Варианты декоративно-прикладного творчества для развития детей. Декоративно - прикладное искусство

Декоративно-прикладное искусство (от лат. deco - украшаю) - широкий раздел искусства, который охватывает различные отрасли творческой деятельности, направленной на создание художественных изделий с утилитарными и художественными функциями. Собирательный термин, условно объединяет два обширных рода искусств: декоративное и прикладное. В отличие от произведений изящного искусства, предназначенных для эстетического наслаждения и относящихся к чистому искусству, многочисленные проявления декоративно-прикладного творчества могут иметь практическое употребление в повседневной жизни.

Произведения декоративно-прикладного искусства отвечают нескольким характеристикам: обладают эстетическим качеством; рассчитаны на художественный эффект; служат для оформления быта и интерьера. Такими произведениями являются: одежда, плательные и декоративные ткани, ковры, мебель, художественное стекло, фарфор, фаянс, ювелирные и другие художественные изделия. В академической литературе со второй половины XIX века утвердилась классификация отраслей декоративно-прикладного искусства по материалу (металл, керамика, текстиль, дерево), по технике выполнения (резьба, роспись, вышивка, набойка, литьё, чеканка, интарсия (картины из разных сортов дерева) и т. д.) и по функциональным признакам использования предмета (мебель, посуда, игрушки). Эта классификация обусловлена важной ролью конструктивно-технологического начала в декоративно-прикладном искусстве и его непосредственной связью с производством.

ВИДЫ ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОГО ИСКУССТВА

ГОБЕЛЕН - (фр. gobelin ), или шпалера , - один из видов декоративно-прикладного искусства, стенной односторонний безворсовый ковёр с сюжетной или орнаментальной композицией, вытканный вручную перекрёстным переплетением нитей. Ткач пропускает уточную нить через основу, создавая одновременно и изображение, и саму ткань. В Энциклопедическом словаре Брокгауза и Ефрона гобелен определяется как «тканый ковёр ручной работы, на котором разноцветной шерстью и отчасти шёлком воспроизведена картина и нарочно приготовленный картон более или менее известного художника».

БАТИК - ручная роспись по ткани с использованием резервирующих составов.

На ткань - шёлк, хлопок, шерсть, синтетику - наносится соответствующая ткани краска. Для получения чётких границ на стыке красок используется специальный закрепитель, называемый резерв (резервирующий состав, на основе парафина, бензина, на водной основе - в зависимости от выбранной техники, ткани и красок).

Роспись батик издавна известна у народов Индонезии, Индии и др. В Европе - с XX века.

НАБОЙКА - (набивка) - вид декоративно-прикладного искусства; получение узора, монохромных и цветных рисунков на ткани ручным способом при помощи форм с рельефным узором, а также ткань с рисунком (набивная ткань), полученным этим способом.

Формы для набойки изготовляют резные деревянные (манеры) или наборные (наборные медные пластины с гвоздиками), в которых узор набирается из медных пластин или проволоки. При набивке на ткань накладывают покрытую краской форму и ударяют по ней специальным молотком (киянкой) (отсюда название «набойка», «набивка»). Для многоцветных рисунков число печатных форм должно соответствовать числу цветов.

Изготовление набойки - один из древних видов народного декоративно-прикладного искусства, встречающийся у многих народов: Передней и Средней Азии, Индии, Ирана, Европы и других.

Набивка малопроизводительна и почти полностью вытеснена печатанием рисунка на ткани на печатных машинах. Применяется лишь в некоторых кустарных промыслах, а также для воспроизведения крупных рисунков, повторяющаяся часть которых не может уместиться на валах печатных машин, и для расцветки штучных изделий (занавеси, скатерти). Характерные рисунки народной набивки используются при создании современных декоративных тканей.

БИСЕРОПЛЕТЕНИЕ - вид декоративно-прикладного искусства, рукоделия; создание украшений, художественных изделий из бисера, в котором, в отличие от других техник, где он применяется (ткачество с бисером, вязание с бисером, плетение из проволоки с бисером - так называемых бисерных плетений, бисерной мозаики и вышивки бисером), бисер является не только декоративным элементом, но и конструктивно-технологическим. Все остальные виды рукоделия и ДПИ (мозаика, вязание, ткачество, вышивка, проволочное плетение) без бисера возможны, однако потеряют часть своих декоративных возможностей, бисероплетение же прекратит свое существование. Это связано с тем, что технология бисероплетения носит самобытный характер.

ВЫШИВАНИЕ - общеизвестное и распространенное рукодельное искусство украшать самыми различными узорами всевозможные ткани и материалы, от самых грубых и плотных, как, например: сукно, холст, кожа, до тончайших материй - батиста, кисеи, газа, тюля и пр. Инструменты и материалы для вышивания: иглы, нитки, пяльцы, ножницы.

ВЯЗАНИЕ - процесс изготовления полотна или изделий (обычно элементов одежды) из непрерывных нитей путём изгибания их в петли и соединения петель друг с другом с помощью несложных инструментов вручную (вязальный крючок, спицы, игла, вилка) или на специальной машине (механическое вязание). Вязание, как техника, относится к видам плетения.

Вязание крючком

Вязание спицами

МАКРОМЕ - (фр. Macramé , от арабск. - тесьма, бахрома, кружево или от турецк. - шарф или салфетка с бахромой) - техника узелкового плетения.

КРУЖЕВОПЛЕТЕНИЕ - изготовление сетчатой ткани из плетёных нитяных узоров (льняных, бумажных, шерстяных и шёлковых). Различают кружева, шитые иглой, плетеные на коклюшках, вязаные крючком, тамбурные и машинные.

КОВРОТКАЧЕСТВО – изготовление художественного текстильного изделия, обычно с многоцветными узорами, служащее главным образом для украшения и утепления помещений и для обеспечения бесшумности. Художественные особенности ковра определяются фактурой ткани (ворсовой, безворсовой, валяной), характером материала (шерсти, шёлка, льна, хлопка, войлока), качеством красителей (натуральных в древности и средневековье, химических со второй пол. XIX в.), форматом, соотношением каймы и центрального поля ковра, орнаментальным набором и композицией рисунка, цветовым решением.

КВИЛЛИНГ - Бумагокручение (также квиллинг англ. quilling - от слова quill (птичье перо)) - искусство изготовления плоских или объёмных композиций из скрученных в спиральки длинных и узких полосок бумаги.

Готовым спиралькам придаётся различная форма и таким образом получаются элементы квиллинга, называемые также модулями. Уже они и являются «строительным» материалом в создании работ – картин, открыток, альбомов, рамок для фотографий, различных фигурок, часов, бижутерии, заколок и т.д. Искусство квиллинга пришло в Россию из Кореи, но также развито в ряде европейских стран.

Данная техника не требует значительных материальных затрат для начала её освоения. Однако и простым бумагокручение не назовёшь, так как для достижения достойного результата необходимо проявить терпение, усидчивость, ловкость, аккуратность и конечно выработать навыки скручивания качественных модулей.

СКРАПБУКИНГ - (англ. scrapbooking, от англ. scrapbook: scrap - вырезка, book - книга, букв. «книга из вырезок») - вид рукодельного искусства, заключающегося в изготовлении и оформлении семейных или личных фотоальбомов.

Этот вид творчества представляет собой способ хранения личной и семейной истории в виде фотографий, газетных вырезок, рисунков, записей и других памятных мелочей, используя своеобразный способ сохранения и передачи отдельных историй с помощью особых визуальных и тактильных приёмов вместо обычного рассказа. Основная идея скрапбукинга - сохранить фотографии и другие памятные вещи о каких-либо событиях на длительный срок для будущих поколений.

КЕРАМИКА - (др.-греч. κέραμος - глина) - изделия из неорганических материалов (например, глины) и их смесей с минеральными добавками, изготавливаемые под воздействием высокой температуры с последующим охлаждением.

В узком смысле слово керамика обозначает глину, прошедшую обжиг.

Самая ранняя керамика использовалась как посуда из глины или из смесей её с другими материалами. В настоящее время керамика применяется как материал в промышленности (машиностроение, приборостроение, авиационная промышленность и др.), строительстве, искусстве, широко используется в медицине, науке. В XX столетии были созданы новые керамические материалы для использования в полупроводниковой индустрии и др. областях.

МОЗАИКА - (фр. mosaïque , итал. mosaico от лат. (opus) musivum - (произведение) посвящённое музам ) - декоративно-прикладное и монументальное искусство разных жанров, произведения которого подразумевают формирование изображения посредством компоновки, набора и закрепления на поверхности (как правило - на плоскости) разноцветных камней, смальты, керамических плиток и других материалов.

ЮВЕЛИРНОЕ ИСКУССТВО - это термин, обозначающий результат и процесс творчества художников-ювелиров, а также всю совокупность созданных ими предметов и произведений ювелирного искусства, предназначенных в основном для личного украшения людей, и изготовленных из драгоценных материалов, таких, как драгоценные металлы и драгоценные камни. Чтобы украшение или предмет можно было однозначно причислить к ювелирике, это украшение должно удовлетворять трём условиям: в этом украшении должен быть использован хотя бы один драгоценный материал, это украшение должно иметь в себе художественную ценность, и оно должнобыть уникальным - то есть оно не должно тиражироваться изготовляющим его художником-ювелиром.

В профессиональном жаргоне ювелиров, а также и студентами и учащимися учебных заведений по специальности «ювелирное дело», часто используется жаргонный вариант слова: «ювелирка».

Хотя и считается, что в понятие «ювелирика» входят все ювелирные изделия, изготовленные с применением драгоценных материалов, а в понятие «бижутерия» - ювелирные изделия из недрагоценных материалов, но, как видим, в настоящее время разница между ювелирикой и бижутерией становится несколько размытой, и оценка того, причислить ли данное изделие к ювелирике или же к бижутерии, каждый раз принимается экспертами индивидуально в каждом конкретном случае.

ЛАКОВАЯ МИНИАТЮРА - Миниатюрная живопись на небольших предметах: коробках, шкатулках, пудреницах и др.- это вид декоративно-прикладного и народного искусства. Лаковой такую живопись называют потому, что цветной и прозрачный лаки служат не только полноправными материалами росписи, но и важнейшим средством художественной выразительности произведения. Краскам они добавляют глубину и силу и в то же время смягчают, объединяют их, как бы вплавляя изображение в самую плоть изделия.

Родина художественных лаков - страны Дальнего Востока и Юго-Восточной Азии: Китай, Япония, Корея, Вьетнам, Лаос, где они известны с глубокой древности. В Китае, например, еще во II тысячелетии до н. э. использовался сок лакового дерева, которым покрывали чашки, шкатулки, вазы. Тогда и зародилась лаковая живопись, достигшая на Востоке высочайшего уровня.

В Европу этот вид искусства проник из Индии, Ирана, стран Центральной Азии, где в XV-XVII вв. была популярна лаковая миниатюра, исполненная темперными красками на предметах из папье-маше. Европейские мастера заметно упростили технологию, начали применять масляные краски и лаки.

В России художественные лаки известны с 1798 г., когда купец П. И. Коробов построил в подмосковном селе Данилкове (позднее оно слилось с соседним селом Федоскиным) небольшую фабрику лакированных изделий из папье-маше. При его преемниках - Лукутиных русские мастера выработали неповторимые приемы федоскинской росписи. Не утрачены они и по сей день.

 Палехская миниатюра - народный промысел, развившийся в поселке Палех Ивановской области. Лаковая миниатюра исполняется темперой на папье-маше. Обычно расписываются шкатулки, ларцы, кубышки, брошки, панно, пепельницы, заколки для галстука, игольницы и т. д.

