tobulėti – visa tai vadinama vienspalviu.

Japoniška tapyba tušu, nepaisant daugybės paveikslų ir technikų įvairovės, nėra tokia sudėtinga, kaip gali pasirodyti iš pirmo žvilgsnio. Jis pagrįstas tik 4 sklypais:

1. Chrizantema.
2. Orchidėja.
3. Slyvos šakelė.
4. Bambukas.

Mažas sklypų skaičius nelemia technologijų plėtros sparčiai. Kai kurie meistrai mano, kad mokymasis trunka visą gyvenimą.

Nepaisant to, kad sumi-e pasirodė seniai, jis visada yra paklausus. Be to, šiandien šios mokyklos meistrus galite sutikti ne tik Japonijoje, ji plačiai paplitusi ir toli už jos sienų.

Šiuolaikinis laikotarpis

Pasibaigus Antrajam pasauliniam karui, menas Japonijoje suklestėjo tik m didieji miestai, kaimo ir kaimo gyventojams užteko rūpesčių. Dažniausiai menininkai stengėsi atsukti nugarą nuo karo nuostolių ir šiuolaikinį miesto gyvenimą su visomis puošmenomis bei bruožais pavaizduoti ant drobės. Europos ir Amerikos idėjos buvo sėkmingai perimtos, tačiau tokia padėtis truko neilgai. Daugelis meistrų pradėjo palaipsniui tolti nuo jų į japonų mokyklas.

Visada išliko madinga. Todėl šiuolaikinė japonų tapyba gali skirtis tik atlikimo technika arba procese naudojamomis medžiagomis. Tačiau dauguma menininkų prastai suvokia įvairias naujoves.

Jau nekalbant apie madingą šiuolaikinės subkultūros pavyzdžiui, anime ir panašūs stiliai. Daugelis menininkų bando panaikinti ribą tarp klasikos ir to, kas šiandien yra paklausa. Daugeliu atvejų tokia padėtis yra susijusi su prekyba. Klasika ir tradiciniai žanrai realiai neperkami, todėl dirbti mėgstamo žanro menininku neapsimoka, reikia prisitaikyti prie mados.

Išvada

Be abejo, japonų tapyba yra lobis vaizdiniai menai. Galbūt aptariama šalis liko vienintelė, kuri nesekė vakarietiškų tendencijų, neprisitaiko prie mados. Nepaisant daugybės smūgių atsiradus naujoms technikoms, Japonijos menininkai vis tiek sugebėjo apsiginti tautines tradicijas daugelyje žanrų. Tikriausiai todėl šiais laikais parodose itin vertinami klasikinio stiliaus paveikslai.