 Федоскинская миниатюра - вид традиционной русской лаковой миниатюрной живописи масляными красками на папье-маше, сложившийся в конце XVIII века в подмосковном селе Федоскино.

 Холуйская миниатюра - народный промысел, развившийся в селе Холуй Ивановской области. Лаковая миниатюра исполняется темперой на папье-маше. Обычно расписываются шкатулки, кубышки, игольницы и т. д.

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ РОСПИСЬ ПО ДЕРЕВУ

 Хохлома - старинный русский народный промысел, родившийся в XVII веке в округе Нижнего Новгорода.

Хохлома представляет собой декоративную роспись деревянной посуды и мебели, выполненную красным, зеленым и черным цветом по золотому фону. На дерево при выполнении росписи наносится не золотой, а серебристый оловянный порошок. После этого изделие покрывается специальным составом и три-четыре раза обрабатывается в печи, чем достигается медово-золотистый цвет, придающий лёгкой деревянной посуде эффект массивности.

 Городецкая роспись - русский народный художественный промысел. Существует с середины XIX века в районе города Городец. Яркая, лаконичная городецкая роспись (жанровые сцены, фигурки коней, петухов, цветочные узоры), выполненная свободным мазком с белой и черной графической обводкой, украшала прялки, мебель, ставни, двери. В 1936 основана артель (с 1960 фабрика «Городецкая роспись»), изготовляющая сувениры; мастера - Д. И. Крюков, А. Е. Коновалов, И. А. Мазин.

 Мезенская роспись - палащельская роспись - тип росписи домашней утвари - прялок, ковшей, коробов, братин, сложившийся к началу XIX века в низовьях реки Мезень. Самая древняя датированная прялка с мезенской росписью относится к 1815 году, хотя изобразительные мотивы подобной росписи встречаются в рукописных книгах XVIII века, выполненных в мезенском регионе.

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ РОСПИСЬ ПО МЕТАЛЛУ

 Жостовская роспись - народный промысел художественной росписи металлических подносов, существующий в деревне Жостово Мытищинского района Московской области.

 Финифть - (др.-рус. финиптъ, химипетъ, из ср.-греч. χυμευτόν, то же от χυμεύω - «смешиваю») - изготовление художественных произведений с помощью стекловидного порошка, эмали, на металлической подложке, вид прикладного искусства. Стеклянное покрытие является долгоживущим и не выцветает с течением времени, а изделия из финифти отличаются особой яркостью и чистотой красок.

Эмаль приобретает нужный цвет после обжига с помощью добавок, для которых используются соли металлов. Например добавки золота придают стеклу рубиновый цвет, кобальта - синий цвет, а меди - зелёный. При решении специфических живописных задач яркость эмали может, в отличие от стекла, приглушаться.

 Лиможская эмаль - (фр. émail de Limoges), прежде известная как Лиможская работа (фр. Œuvre de Limoges, лат. Opus lemovicense) - специальная техника обработки изделий из эмали, называемая выемчатой эмалью, которая появилась в середине XII века во французском городе Лиможе , исторической провинции Лимузен . Получив глубочайшее признание в государствах западной Европы, эмальеры прекратили использовать эту технику в середине XIV века.

Впоследствии, начиная с конца XV века, во Франции появилась новая технология изготовления предметов эмали - художественная эмаль, или еще известная как раскрашенная эмаль. Очень быстро художественная эмаль, подобно выемчатой эмали, в своё время, стала монопольно производиться в лимузенских мастерских.

В настоящее время при производстве изделий эмали одни мастера используют классическую технику, а другие - обновлённую современными достижениями технологию.

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ РОСПИСЬ ПО КЕРАМИКЕ

Гжель - один из традиционных российских центров производства керамики. Более широкое значение названия «Гжель», являющееся правильным с исторической и культурной точки зрения, - это обширный район, состоящий из 27 деревень, объединённых в «Гжельский куст». «Гжельский куст» расположен примерно в шестидесяти километрах от Москвы по железнодорожной линии Москва - Муром - Казань. Сейчас «Гжельский куст» входит в Раменский район Московской области. До революции этот район относился к Богородскому и Бронницкому уездам.

 Дымковская игрушка - вя́тская игрушка, ки́ровская игрушка - один из русских народных глиняных художественных промыслов. Возник в заречной слободе Дымково близ г. Вятка (ныне на территории г. Кирова).

Аналог дымковской игрушки отсутствует. Яркая, нарядная дымковская игрушка стала своеобразным символом Вятской земли.

 Филимоновская игрушка - древнерусский прикладной художественный промысел, сформировавшийся в деревне Филимоново Одоевского района Тульской области. По данным археологов филимоновскому промыслу более 700 лет. По другим данным около 1 тыс. лет.

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ РЕЗЬБА

 Резьба по камню (Глиптика) (от греч. glypho - вырезаю, выдалбливаю) - искусство резьбы на цветных и драгоценных камнях , геммах. Одно из наиболее древних искусств.

 Резьба по дереву - вид декоративно-прикладного искусства (также резьба является одним из видов художественной обработки дерева наряду с выпиливанием, токарным делом), а также искусства в целом.

 Резьба по кости - вид декоративно-прикладного искусства. В России распространен главным образом в Северных регионах: Архангельская область (холмогорская резная кость), Ямало-Ненецкий автономный округ (ямальская резная кость), город Тобольск(тобольская резная кость), Якутия и Чукотка (чукотская резная кость)

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ ОБРАБОТКА КОЖИ - 1) Вид декоративно-прикладного искусства, изготовление из кожи различных предметов как бытового, так и декоративно-художественного назначения; 2) отрасль текстильной промышленности, декорирование одежды, обуви, кож-галантерейных изделий. Приёмы:

ТИСНЕНИЕ - Различают несколько видов тиснения. В промышленном производстве применяются различные способы штамповки, когда рисунок на коже выдавливается при помощи пресс-форм. При изготовлении художественных изделий также применяют штамповку, но используют наборные штампы и чеканы. Другой способ - тиснение с наполнением - вырезание из картона (лигнина) или кусочков шоры элементов будущего рельефа и подкладывание под слой предварительно увлажненной юфти, которую затем обжимают по контуру рельефа. Мелкие детали выдавливают без подкладки за счет толщины самой кожи. При высыхании она твердеет и «запоминает» рельефный декор. Термотиснение - выдавливание декора на поверхности кожи при помощи разогретых металлических штампов.

ПЕРФОРАЦИЯ - или высечка - один из древнейших приемов. Собственно он сводится к тому, что при помощи пробойников различной формы в коже высекаются отверстия расположенные в виде орнамента. Этот прием используют и для создания сложных композиций наподобие витража или арабеска (например, в ювелирных украшениях, настенных панно и т. д.).

ПЛЕТЕНИЕ - один из способов обработки, заключающийся в соединении при помощи специальной техники нескольких полосок кожи. В ювелирных изделиях часто применяют элементы макрамэ, выполненные из «цилиндрического» шнурка. В сочетании с перфорацией плетение применяется для оплётки края изделий (используется для отделки одежды, обуви, сумок).

ПИРОГРАФИЯ - приём новый, но с древней родословной. Видимо, первоначально выжигание по коже явилось побочным эффектом при термо-тиснении (первое упоминание в России с XII, а в Европе с XIII века), но затем широко применялось как самостоятельный прием. В классическом виде пирография представляет собой нанесение на поверхность плотной кожи (шоры, чепрака) различных орнаментов. Делалось это при помощи разогретых штампов из меди и применялось в основном для отделки конской упряжи. Современная пирография своими выразительными возможностями обязана изобретению выжигательного прибора (пирографа). При помощи пирографии можно наносить на кожу очень тонкие и сложные рисунки. Часто применяется в сочетании с гравировкой, росписью, тиснением при создании панно, украшений, изготовлении сувениров.

ГРАВИРОВКА - применяют при работе с тяжелыми, плотными кожами (шора, чепрак, реже - юфть). Делается это так - на лицевую поверхность размоченной кожи с помощью резака наносят рисунок. Затем дорожником или штихелем (или любым металлическим предметом продолговатой формы) прорези расширяют и заполняют акриловой краской. При высыхании контурный рисунок сохраняет свою чёткость, а линии - толщину. Другой способ заключается в том, что вместо дорожника используется пирограф. В этом случае цвет и толщина линий, а также глубина гравировки регулируется изменением степени накала иглы пирографа.

АППЛИКАЦИЯ - в кожевенном деле - наклеивание или пришивание кусочков кож на изделие. В зависимости от того, какое изделие декорируется, несколько различаются способы аппликации. Так, при отделке предметов одежды элементы декора выполняют из тонких кож (опоек, шевро, велюр) и пришивают к основе. При создании панно, изготовлении бутылей или сувениров фрагменты аппликации могут быть выполнены из любых видов кож и наклеены на основу. В отличие от интарсии при аппликации допустимо соединение элементов «внахлёст».

ИНТАРСИЯ - по сути, то же, что инкрустация или мозаика: фрагменты изображения монтируются «стык-в-стык». Интарсию выполняют на текстильной или деревянной основе. В зависимости от этого выбирают сорта кож. При работе с текстильной основой используют тонкие пластичные кожи (опоек, шевро, велюр и тонкую юфть), а при работе на доске - тяжелые (шора, чепрак). Для достижения надлежащего качества по предварительному эскизу выполняют точные лекала всех фрагментов композиции. Затем по этим лекалам из предварительно окрашенных кож вырезают элементы и наклеивают на основу при помощи костного клея или эмульсии ПВА. Техника интарсии применяется в основном для создания настенных панно, но в сочетании с другими приемами может использоваться при изготовлении бутылей, сувениров, декорировании мебели.

Кроме того, кожу можно расписывать, её можно формовать, придавая любую форму и рельеф (при помощи размачивания, проклеивания, наполнения).

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ ОБРАБОТКА МЕТАЛЛА

Металлопластика - техника создания рельефных изображений на металле. Один из видов декоративно-прикладного искусства. Отличается от чеканки тем, что производится исключительно на тонких листах металла толщиной до 0,5 мм путем выдавливания контура рисунка специальными инструментами (а не ударом, как в чеканке), благодаря которым образуются плавные деформации металла. Более толстый лист не поддается подобной обработке, а лист тоньше 0,2 мм может порваться. Металлопластика использовалась с древних времен для украшения мебели, изготовления различных элементов декора или в качестве самостоятельного произведения искусства.

Благодаря простоте и доступности приемов она была включена в учебную программу советской школы в 20-е годы. Однако затем эта техника была забыта, и лишь в последнее время интерес к ней опять повысился.

Христианская оловянная миниатюра - современный вид христианского декоративно-прикладного искусства по созданию миниатюрной скульптуры малых форм. Ремесло появилось в конце XX века в России на фоне возрождения жизни Русской Православной Церкви после коммунистических гонений. Представляет собой отдельное направление от военно-исторической оловянной миниатюры, в котором используют сочетание христианской круглой скульптуры, иконографии и старинной технологии оловянного литья металлопластики.

Миниатюры могут изображать фигурки святых угодников божиих или сценки из библейской истории. Фигурки не являются предметами культового религиозного поклонения. Миниатюры являются живой традицией византийского художественного промысла резьбы круглой скульптуры из слоновой кости, утраченного в 12 веке. Разница только в техническом исполнении.

Этот вид христианского творчества воспринимается в церкви неоднозначно, поскольку в православии традиционна икона. Неприятие скульптуры в православии связано с тем, что в церкви имели место запреты на скульптуру. Но авторитетнейший теоретик церковного искусства Л. А. Успенский замечает: «Православная Церковь не только никогда не запрещала скульптурных изображений, но… такого запрета вообще быть не может, так как он не мог бы быть ничем обоснован». С первых веков Церковь скульптуру не отвергала. Об этом свидетельствуют хотя бы дошедшие до нашего времени довольно многочисленные статуи «Доброго Пастыря».

Художественная ковка - изготовление методом обработки металлов, который имеет общее название ковка, любых кованых изделий, любого предназначения, имеющих в обязательном порядке свойства художественного произведения.

Художественное литье из благородных металлов, бронзы и латуни

Художественное литье из чугуна

Чеканка - технологический процесс изготовления рисунка, надписи, изображения, заключающийся в выбивании на пластине определённого рельефа. Один из видов декоративно-прикладного искусства.

Является одним из вариантов художественной обработки металла.

Техника чеканки применяется при создании посуды, декоративных панно, различных ювелирных украшений.

Рельеф на листовом металле создают с помощью специально изготовленных инструментов - чеканов и выколоточных молотков, которые изготовляют как из металла так и древесины.

Для чеканных работ применяют такие металлы как латунь, медь, алюминий и сталь толщиной от 0,2 до 1 мм, в некоторых случаях золото и серебро.

Рельеф или рисунок можно чеканить, положив лист металла на торец березового или липового кряжа, на войлок, толстую резину, брезентовый мешок с речным песком, слой пластилина или смолы. В некоторых случаях более удобна свинцовая плита.

Введение

Роль декоративно-прикладного искусства в жизни народа

2 Философия декоративно-прикладного искусства

Развитие декоративно-прикладного искусства в наше время

2 Роль декоративно-прикладного искусства в современном обществе

Заключение

Введение

Данное понятие сформировалось в человеческой культуре не сразу. Первоначально то, что окружает человека в повседневной жизни, не воспринималось как имеющее эстетическую ценность, хотя красивые вещи окружали человека всегда. Еще в каменном веке предметы быта и оружие украшались орнаментами и насечками, чуть позже появились украшения из кости, дерева и металла, для работы стал использоваться самый разнообразный материал - глина и кожа, дерево и золото, стекло и волокна растений, когти и зубы животных. Роспись покрывала посуду и ткани, вышивкой украшали одежду, насечку и чеканку наносили на оружие и посуду, ювелирные украшения делали практически из любых материалов. Но человек не задумывался над тем, что привычные вещи, окружающие его всю жизнь, можно назвать искусством и выделить в отдельное течение. Но уже в эпоху Возрождения отношение к обыденным предметам стало меняться. Это было вызвано пробуждением интересов людей к прошлому, связанному с возникшим тогда культом античности. Одновременно возник интерес к жилищу, как предмету, равноценному с точки зрения эстетической ценности другим предметам искусства. Наибольшего развития декоративно-прикладное искусство достигает в эпоху барокко и классицизма. Очень часто простая, практически удобная форма предмета скрывалась за изысканными украшениями - росписью, орнаментом, чеканкой.

Современный художественный процесс сложен и многогранен, так же как сложна и многолика современная действительность. Искусство, понятное всем, окружает нас повсюду - дома и в служебном помещении, на предприятии и в парке, в общественных зданиях - театрах, галереях, музеях. Все - от колец, браслетов и кофейных сервизов до целостного тематического комплекса произведений декоративно-прикладного искусства для крупного общественного здания - несет на себе многообразие художественных поисков мастеров, тонко чувствующих декоративное назначение предмета, организующих и наполняющих красотой наш быт. Для создания необходимых для человека удобств и в то же время для украшения его жизни художники стремятся к тому, чтобы все вещи, которыми пользуются в обыденной жизни, не только соответствовали своему назначению, но и были красивыми, стильными и оригинальными. А красота и польза всегда рядом, когда берутся за дело мастера, и из самых разных материалов (дерева, металла, стекла, глины, камня и проч.) создают предметы быта, являющиеся произведениями искусства.

1. Роль декоративно-прикладного искусства в жизни народа

1 Особое место декоративно-прикладного искусства

Более столетия в гуманитарные дисциплины в разных формах буквально вторгается этническая проблематика, пересортировывая уже более или менее установившиеся понятия и раскрывая в них новое содержание. В самом деле, внешне наблюдаемые синкретизм и эвристичность этнической действительности не могут оставаться не замеченными теми разделами человековедения, которые претендуют на систематичность. Наряду с исследовательскими задачами раскрытия общего и особенного в культурном обиходе различных этнических общностей существует острая, во многих случаях неотложная необходимость поиска народных обычаев, и оперативного решения практических психологических задач по установлению минимальных культурных средств. Особое место в ряду этих средств занимает декоративно-прикладное искусство (ДПИ), которое теснейшим образом связано, точнее, органично вырастает из привычного, укоренившегося бытового уклада народа. ДПИ народов, в частности справедливо рассматриваются ныне не как отживающие свое время предметы ведения хозяйства, а как полифункциональные, конституирующие одновременно менталитет (по Л. Февру) и утилитарное пользование, как красивые, мастерски и сообразно назначению выполненные вещи, в которых проявились народные таланты и художественная культура, технология и самосознание этноса, личность автора и общественная норма. ДПИ никогда не ограничивало свои функции только утилитарно-оформительскими (декоративными). Какую бы сторону жизни славянских племени ни рассматривать, везде можно увидеть два взаимовлияния: жизни на искусство и искусства на жизнь. В этом «вдыхании и выдыхании» искусства ощутимо прослеживаются ритм мышления народа, его магичность и «пралогичность», мировоззрение и система межличностных отношений, воспитательные устои и этические приоритеты. То, каким образом эти прошедшие горнило художественного осмысления знаки воздействуют на становящееся поколение этнической общности, и составляет объект нашего исследования.

По мысли Г. В. Ф. Гегеля, «если речь идет о всеобщей, а не случайной цели искусства, то, принимая во внимание его духовную сущность, эта конечная цель может носить лишь духовный и притом не случайный, а коренящийся в самой природе цели характер. В отношении назидания эта цель могла бы состоять лишь в том, чтобы посредством художественного произведения доводить до сознания существенное духовное содержание. Искусство действительно стало первым учителем народов». К этому следует добавить, что тождество народа и его культуры означает его самореализацию, инобытие его духа, развернутость и внешнюю представленность в виде продуктов культуры его мышления. Художественный образ, сопутствующий произведению ДПИ, не только определяется назначением вещи или материала, из которого она изготовлена, но и является истоком, средством и итогом семиотической деятельности, знаком и посланием одновременно. Поэтому применительно к народам с первозданно сохранившимся ДПИ можно утверждать, что ребенка с самого рождения начинают воспитывать немые до поры до времени посланники культуры. Какой бы предмет ни брал в руки ребенок, он с раннего возраста сталкивается с необходимостью распредмечивания этого послания, поскольку нет такой области обихода, тем более у народов, чей уклад пока не очень восприимчив к идеалам массовой европейской или азиатской культуры (где наряду с массовостью нарастает отчужденность), куда не проникали бы изделия художника «быта». Общая задача психологического исследования может, таким образом, быть ориентирована на определение действительной роли ДПИ в детском развитии народа, поскольку даже самое предварительное наблюдение за устоявшимися формами воспитания указывает на глубокую включенность ДПИ во все культурные обстоятельства детской деятельности.

У славян, продолжающих жить в контексте природы (деревни, хутора и т.д.) и сохраняющих свой привычный уклад, это воспитание происходит при помощи окружающего мира, оформленного не только в «понятиях», как у техногенного общества, но и в знаково-символическом пространстве - своеобразном преломлении через декор, орнамент и мозаику, заложенные в предметах обихода, в одежде, в укладе жизни, в вечно живущих и бережно хранимых заповедях, которые передаются из века в век не в виде наставлений и советов «как жить», а через традиции совместного изучения, использования, изготовления предметов ДПИ. По словам Д.Лукача, «украшая орудия труда, человек уже в незапамятные времена овладевал отдельными предметами, которые и практически, и технически уже давно являлись своего рода продолжением его субъективного радиуса действия, делал их составной частью своего «я» в широком смысле». В самом деле, ДПИ у славян - это язык общности, начальные признаки освоения которого можно обнаружить и у детей. Этот язык не формировался специально, но в условиях национального интерната - своеобразной границы двух культур: внешней и внутренней, своей, - он становится одной из наиболее развитых систем средств, которыми готов распорядиться ребенок в новой для себя ситуации.

2. Философия декоративно-прикладного искусства

Сочетание этнографических, историко-культурных и психологических методов является, по мнению И. С. Кона, необходимым для корректного изучения психолого-философского феномена. Именно поэтому в исследовании функции и роли ДПИ в формировании средств адекватной ориентировки детей в окружающем мире мы рассматриваем ДНИ как самостоятельное явление, пытаясь на первых шагах определить его границы и в общих чертах представить его философскую феноменологию. Иными словами, острие нашего исследования обращено к феномену ДПИ таким образом, чтобы за формами игрового поведения и мышления ребенка, улавливаемыми в решении им специальных задач, раскрыть общее значение ДПИ для детского развития.

Исследования культурно-философского характера (Дж.Фрэзер, Э.Б.Тайлор, Л.Леви-Брюль, К.Леви-Строс и др.) раскрывают для нас особое пространство существования мысли «натуральных» славян (до сих пор поддерживающих особое отношение с природой). Это пространство исполнено духа (мышления) народа, рагзграфлено его традициями, обрядами, этническими стереотипами, насыщено магичностью, партиципированностью, пралогичностью и др. ДПИ - существенная и неотъемлемая часть, момент этого духа; одним из наиболее существенных его свойств является адресованность каждому вновь зарождающемуся поколению этнической общности. Именно в этой форме (наряду с оформленной или оформляющейся письменностью) языком костюма и орнамента, узора и обряда, декора и цвета народы сохраняют связь времен и передают от деда к внуку свои этнические нормы. Этот процесс передачи скрыт от посторонних глаз; он интимен, хотя и повседневен, несистематичен, хотя и регулярен; он задан культурным обиходом, но осваивается личностным образом.

Итак, все предметы домашнего обихода славян изготавливались, исключительно из местных материалов. Каждая семья имела множество берестяных емкостей разной формы и назначения, а из дерева мужчины вырезали ступы, кадушки, черпаки, ложки. Оригинальны были коробки, тарелки. В мешках и разных сумках, сшитых из шкур и тканей, хранили одежду и мелкие предметы. Возможно, важнее этих, сугубо практических и утилитарных функций были информативные и магические функции ДПИ. Красочно и художественно, с большой выдумкой изготавливались одежда, обувь. Информативную (идентификационную) функцию несли элементы цветового оформления и орнамент, который был широко распространен. Узорами украшали одежду, обувь, головные уборы, пояса, игольницы, подушки, сумки, коробки, кузова, колыбели. Орнамент славян, как и любой другой этнический графемный язык, отличался богатством форм, многообразием сюжетов, строгостью и четкостью построения. Поэтому орнаментация предметов, как, впрочем, и все ДПИ в целом, должна восприниматься нами не как причудливая фантазия мастера, а как важная часть народной культуры, как средство выражения художественных вкусов, национальных особенностей народа, его мировоззрения и истории.

Воспитательная функция ДПИ, быть может, не является ярко выраженной для стороннего наблюдателя, но ее обстоятельность и регулярность, безусловно, заметны. Ребенка уже с колыбели сопровождают предметы обихода, выполненные в яркой художественной технике ДПИ. Насколько мы можем судить по результатам опросов, интервью и наблюдений, в ходе этого включения в культуру имеет место своеобразная трансформация «симбиоза» воспитателя (у ханты он в явном виде не выделяется, эту функцию берут на себя все взрослые, находящиеся рядом с ребенком), знаково-символической системы ДПИ и ребенка. Психологическое расстояние между взрослым, ребенком и предметом начинает уже в раннем детстве существенно преобразовываться у этой немногословной культуры в своеобразный паритет.

Будучи языком общности, ДПИ несет в себе идеи, объединяющие народ в единое целое, общий знак, который консолидирует духовные силы ханты и их способы самосознания и выражения веры в лучшее будущее, признаки которой легко обнаруживаются у детей. При этом обращает на себя внимание, что язык ДПИ полностью не сформирован (или уже утерян) как всеобщая этническая универсалия и используется в основном без понимания.

Вероятнее всего, воспитывающее значение ДПИ превосходит все наши возможные представления о нем. Одно ясно, только практическими, утилитарными функциями оно не ограничивается: когда-то давно изделия ДПИ несли в себе функцию «оберега» и обойтись без них не мог ни один человек. Злые духи накинулись бы на него и нанесли ему увечья или наслали бы болезни. Эти изделия, например украшения для женщин, орнамент или родовой знак на одежде для мужчин, защищали их владельцев от воздействия не ясных еще для них сил. В наше время люди не всегда сознаются, что верят в чудодейственную силу украшений и орнамента, но продолжают изготавливать и носить эти изделия. Кроме того, что украшения прекрасны и изумительны, они выражают национальную, родовую и этническую принадлежность, а раньше несли еще и идентификационно личностную определенность их владельцев.

Феномен ДПИ пронизывает все стороны жизни: организацию быта, уклад семейных, родовых, «международных» и межличностных отношений. Не всегда роль и функции ДПИ (просветительские, обрядовые, эстетические и др.) четко осознаются, но они стабильно содержатся в любом предмете искусства, в проявлениях поведения и мышления. ДПИ понимают, ценят, пользуются его результатами все члены данного сообщества, и не будет преувеличением сказать, что и занимаются им многие. Отношение к ДПИ может служить мерой самосознания народа как содержащее ментальную цельность и выражающееся в знаково-символическом «послании» для других и для себя.

2. Развитие декоративно-прикладного искусства в наше время

1 Возникновение декоративно-прикладного искусства

Поэтому не будем выдумывать никаких новых определений ДПИ и обратимся к Российскому энциклопедическому словарю (РЭС) - книге, призванной сухо констатировать стереотипные взгляды на любые научные феномены. ДПИ в нем представлено весьма обстоятельной статьей:

«Декоративно-прикладное искусство - область декоративного искусства: создание художественных изделий, имеющих практическое назначение в общественном и частном быту, и художественная обработка утилитарных предметов (утварь, мебель, ткани, орудия труда, средства передвижения, одежда, украшения, игрушки и т.д.). При обработке материалов (металл, дерево, стекло, керамика, стекло, текстиль и др.) используются литье, ковка, чеканка, гравирование, резьба, роспись, инкрустация, вышивка, набойка и т.д. Произв. Д.-п.и. составляют часть предметной среды, окружающей человека, и эстетически ее обогащают. Они обычно тесно связаны с архитектурно-пространственным окружением, ансамблем (на улице, в парке, в интерьере) и между собой, образуя худ. комплекс. Возникнув в глубокой древности, Д.п.и. стало одной из важнейших областей народного творчества, его история связана с художественным ремеслом, с деятельностью профессиональных художников и народных мастеров, с начала 20 в. также с дизайном и конструированием».

Итак, в «декоративном искусстве» выделены три вида: монументально-декоративное искусство, оформительское искусство и ДПИ.

Сразу зададимся вопросом: почему из этих трех видов только ДПИ получило краткое наименование, известное практически каждому? Почему есть общеупотребительное наименование художников, работающих в области ДПИ - «ДПИшники», и нет «МДИшников» и «ОИшников»? Почему, когда говорят о «прикладниках», то имеют в виду именно художников ДПИ?

Посмотрим: любой художник-монументалист может назваться живописцем (или скульптором), и возражений это ни у кого не вызовет. Художники-оформители (как и плакатисты, как и сценографы) вправе называться либо графиками, либо живописцами (а иногда и скульпторами), и это тоже в порядке вещей. А вот «ДПИшники» (официально - «прикладники») - это и ювелиры, и керамисты, и шкатулочники, и мастера народных промыслов, и кто угодно, только не живописцы, не графики и не скульпторы.

И если ювелир или керамист назовет себя скульптором, а палехский или ростовский миниатюрист - живописцем, то это вызовет у окружающих в лучшем случае легкое удивление, а в худшем - замечание вроде «не садись не в свои сани».

Характерно, что РЭС «узаконил» и эту ситуацию. Не вдаваясь в перипетии различных направлений философии искусства, его авторы утверждают:

«Искусство,

) худ. творчество в целом - литература, архитектура, скульптура, живопись, графика, декоративно-прикладное И., музыка, танец, театр, кино и др. разновидности человеческой деятельности, объединяемые в качестве художественно-образных форм освоения мира...

) В узком смысле - изобразительное искусство.

) Высокая степень умения, мастерства в любой сфере деятельности».

А «искусство в узком смысле» - изобразительное, - по мнению авторов РЭС, означает «раздел пластическое искусство, объединяющий живопись, скульптуру и графику».

И если отсутствие в этом исчерпывающем списке, например, фотоискусства может объясняться относительной новизной последнего, то почему сюда не вошло ДПИ, существующее в течение многих тысячелетий?

2.2 Роль декоративно-прикладного искусства в современном обществе

Для того, чтобы понять, случайно или неслучайно возникла такая странная ситуация с ДПИ, необходимо вспомнить тридцатые-пятидесятые годы ХХ века - длительный период формирования «союзов советских художников». Именно тогда при создании МОСХа и СХ СССР были на равных правах выделены секции живописцев, графиков, скульпторов, оформителей, монументалистов и «прикладников».

Наверное, при решении организационных вопросов союзов все эти секции действительно пользовались равными правами. Но путаница началась уже тогда.

Дело в том, что нелегко назвать живописца, ни разу в жизни не оформлявшего какой-либо музей, выставку, церковь или дом культуры. Или скульптора, работавшего исключительно в станковой пластике и не поставившего ни одного монументального произведения. Или графика, ни разу не проиллюстрировавшего ни одной книги.

Так и получилось, что среди «равноправных» секций были три «наиболее равноправных» - живописцев, графиков и скульпторов, которые могли заниматься и своим «высоким» станковым искусством, и параллельно делать все то, что, по идее, относилось к компетенции монументалистов и оформителей. А членам «прикладных» секций, конечно, никто не мог запретить заниматься «станковизмом», но на массовых общесоюзных выставках они могли рассчитывать лишь на «периферийные» залы, а закупка у них станковых произведений была скорее исключением, чем правилом.

Следовательно, любой художник, хоть раз в жизни попробовавший себя в станковой живописи, графике или скульптуре (а как же без этого?), прежде всего пытался вступать в секции, формировавшие «искусство в узком смысле». А если почему-то не получалось, шел «на окраину» - в монументалисты или оформители. Исключения из этого правила, конечно, были, но лишь по субъективным причинам - если, например, все друзья-приятели художника N уже вступили в МОСХ как оформители, то зачем N было пытаться идти в живописцы или графики с огромным риском «прокатывания» на приемной комиссии? Лучше уж сразу к «своим»...

Были и исключения другого рода: в истории каждого из «союзов советских художников», как и в ныне существующих российских творческих союзах, известны периоды, когда «у руля» оказывались монументалисты или оформители. Но и эти ситуации имели и имеют исключительно субъективный характер.

Справедливости ради отметим, что столь же условным и субъективным было деление на живописцев и графиков. Например, какой живописец никогда не писал акварелью и никогда не брал в руки пастель?

Но отнесение живописца к графикам, хотя и означало невозможность нахождения в почетном центре любой всесоюзной (а теперь и всероссийской) экспозиции, все же не было равнозначно выпадению из «искусства в узком смысле» - изобразительного.

Как мы уже видели, монументалисты и оформители не теряли права именоваться живописцами и графиками и, соответственно, из «искусства в узком смысле» тоже не выпадали. Скульпторы-монументалисты никогда из «общескульптурного сообщества» и не выделялись.

А вот «прикладникам» повезло меньше всех. Они оказались вечным «вторым сортом». Оказалось, что ювелиры, керамисты и художники по стеклу - не скульпторы, а миниатюристы - не живописцы. На пышном и развесистом древе советского официозного признания им в лучшем случае светило звание «заслуженного художника» или «заслуженного деятеля искусств». Народный художник СССР, членкор, а тем более действительный член Академии художеств - эти «высоты» для них были заоблачными. Более того, для подавляющего большинства «прикладников» практически исключалось «свободное плавание» (заказы официальных организаций, минкультовские закупки с выставок и пр.) - они были вынуждены либо зарабатывать через «народные промыслы», либо «левачить».

После краха советской власти формальные ограничения деятельности «прикладников» исчезли, но клеймо «второсортности» осталось. Совсем недавно одному моему знакомому живописцу, подавшему заявление о приеме в Московский союз художников, предложили вступить в секцию ДПИ лишь потому, что он имел неосторожность принести на приемную комиссию не фотографии своих станковых работ, а типографски изданные открытки с их репродукциями. И если бы в наше время не было «альтернативных» союзов художников, этот живописец так бы и остался «прикладником».

Так откуда эта априорная «второсортность прикладников», и оправдана ли она?

Весьма вероятно, что в условиях монопольного господства советской распределительной системы такая «второсортность» имела определенные резоны.

«Исторически» - с XVIII до начала XX века - российские ювелиры, стеклодувы, керамисты, вышивальщики и прочие «прикладники» были в значительной степени «обезличены». Широкой публике были известны лишь имена хозяев заводов и мастерских, а почти все мастера - пусть самые талантливые - крайне редко имели возможность проявить свою авторскую индивидуальность.

В отношении живописцев и скульпторов Императорская академия художеств, жестко навязывая свой стиль и «правила игры», обезлички почти никогда не допускала, сохранив для истории имена даже многих «подмастерьев». А подавляющее большинство «рядовых» мастеров ювелирной, стекольной и фарфоровой промышленности Российской Империи безвозвратно кануло в Лету. Беспрецедентный взлет авторского «декоративно-прикладного искусства СССР» произошел только в конце пятидесятых годов ХХ века.

А в 1930-1950-е годы руководители творческих союзов и их кураторы из партийных органов достаточно искренне (во всяком случае, в соответствии с «императорской» традицией) попытались отделить «агнцев от козлищ» - «подлинных творцов» от «поделочников».

Именно тогда и возникло разделение художников на «чистых и нечистых» - «станковистов» и «прикладников». По идее, «настоящим советским» живописцам и скульпторам не подобало подрабатывать на народных промыслах и мастерить игрушки (о том, что множество на самом деле настоящих художников были вынуждены подрабатывать грузчиками и истопниками, сейчас речь не идет). Да и штамповать «клоны» своих произведений, ставя свою живопись и скульптуру на промышленный поток, по идее, «настоящие художники» не должны были - а для «прикладника» это вроде бы в порядке вещей.

Таким образом, у нас остался нерешенным один вопрос: что делать с термином «декоративное искусство», произведения которого, согласно РЭС, «художественно формируют окружающую человека материальную среду и вносят в нее эстетически-образное начало», но при этом, в отличие от «самодостаточного» станкового искусства, «наиболее полно раскрывают свое содержание в ансамбле, для эстетической организации которого они созданы»?

Да, отказаться от деления произведений искусства на «декоративные» и «станковые» еще сложнее, чем на «станковые» и «прикладные». Но, по всей видимости, нам придется сделать и это. В противном случае споры о том, «станковый» или «декоративный» характер имеет «Сикстинская Мадонна», могут быть бесконечными и бесплодными, так как любые мнения здесь могут быть исключительно субъективными.

Например, где лучше смотрится «Троица» Андрея Рублева? В слабоосвещенном и закопченном, но «родном» соборе, или все-таки в Третьяковке, где она абсолютно сохранна и выставлена в соответствии со всеми экспозиционными канонами?

Согласно стереотипному взгляду, «узаконенному» РЭС, получается, что признание рублевского шедевра «декоративным» или «станковым» произведением зависит исключительно от ответа на вопрос, где «Троица» смотрится лучше. Но на самом деле, наверное, не зря говорится: шедевр - он и в Африке шедевр. И более того, даже если вдруг однозначно выяснится, что в соборе рублевская «Троица» смотрится лучше, чем в Третьяковке, неужели у кого-то повернется язык назвать эту икону «произведением декоративного искусства»?

Действительно, «Троицу» так никто и не называет. Но подавляющее большинство икон обычно классифицируется именно таким образом.

Значит, и с «декоративным искусством» получается точно так же, как с ДПИ: в сложившейся искусствоведческой практике этот термин априорно выражает второсортность произведения. Следовательно, «второсортными» оказываются и все виды искусств, входящие в него: монументальное, оформительское и прикладное, с которого мы начали наше исследование.

Но ведь мало кто из современных искусствоведов не согласится с тем, что чувство ансамбля, способность к формированию единого пространства, выход авторской концепции за рамки собственно произведения - это «высший пилотаж», и на него способен далеко не всякий «станковист».

Так вправе ли мы здесь говорить о «втором сорте»? Нет, и еще раз нет. Но именно эту «второсортность» нам диктует современное стереотипное понимание «декоративного искусства».

Конечно, мы ни в коем случае не собираемся полностью отказываться от понятия «декоративности» как такового. Например, возможно первичное позиционирование произведения искусства в качестве «декоративного», как это имело место у Рафаэля с «Сикстинской Мадонной» или у Рублева с «Троицей». Мы видим и повсеместное использование «станковых» вещей в декоративных целях: большинство двумерных и трехмерных произведений искусства все-таки находится не в музеях, а «общественном и частном быту» в интерьерах.

Но сегодня вещь может оказаться в интерьере, завтра - в музее, а послезавтра - опять вернуться в интерьер. Все эти случаи подлежат лишь локальной оценке и ни в коем случае не влекут за собой классификационного отнесения к таким глобальным категориям, как станковое или декоративное искусство.

Л.В. Тазьба в статье «Рейтинг художников и философское понимание искусства», опубликованной в третьем выпуске справочника «Единый художественный рейтинг», определил феномен искусства (вне политико-экономической и конкретно-социальной целесообразности) как субъектно-объектное единство «художник-произведение». Этот подход, по мнению Л.В. Тазьбы, дает каждому возможность проявления себя в ситуации «зритель-произведение».

Эти определения помогут нам перейти от устаревших понятий станкового и декоративного искусства к более современной терминологии. Ведь «станковизм» и «декоративность» классифицируют произведения искусства в соответствии с их местонахождением в том или ином пространстве - храме, музее, коридоре, спальне и т.п.. Значит, мы вправе сказать, что эти термины обозначают пространственную составляющую ситуации «зритель-произведение».

Все произведения имеют несомненные художественные достоинства, но есть в них и некая успокоенность и повторы уже найденных приемов. Работам многих признанных мастеров не хватает подчас творческой смелости, остроты, поиска новизны формы. Может быть, поэтому в экспозиции привлекают внимание попытки внести творческое начало в технику макраме, которая за последние годы получила широкое распространение. Это относится прежде всего к большому триптиху Т. Мязиной (Московская область) "Березовая роща" и гобелену художников В. и Н. Яновых "Ярмарка" (Горький). Большой интерес вызвал на выставке гобелен молодых краснодарских художников В. и Л. Зубковых "Кубанская нива", выполненный в смелой экспрессивной манере. Удачно найдена и его фактура, слегка напоминающая густые кубанские хлеба.

Пластические виды искусства: стекло: керамика, фарфор и другие - были представлены в экспозиции в основном экспериментальными работами. Поиски идут самые разнообразные. В стекле мы уже привыкли к крупным декоративным формам, которыми оперируют наши ведущие художники-стекольщики для выражения своего мироощущения, а порой и глубоких философских мыслей. Таковы произведения Л. Савельевой, В. Муратова, Б. Федорова. Они интересны нам в плане развития тем и образов, которыми постоянно увлечены эти художники. От выставки к выставке растет и оттачивается мастерство гравировки и гранения хрусталя у А. Аствацатурьяна (Ленинград), О. Козловой и В. Корнеева (Гусь-Хрустальный), богаче и наполненней становится пластика в композициях С. Бескинской (Москва), А. Степановой (Москва), Л. Уртаевой (Москва), эмоциональней и тоньше цветовое решение работ Г. Антоновой (Москва), С. Рязановой (Москва), Д. и Л. Шушкановых (Москва). Для художников стекла открыты большие возможности в передаче таких свойств материала, как прозрачность, вязкость, хрупкость, тягучесть, пространственность. Выявление всех этих свойств стекла стало возможным благодаря высокому техническому уровню нашей стекольной промышленности. Трудно представить, как могли выглядеть работы гусевских художников, если бы на заводе не умели сварить чудесный цветной хрусталь, или вряд ли увидели бы мы последние произведения Б. Федорова, не будь на Дятьковском хрустальном заводе таких богатых традиций гранения хрусталя.

От этой составляющей во многом зависит восприятие субъектно-объектного единства «художник-произведение». Действительно, любой зритель воспринимает произведение (вместе с имеющейся у него информацией о художнике) прежде всего в окружающем пространстве - музейном, интерьерном, культовом, градостроительном и т.п..

Уточним: в пространстве воспринимает произведение не только зритель. Художник своим замыслом обычно охватывает и «станковый» или «декоративный» характер создаваемого творения, т.е. также мыслит для него определенное местоположение в пространстве. Но этот замысел является неотъемлемой составляющей акта создания произведения и, следовательно, включается в субъектно-объектное единство «художник-произведение». А впоследствии местоположение произведения в пространстве (для краткости обозначим его как «место произведения») может многократно меняться - мы уже говорили, что сегодня вещь может оказаться в интерьере, завтра - в музее, а послезавтра - опять вернуться в интерьер.

Видится полезным сделать еще одно уточнение. Несомненно, ценности искусства вечны и непреходящи - в наше время для констатации этого факта глубокие экскурсы в философию вряд ли необходимы. И все же восприятие любого произведения искусства существенно коррелирует со вкусами и традициями той или иной эпохи, в которую живет зритель. В том числе и в вопросе отнесения к «станковизму» или «декоративному искусству» (т.е. в мотивации размещения того или иного произведения в музее, на площади, в храме, в спальне и т.п.).

Таким образом, если мы отказываемся от понятий «станковизма» и «декоративности» как первичных классификаторов, мы должны добавить к субъектно-объектному единству «художник-произведение» составляющие, обозначающие зрительское восприятие - место и время восприятия произведения. Место и время создания произведения входят в первую составляющую - «художник», поэтому, чтобы отличать зрительское восприятие от акта создания произведения, назовем место и время зрительского восприятия обстоятельствами места и времени.

Итак, исчерпывающим теоретическим инструментом для восприятия, оценки и классификации того или иного произведения искусства может являться субъектно-объектное единство «художник-произведение», бытующее в обстоятельствах места и времени.

Все извечные проблемы зрительского восприятия - «нравится-не нравится», «хорошо-плохо» - определяются взаимодействием этих первичных категорий. Но в любом случае в искусстве не место плагиату и бездуховному тиражированию - только уникальность и неповторимость единства «художник-произведение» (по-разному воспринимаемого в различных обстоятельствах места и времени, но не меняющего от этого своей глубинной, подлинной сути) создают тот феномен, который мы называем искусством.

А все остальные составляющие восприятия, оценки и классификации произведений искусства (двумерность или трехмерность, «декоративное» или «станковое» первичное позиционирование, декоративное или музейное размещение в ту или иную эпоху, реалистичный или абстрактный стиль, пластика, цветовая гамма, художественные материалы и пр.) могут играть роль лишь вспомогательных, но отнюдь не первичных.

И никакого деления творцов на «чистых и нечистых» - станковистов и прикладников, реалистов и абстракционистов, традиционалистов и концептуалистов, монументалистов и миниатюристов - на этом уровне понимания быть не должно. Истинное (а не декларативное) равенство всех течений и направлений в искусстве - одно из величайших завоеваний искусствознания ХХ века, и настало время привести в соответствие с этими достижениями и базовую терминологию.

барокко ювелир прикладной классицизм

Заключение

Декоративно-прикладное искусство уходит своими корнями в глубь веков. Человек создавал эстетически ценные предметы на всем протяжении своего развития, отражая в них материальные и духовные интересы, поэтому произведения декоративно-прикладного искусства неотделимы от того времени, когда они были созданы. В основном своем значении термин "декоративно-прикладное искусство" обозначает оформление бытовых предметов, окружающих человека всю жизнь: мебели, ткани, оружия, посуды, украшений, одежды - т.е. всего того, что образует среду, с которой он ежедневно соприкасается. Все вещи, которыми пользуется человек, должны быть не только удобны и практичны, но и красивы.

Роспись покрывала посуду и ткани, вышивкой украшали одежду, насечку и чеканку наносили на оружие и посуду, ювелирные украшения делали практически из любых материалов. Но человек не задумывался над тем, что привычные вещи, окружающие его всю жизнь, можно назвать искусством и выделить в отдельное течение. Но уже в эпоху Возрождения отношение к обыденным предметам стало меняться. Это было вызвано пробуждением интересов людей к прошлому, связанному с возникшим тогда культом античности. Одновременно возник интерес к жилищу, как предмету, равноценному с точки зрения эстетической ценности другим предметам искусства. Наибольшего развития декоративно-прикладное искусство достигает в эпоху барокко и классицизма. Очень часто простая, практически удобная форма предмета скрывалась за изысканными украшениями - росписью, орнаментом, чеканкой.

В высокохудожественных произведениях мастеров Древней Руси пластическое начало проявлялось во всем: ложки и чашки отличались скульптурностью форм, безупречностью пропорций, ковши обычно принимали образ птицы - утки или лебедя, голова и шея служили рукояткой. Такая метафора имела магический смысл, и обрядовое значение определяло традиционность и устойчивость такой формы в народном быту. Золотые цепи, мониста из нарядных медальонов, цветных бус, подвесок, широкие серебряные браслеты, драгоценные перстни, ткани, украшенные шитьем - все это придавало праздничному женскому наряду многоцветье и богатство. Расписать узорами кувшин, украсить резьбой разделочную доску, выткать узоры на ткани - все это требует большого мастерства. Вероятно, такие украшенные орнаментами изделия относят к декоративно-прикладному искусству еще и потому, что необходимо приложить руки и душу, чтобы получилась удивительная красота.

Для создания необходимых для человека удобств и в то же время для украшения его жизни художники стремятся к тому, чтобы все вещи, которыми пользуются в обыденной жизни, не только соответствовали своему назначению, но и были красивыми, стильными и оригинальными.

А красота и польза всегда рядом, когда берутся за дело мастера, и из самых разных материалов (дерева, металла, стекла, глины, камня и проч.) создают предметы быта, являющиеся произведениями искусства.

Список использованной литературы

1.Завьялов К.Ф. Религия славянских народов. Т. 1, 2 / Томск, 1994 - 1995.

2.Лукина Н.В. Формирование материальной культуры русов. Томск, 1985.

.Обряды, обычаи, поверья: Сб. статей / Сост. Ю. Л. Хандрик, предисл. Н.А.Рогачевой. Тюмень, 1997.

.Гегель Г.В.Ф. Эстетика. Т. 1. М., 1968,

.Каплан Н. И. Народное декоративно - прикладное искусство. М., 1980.

.Соколов К.Ф. Религия славянских народов. Т. 1, 2 / Москва, 1994 - 1995.

.Рамзин В.М.,. Знакомьтесь: славяне. Москва, 1992.

.Лукина Н.В. Формирование материальной культуры славян. Томск, 1985.

.Мифы, предания, сказки славян / Сост. Н.В.Кукина М., 1990.

.Обряды, обычаи, поверья: Сб. статей / Сост. Ю. Л. Хандрик, Москва, 1997.

.Корыткова Н.Ф. Одежда славян. М.; , 1995.

.Ромбандеева Е.И. История славян и их духовной культуры. Москва, 1993.

.Соколова З.П. Восточные славяне. М., 1994.

.Дон И. С. Декоративно-прикладное искусство: Историко-философская перспектива. М., 1998.

.Барабанов Н. И. Народное декоративно - прикладное искусство Восточных славян. М.,

.1980. Прасков К.Ф. Религия славянских народов. Т

.Эльконин Д.Б. Психология игры. М., 1999.

.Барабанов Н. И. Народное декоративно - прикладное искусство западных славян. Ростов-на-Дону, 1999

.Потапов Н. И. Народное декоративно - прикладное искусство западных славян. М., 1990.

Репетиторство

Нужна помощь по изучению какой-либы темы?

Наши специалисты проконсультируют или окажут репетиторские услуги по интересующей вас тематике.
Отправь заявку с указанием темы прямо сейчас, чтобы узнать о возможности получения консультации.

1.1 Особое место декоративно-прикладного искусства

1.2 Философия декоративно-прикладного искусства

2.1 Возникновение декоративно-прикладного искусства

2.2 Роль декоративно-прикладного искусства в современном обществе

2.3 Декоративно-прикладное искусство как неотъемлемая часть культурной жизни общества Заключение Список использованной литературы

Введение Декоративно-прикладное искусство уходит своими корнями в глубь веков. Человек создавал эстетически ценные предметы на всем протяжении своего развития, отражая в них материальные и духовные интересы, поэтому произведения декоративно-прикладного искусства неотделимы от того времени, когда они были созданы. В основном своем значении термин «декоративно-прикладное искусство» обозначает оформление бытовых предметов, окружающих человека всю жизнь: мебели, ткани, оружия, посуды, украшений, одежды — т. е. всего того, что образует среду, с которой он ежедневно соприкасается. Все вещи, которыми пользуется человек, должны быть не только удобны и практичны, но и красивы.

Данное понятие сформировалось в человеческой культуре не сразу. Первоначально то, что окружает человека в повседневной жизни, не воспринималось как имеющее эстетическую ценность, хотя красивые вещи окружали человека всегда. Еще в каменном веке предметы быта и оружие украшались орнаментами и насечками, чуть позже появились украшения из кости, дерева и металла, для работы стал использоваться самый разнообразный материал — глина и кожа, дерево и золото, стекло и волокна растений, когти и зубы животных. Роспись покрывала посуду и ткани, вышивкой украшали одежду, насечку и чеканку наносили на оружие и посуду, ювелирные украшения делали практически из любых материалов. Но человек не задумывался над тем, что привычные вещи, окружающие его всю жизнь, можно назвать искусством и выделить в отдельное течение. Но уже в эпоху Возрождения отношение к обыденным предметам стало меняться. Это было вызвано пробуждением интересов людей к прошлому, связанному с возникшим тогда культом античности. Одновременно возник интерес к жилищу, как предмету, равноценному с точки зрения эстетической ценности другим предметам искусства. Наибольшего развития декоративно-прикладное искусство достигает в эпоху барокко и классицизма. Очень часто простая, практически удобная форма предмета скрывалась за изысканными украшениями — росписью, орнаментом, чеканкой.

Современный художественный процесс сложен и многогранен, так же как сложна и многолика современная действительность. Искусство, понятное всем, окружает нас повсюду — дома и в служебном помещении, на предприятии и в парке, в общественных зданиях — театрах, галереях, музеях. Все — от колец, браслетов и кофейных сервизов до целостного тематического комплекса произведений декоративно-прикладного искусства для крупного общественного здания — несет на себе многообразие художественных поисков мастеров, тонко чувствующих декоративное назначение предмета, организующих и наполняющих красотой наш быт. Для создания необходимых для человека удобств и в то же время для украшения его жизни художники стремятся к тому, чтобы все вещи, которыми пользуются в обыденной жизни, не только соответствовали своему назначению, но и были красивыми, стильными и оригинальными. А красота и польза всегда рядом, когда берутся за дело мастера, и из самых разных материалов (дерева, металла, стекла, глины, камня и проч.) создают предметы быта, являющиеся произведениями искусства.

1. Роль декоративно-прикладного искусства в жизни народа

1.1 Особое место декоративно-прикладного искусства Более столетия в гуманитарные дисциплины в разных формах буквально вторгается этническая проблематика, пересортировывая уже более или менее установившиеся понятия и раскрывая в них новое содержание. В самом деле, внешне наблюдаемые синкретизм и эвристичность этнической действительности не могут оставаться не замеченными теми разделами человековедения, которые претендуют на систематичность. Наряду с исследовательскими задачами раскрытия общего и особенного в культурном обиходе различных этнических общностей существует острая, во многих случаях неотложная необходимость поиска народных обычаев, и оперативного решения практических психологических задач по установлению минимальных культурных средств. Завьялов К. Ф. Религия славянских народов. Т. 1, 2 / Томск, 1994 — 1995. Особое место в ряду этих средств занимает декоративно-прикладное искусство (ДПИ), которое теснейшим образом связано, точнее, органично вырастает из привычного, укоренившегося бытового уклада народа. ДПИ народов, в частности справедливо рассматриваются ныне не как отживающие свое время предметы ведения хозяйства, а как полифункциональные, конституирующие одновременно менталитет (по Л. Февру) и утилитарное пользование, как красивые, мастерски и сообразно назначению выполненные вещи, в которых проявились народные таланты и художественная культура, технология и самосознание этноса, личность автора и общественная норма. ДПИ никогда не ограничивало свои функции только утилитарно-оформительскими (декоративными). Какую бы сторону жизни славянских племени ни рассматривать, везде можно увидеть два взаимовлияния: жизни на искусство и искусства на жизнь. В этом «вдыхании и выдыхании» искусства ощутимо прослеживаются ритм мышления народа, его магичность и «пралогичность», мировоззрение и система межличностных отношений, воспитательные устои и этические приоритеты. То, каким образом эти прошедшие горнило художественного осмысления знаки воздействуют на становящееся поколение этнической общности, и составляет объект нашего исследования.

У славян, продолжающих жить в контексте природы (деревни, хутора и т. д.) и сохраняющих свой привычный уклад, это воспитание происходит при помощи окружающего мира, оформленного не только в «понятиях», как у техногенного общества, но и в знаково-символическом пространстве — своеобразном преломлении через декор, орнамент и мозаику, заложенные в предметах обихода, в одежде, в укладе жизни, в вечно живущих и бережно хранимых заповедях, которые передаются из века в век не в виде наставлений и советов «как жить», а через традиции совместного изучения, использования, изготовления предметов ДПИ. По словам Д. Лукача, «украшая орудия труда, человек уже в незапамятные времена овладевал отдельными предметами, которые и практически, и технически уже давно являлись своего рода продолжением его субъективного радиуса действия, делал их составной частью своего „я“ в широком смысле». В самом деле, ДПИ у славян — это язык общности, начальные признаки освоения которого можно обнаружить и у детей. Этот язык не формировался специально, но в условиях национального интерната — своеобразной границы двух культур: внешней и внутренней, своей, — он становится одной из наиболее развитых систем средств, которыми готов распорядиться ребенок в новой для себя ситуации. Завьялов К. Ф. Религия славянских народов. Т. 1, 2 / Томск, 1994 — 1995.

1.2. Философия декоративно-прикладного искусства Сочетание этнографических, историко-культурных и психологических методов является, по мнению И. С. Кона, необходимым для корректного изучения психолого-философского феномена. Именно поэтому в исследовании функции и роли ДПИ в формировании средств адекватной ориентировки детей в окружающем мире мы рассматриваем ДНИ как самостоятельное явление, пытаясь на первых шагах определить его границы и в общих чертах представить его философскую феноменологию. Иными словами, острие нашего исследования обращено к феномену ДПИ таким образом, чтобы за формами игрового поведения и мышления ребенка, улавливаемыми в решении им специальных задач, раскрыть общее значение ДПИ для детского развития.

Исследования культурно-философского характера (Дж.Фрэзер, Э. Б. Тайлор, Л. Леви-Брюль, К. Леви-Строс и др.) раскрывают для нас особое пространство существования мысли «натуральных» славян (до сих пор поддерживающих особое отношение с природой). Это пространство исполнено духа (мышления) народа, рагзграфлено его традициями, обрядами, этническими стереотипами, насыщено магичностью, партиципированностью, пралогичностью и др. ДПИ — существенная и неотъемлемая часть, момент этого духа; одним из наиболее существенных его свойств является адресованность каждому вновь зарождающемуся поколению этнической общности. Именно в этой форме (наряду с оформленной или оформляющейся письменностью) языком костюма и орнамента, узора и обряда, декора и цвета народы сохраняют связь времен и передают от деда к внуку свои этнические нормы. Этот процесс передачи скрыт от посторонних глаз; он интимен, хотя и повседневен, несистематичен, хотя и регулярен; он задан культурным обиходом, но осваивается личностным образом.

2. Развитие декоративно-прикладного искусства в наше время

2.1 Возникновение декоративно-прикладного искусства Поэтому не будем выдумывать никаких новых определений ДПИ и обратимся к Российскому энциклопедическому словарю (РЭС) — книге, призванной сухо констатировать стереотипные взгляды на любые научные феномены. ДПИ в нем представлено весьма обстоятельной статьей:

«Декоративно-прикладное искусство — область декоративного искусства: создание художественных изделий, имеющих практическое назначение в общественном и частном быту, и художественная обработка утилитарных предметов (утварь, мебель, ткани, орудия труда, средства передвижения, одежда, украшения, игрушки и т. д.). При обработке материалов (металл, дерево, стекло, керамика, стекло, текстиль и др.) используются литье, ковка, чеканка, гравирование, резьба, роспись, инкрустация, вышивка, набойка и т. д. Произв. Д.-п.и. составляют часть предметной среды, окружающей человека, и эстетически ее обогащают. Они обычно тесно связаны с архитектурно-пространственным окружением, ансамблем (на улице, в парке, в интерьере) и между собой, образуя худ. комплекс. Возникнув в глубокой древности, Д.п.и. стало одной из важнейших областей народного творчества, его история связана с художественным ремеслом, с деятельностью профессиональных художников и народных мастеров, с начала 20 в. также с дизайном и конструированием». Соколов К. Ф. Религия славянских народов. Т. 1, 2 / Москва, 1994 — 1995.

Сразу зададимся вопросом: почему из этих трех видов только ДПИ получило краткое наименование, известное практически каждому? Почему есть общеупотребительное наименование художников, работающих в области ДПИ — «ДПИшники», и нет «МДИшников» и «ОИшников»? Почему, когда говорят о «прикладниках», то имеют в виду именно художников ДПИ?

Посмотрим: любой художник-монументалист может назваться живописцем (или скульптором), и возражений это ни у кого не вызовет. Художники-оформители (как и плакатисты, как и сценографы) вправе называться либо графиками, либо живописцами (а иногда и скульпторами), и это тоже в порядке вещей. А вот «ДПИшники» (официально — «прикладники») — это и ювелиры, и керамисты, и шкатулочники, и мастера народных промыслов, и кто угодно, только не живописцы, не графики и не скульпторы.

И если ювелир или керамист назовет себя скульптором, а палехский или ростовский миниатюрист — живописцем, то это вызовет у окружающих в лучшем случае легкое удивление, а в худшем — замечание вроде «не садись не в свои сани».

«Искусство,

1) худ. творчество в целом — литература, архитектура, скульптура, живопись, графика, декоративно-прикладное И., музыка, танец, театр, кино и др. разновидности человеческой деятельности, объединяемые в качестве художественно-образных форм освоения мира…

2) В узком смысле — изобразительное искусство.

3) Высокая степень умения, мастерства в любой сфере деятельности".

А «искусство в узком смысле» — изобразительное, — по мнению авторов РЭС, означает «раздел пластическое искусство, объединяющий живопись, скульптуру и графику».

2.2 Роль декоративно-прикладного искусства в современном обществе Для того, чтобы понять, случайно или неслучайно возникла такая странная ситуация с ДПИ, необходимо вспомнить тридцатые-пятидесятые годы ХХ века — длительный период формирования «союзов советских художников». Именно тогда при создании МОСХа и СХ СССР были на равных правах выделены секции живописцев, графиков, скульпторов, оформителей, монументалистов и «прикладников».

Наверное, при решении организационных вопросов союзов все эти секции действительно пользовались равными правами. Но путаница началась уже тогда. Соколов К. Ф. Религия славянских народов. Т. 1, 2 / Москва, 1994 — 1995.

Так и получилось, что среди «равноправных» секций были три «наиболее равноправных» — живописцев, графиков и скульпторов, которые могли заниматься и своим «высоким» станковым искусством, и параллельно делать все то, что, по идее, относилось к компетенции монументалистов и оформителей. А членам «прикладных» секций, конечно, никто не мог запретить заниматься «станковизмом», но на массовых общесоюзных выставках они могли рассчитывать лишь на «периферийные» залы, а закупка у них станковых произведений была скорее исключением, чем правилом.

Следовательно, любой художник, хоть раз в жизни попробовавший себя в станковой живописи, графике или скульптуре (а как же без этого?), прежде всего пытался вступать в секции, формировавшие «искусство в узком смысле». А если почему-то не получалось, шел «на окраину» — в монументалисты или оформители. Исключения из этого правила, конечно, были, но лишь по субъективным причинам — если, например, все друзья-приятели художника N уже вступили в МОСХ как оформители, то зачем N было пытаться идти в живописцы или графики с огромным риском «прокатывания» на приемной комиссии? Лучше уж сразу к «своим»…

А вот «прикладникам» повезло меньше всех. Они оказались вечным «вторым сортом». Оказалось, что ювелиры, керамисты и художники по стеклу — не скульпторы, а миниатюристы — не живописцы. На пышном и развесистом древе советского официозного признания им в лучшем случае светило звание «заслуженного художника» или «заслуженного деятеля искусств». Народный художник СССР, членкор, а тем более действительный член Академии художеств — эти «высоты» для них были заоблачными. Более того, для подавляющего большинства «прикладников» практически исключалось «свободное плавание» (заказы официальных организаций, минкультовские закупки с выставок и пр.) — они были вынуждены либо зарабатывать через «народные промыслы», либо «левачить».

Так откуда эта априорная «второсортность прикладников», и оправдана ли она?

«Исторически» — с XVIII до начала XX века — российские ювелиры, стеклодувы, керамисты, вышивальщики и прочие «прикладники» были в значительной степени «обезличены». Широкой публике были известны лишь имена хозяев заводов и мастерских, а почти все мастера — пусть самые талантливые — крайне редко имели возможность проявить свою авторскую индивидуальность.

А в 1930—1950-е годы руководители творческих союзов и их кураторы из партийных органов достаточно искренне (во всяком случае, в соответствии с «императорской» традицией) попытались отделить «агнцев от козлищ» — «подлинных творцов» от «поделочников».

Именно тогда и возникло разделение художников на «чистых и нечистых» — «станковистов» и «прикладников». По идее, «настоящим советским» живописцам и скульпторам не подобало подрабатывать на народных промыслах и мастерить игрушки (о том, что множество на самом деле настоящих художников были вынуждены подрабатывать грузчиками и истопниками, сейчас речь не идет). Да и штамповать «клоны» своих произведений, ставя свою живопись и скульптуру на промышленный поток, по идее, «настоящие художники» не должны были — а для «прикладника» это вроде бы в порядке вещей.

2.3 Декоративно-прикладное искусство как неотъемлемая часть культурной жизни общества Таким образом, у нас остался нерешенным один вопрос: что делать с термином «декоративное искусство», произведения которого, согласно РЭС, «художественно формируют окружающую человека материальную среду и вносят в нее эстетически-образное начало», но при этом, в отличие от «самодостаточного» станкового искусства, «наиболее полно раскрывают свое содержание в ансамбле, для эстетической организации которого они созданы»?

Согласно стереотипному взгляду, «узаконенному» РЭС, получается, что признание рублевского шедевра «декоративным» или «станковым» произведением зависит исключительно от ответа на вопрос, где «Троица» смотрится лучше. Но на самом деле, наверное, не зря говорится: шедевр — он и в Африке шедевр. И более того, даже если вдруг однозначно выяснится, что в соборе рублевская «Троица» смотрится лучше, чем в Третьяковке, неужели у кого-то повернется язык назвать эту икону «произведением декоративного искусства»?

Но ведь мало кто из современных искусствоведов не согласится с тем, что чувство ансамбля, способность к формированию единого пространства, выход авторской концепции за рамки собственно произведения — это «высший пилотаж», и на него способен далеко не всякий «станковист» [ 22, сайт ].

Но сегодня вещь может оказаться в интерьере, завтра — в музее, а послезавтра — опять вернуться в интерьер. Все эти случаи подлежат лишь локальной оценке и ни в коем случае не влекут за собой классификационного отнесения к таким глобальным категориям, как станковое или декоративное искусство.

Л.В. Тазьба в статье «Рейтинг художников и философское понимание искусства», опубликованной в третьем выпуске справочника «Единый художественный рейтинг», определил феномен искусства (вне политико-экономической и конкретно-социальной целесообразности) как субъектно-объектное единство «художник-произведение». Этот подход, по мнению Л. В. Тазьбы, дает каждому возможность проявления себя в ситуации «зритель-произведение».

Эти определения помогут нам перейти от устаревших понятий станкового и декоративного искусства к более современной терминологии. Ведь «станковизм» и «декоративность» классифицируют произведения искусства в соответствии с их местонахождением в том или ином пространстве — храме, музее, коридоре, спальне и т. п. Значит, мы вправе сказать, что эти термины обозначают пространственную составляющую ситуации «зритель-произведение».

Все произведения имеют несомненные художественные достоинства, но есть в них и некая успокоенность и повторы уже найденных приемов. Работам многих признанных мастеров не хватает подчас творческой смелости, остроты, поиска новизны формы. Может быть, поэтому в экспозиции привлекают внимание попытки внести творческое начало в технику макраме, которая за последние годы получила широкое распространение. Это относится прежде всего к большому триптиху Т. Мязиной (Московская область) «Березовая роща» и гобелену художников В. и Н. Яновых «Ярмарка» (Горький). Большой интерес вызвал на выставке гобелен молодых краснодарских художников В. и Л. Зубковых «Кубанская нива», выполненный в смелой экспрессивной манере. Удачно найдена и его фактура, слегка напоминающая густые кубанские хлеба.

Пластические виды искусства: стекло: керамика, фарфор и другие — были представлены в экспозиции в основном экспериментальными работами. Поиски идут самые разнообразные. В стекле мы уже привыкли к крупным декоративным формам, которыми оперируют наши ведущие художники-стекольщики для выражения своего мироощущения, а порой и глубоких философских мыслей. Таковы произведения Л. Савельевой, В. Муратова, Б. Федорова. Они интересны нам в плане развития тем и образов, которыми постоянно увлечены эти художники. От выставки к выставке растет и оттачивается мастерство гравировки и гранения хрусталя у А. Аствацатурьяна (Ленинград), О. Козловой и В. Корнеева (Гусь-Хрустальный), богаче и наполненней становится пластика в композициях С. Бескинской (Москва), А. Степановой (Москва), Л. Уртаевой (Москва), эмоциональней и тоньше цветовое решение работ Г. Антоновой (Москва), С. Рязановой (Москва), Д. и Л. Шушкановых (Москва). Для художников стекла открыты большие возможности в передаче таких свойств материала, как прозрачность, вязкость, хрупкость, тягучесть, пространственность. Выявление всех этих свойств стекла стало возможным благодаря высокому техническому уровню нашей стекольной промышленности. Трудно представить, как могли выглядеть работы гусевских художников, если бы на заводе не умели сварить чудесный цветной хрусталь, или вряд ли увидели бы мы последние произведения Б. Федорова, не будь на Дятьковском хрустальном заводе таких богатых традиций гранения хрусталя.

От этой составляющей во многом зависит восприятие субъектно-объектного единства «художник-произведение». Действительно, любой зритель воспринимает произведение (вместе с имеющейся у него информацией о художнике) прежде всего в окружающем пространстве — музейном, интерьерном, культовом, градостроительном и т. п.

Уточним: в пространстве воспринимает произведение не только зритель. Художник своим замыслом обычно охватывает и «станковый» или «декоративный» характер создаваемого творения, т. е. также мыслит для него определенное местоположение в пространстве. Но этот замысел является неотъемлемой составляющей акта создания произведения и, следовательно, включается в субъектно-объектное единство «художник-произведение». А впоследствии местоположение произведения в пространстве (для краткости обозначим его как «место произведения») может многократно меняться — мы уже говорили, что сегодня вещь может оказаться в интерьере, завтра — в музее, а послезавтра — опять вернуться в интерьер.

Видится полезным сделать еще одно уточнение. Несомненно, ценности искусства вечны и непреходящи — в наше время для констатации этого факта глубокие экскурсы в философию вряд ли необходимы. И все же восприятие любого произведения искусства существенно коррелирует со вкусами и традициями той или иной эпохи, в которую живет зритель. В том числе и в вопросе отнесения к «станковизму» или «декоративному искусству» (т.е. в мотивации размещения того или иного произведения в музее, на площади, в храме, в спальне и т. п.).

Таким образом, если мы отказываемся от понятий «станковизма» и «декоративности» как первичных классификаторов, мы должны добавить к субъектно-объектному единству «художник-произведение» составляющие, обозначающие зрительское восприятие — место и время восприятия произведения. Место и время создания произведения входят в первую составляющую — «художник», поэтому, чтобы отличать зрительское восприятие от акта создания произведения, назовем место и время зрительского восприятия обстоятельствами места и времени.

Все извечные проблемы зрительского восприятия — «нравится-не нравится», «хорошо-плохо» — определяются взаимодействием этих первичных категорий. Но в любом случае в искусстве не место плагиату и бездуховному тиражированию — только уникальность и неповторимость единства «художник-произведение» (по-разному воспринимаемого в различных обстоятельствах места и времени, но не меняющего от этого своей глубинной, подлинной сути) создают тот феномен, который мы называем искусством.

И никакого деления творцов на «чистых и нечистых» — станковистов и прикладников, реалистов и абстракционистов, традиционалистов и концептуалистов, монументалистов и миниатюристов — на этом уровне понимания быть не должно. Истинное (а не декларативное) равенство всех течений и направлений в искусстве — одно из величайших завоеваний искусствознания ХХ века, и настало время привести в соответствие с этими достижениями и базовую терминологию.

барокко ювелир прикладной классицизм

Заключение Декоративно-прикладное искусство уходит своими корнями в глубь веков. Человек создавал эстетически ценные предметы на всем протяжении своего развития, отражая в них материальные и духовные интересы, поэтому произведения декоративно-прикладного искусства неотделимы от того времени, когда они были созданы. В основном своем значении термин «декоративно-прикладное искусство» обозначает оформление бытовых предметов, окружающих человека всю жизнь: мебели, ткани, оружия, посуды, украшений, одежды — т. е. всего того, что образует среду, с которой он ежедневно соприкасается. Все вещи, которыми пользуется человек, должны быть не только удобны и практичны, но и красивы.

Роспись покрывала посуду и ткани, вышивкой украшали одежду, насечку и чеканку наносили на оружие и посуду, ювелирные украшения делали практически из любых материалов. Но человек не задумывался над тем, что привычные вещи, окружающие его всю жизнь, можно назвать искусством и выделить в отдельное течение. Но уже в эпоху Возрождения отношение к обыденным предметам стало меняться. Это было вызвано пробуждением интересов людей к прошлому, связанному с возникшим тогда культом античности. Одновременно возник интерес к жилищу, как предмету, равноценному с точки зрения эстетической ценности другим предметам искусства. Наибольшего развития декоративно-прикладное искусство достигает в эпоху барокко и классицизма. Очень часто простая, практически удобная форма предмета скрывалась за изысканными украшениями — росписью, орнаментом, чеканкой.

В высокохудожественных произведениях мастеров Древней Руси пластическое начало проявлялось во всем: ложки и чашки отличались скульптурностью форм, безупречностью пропорций, ковши обычно принимали образ птицы — утки или лебедя, голова и шея служили рукояткой. Такая метафора имела магический смысл, и обрядовое значение определяло традиционность и устойчивость такой формы в народном быту. Золотые цепи, мониста из нарядных медальонов, цветных бус, подвесок, широкие серебряные браслеты, драгоценные перстни, ткани, украшенные шитьем — все это придавало праздничному женскому наряду многоцветье и богатство. Расписать узорами кувшин, украсить резьбой разделочную доску, выткать узоры на ткани — все это требует большого мастерства. Вероятно, такие украшенные орнаментами изделия относят к декоративно-прикладному искусству еще и потому, что необходимо приложить руки и душу, чтобы получилась удивительная красота.

1. Завьялов К. Ф. Религия славянских народов. Т. 1, 2 / Томск, 1994 — 1995.

2. Лукина Н. В. Формирование материальной культуры русов. Томск, 1985.

3. Обряды, обычаи, поверья: Сб. статей / Сост. Ю. Л. Хандрик, предисл. Н. А. Рогачевой. Тюмень, 1997.

4. Гегель Г. В. Ф. Эстетика. Т. 1. М., 1968,

5. Каплан Н. И. Народное декоративно — прикладное искусство. М., 1980.

6. Соколов К. Ф. Религия славянских народов. Т. 1, 2 / Москва, 1994 — 1995.

7. Рамзин В. М. ,. Знакомьтесь: славяне. Москва, 1992.

8. Лукина Н. В. Формирование материальной культуры славян. Томск, 1985.

9. Мифы, предания, сказки славян / Сост. Н. В. Кукина М., 1990.

10. Обряды, обычаи, поверья: Сб. статей / Сост. Ю. Л. Хандрик, Москва, 1997.

11. Корыткова Н. Ф. Одежда славян. М.;, 1995.

12. Ромбандеева Е. И. История славян и их духовной культуры. Москва, 1993.

13. Соколова З. П. Восточные славяне. М., 1994.

14. Дон И. С. Декоративно-прикладное искусство: Историко-философская перспектива. М., 1998.

15. Барабанов Н. И. Народное декоративно — прикладное искусство Восточных славян. М.,

16. 1980. Прасков К. Ф. Религия славянских народов. Т

17. Эльконин Д. Б. Психология игры. М., 1999.

18. Барабанов Н. И. Народное декоративно — прикладное искусство западных славян. Ростов-на-Дону, 1999

19. Потапов Н. И. Народное декоративно — прикладное искусство западных славян. М., 1990.

Прививать малышам любовь к прекрасному, развивать зачатки эстетического вкуса можно разными способами. И один из них – занятия с ребенком прикладным творчеством. Это не обязательно должны быть практические уроки с уклоном в народную тематику. Ознакомление дошкольников с декоративно-прикладным искусством можно проводить путем выполнения поделок из проволоки или бумаги, лоскутного шитья, раскрашивания витражей и т. д.

Различные техники детского прикладного искусства не только позволяют занять свободное время, натренировать руку, научить ребенка работать с различным инструментарием. Помимо всего прочего, прикладные техники развивают у ребенка эстетический вкус, умение сочетать предметы и детали, различать оттенки, создавать новые фигуры, предметы или картины. Это положительно влияет на развитие абстрактного мышления, а также воспитывает художественный вкус вашего чада.

Какова роль декоративно прикладного творчества в развитии детей?

О том, какова роль декоративно-прикладного творчества в развитии детей говорил ещё великий педагог В. А. Сухомлинский. По его словам, «истоки способностей и дарований детей - на кончиках пальцев». И это совершенно справедливо, ведь любые действия, которые ребенок совершает пальцами, имеют непосредственное влияние не только на развитие его письменных навыков, но и на умственное развитие, на познавательную активность его мозга и на творческую составляющую его жизни.

Не секрет, что детское прикладное творчество имеет непосредственное отношение к развитию мелкой моторики, а значит стимулирует работу головного мозга, запускает механизмы речи и развивает творческие способности каждого ребенка.

Творческое моделирование воспитывает в человеке эстетический вкус, развивает образное мышление, помогает в приобретении навыков работы с различными инструментами и значительно обогащает знания о мире вашего ребенка.

Более того, использование прикладных техник дает родителю уникальный шанс заниматься творчеством совместно со своим ребенком. А готовые изделия отлично украсят интерьер вашего дома, дополнив развивающее пространство детской комнаты.

Прикладное творчество - это конструирование и моделирование из подручных материалов, умение создавать что-то новое из частей чего-либо. Это всякий художественный труд, которым занимается ваш ребенок.

Провести с ребенком интересное творческое занятие по конструированию легко, достаточно подключить воображение и запастись необходимыми материалами.

Во время работы с мелкими деталями формируется . Ребенок учится удерживать кончиками пальцев мелкие детали, рационально распределяет напряжение руки и мышц кисти.

Помимо влияния на мелкую моторику, роль декоративно-прикладного искусства в развитии ребенка ещё и в том, что оно оказывает благотворное действие на формирование эстетического и художественного вкуса, знакомит с элементами абстрактного мышления.

К прикладному творчеству можно отнести аппликацию из цветной бумаги, моделирование из природных материалов, работу с пластичными материалами, работу с инструментами и даже оформление игровых площадок.

Ниже рассмотрены несколько видов декоративно прикладного творчества для детей, которыми можно заняться в домашних условиях.

Детское декоративно-прикладное творчество: искусство мозаики

Мозаика - древнейший вид художественного искусства, предполагающий составление картин из мелких частей.

Чтобы собрать мозаику, необходимо обладать усидчивостью и волей. В отличие от аппликации или от нарисованной картины, изображение в мозаике проявляется постепенно, из мелких деталей.

Мозаику создают из камешков, глины, пластилина или обычной бумаги. Ее можно сделать из бусин, бисера, песка и даже манной крупы. Это самый распространенный вид прикладного искусства для детей.

Во время сборки мозаичного рисунка у ребенка развивается мелкая моторика, проявляется воображение, формируется художественный вкус и образное мышление. Кроме того, создание рисунка из мозаики отлично тренирует усидчивость и внимание, помогает сконцентрироваться на мелочах.

Не бойтесь переизбытка мозаичных рисунков в вашем доме, мозаичные панно - новое слово в современном декоре. Можно добавить в детскую комнату изюминку картинами и зарисовками из мозаики. Ею можно декорировать практически все в жилом пространстве.

Главное, помните: занимаясь этим детским декоративно-прикладным искусством, детали мозаики должны быть крупными и удобными для детской руки. Со старшим можно использовать в мозаичной картине такие материалы, как бисер или манная крупа.

С помощью мозаичного рисунка можно не просто сделать картину на стену, но обновить и дополнить интерьер детской комнаты.

Один из оригинальных видов прикладного творчества для детей - использование в качестве мозаичных запчастей природных материалов: ракушек, камней, семян растений или засушенных листьев деревьев. Работа с таким материалом требует повышенного внимания, аккуратности и большой усидчивости.

С маленьким ребенком полезно заниматься декором мозаики с крупами. Гречневая, рисовая и даже пшенная крупа отлично развивают хватательные навыки и формируют тактильное восприятие.

Но универсальным и самым доступным материалом для мозаики является цветная бумага. Для того чтобы выполнить из нее декор мозаикой, бумагу нужно нарезать или порвать на мелкие детали так, чтобы их хватило для всей картины. Бумагу можно сочетать с соленым тестом, акриловыми красками, песочными композициями.

Декоративно-прикладное искусство для детей дошкольного возраста: витражи

Еще один удачный вариант прикладного творчества для детей, формирующий эстетический вкус, развивающий мелкую моторику, воображение и тренирующий внимание - это витражная роспись.

Существует несколько видов техники витражной росписи: фьюзинг, тиффани, пленочные витражи и витражи, созданные витражными красками.

Остановимся на витражных красках, поскольку именно этим материалом удобней всего работать с детьми. Более того, витражные краски можно сделать самостоятельно, в домашних условиях.

Так как витражные краски созданы на основе клея ПВА, то готовый рисунок после высыхания на трафарете легко переносить на стекло. Из-за клейковины на основании рисунок хорошо держится на стекле, но при необходимости его можно легко снять и утилизовать, скатав в маленький шарик.

Витражными красками может работать как маленький ребенок, так и взрослый человек. Особой усидчивости требует прорисовка контура будущего рисунка. У новичков эти контуры получаются гораздо толще необходимого. Перед использованием тюбик витражной краски надо немного встряхнуть, но сильно трясти не рекомендуется, так как вы рискуете получить большое скопление кислорода. Если при нанесении краски на рисунке появились пузырьки воздуха, аккуратно проткните их кончиком витражного карандаша с краской или смешайте кистью.

Готовый витраж из такой краски необходимо оставить на трафарете на 24 часа до полного высыхания. В основе таких витражных картин выступает трафарет с распечатанным рисунком под полиэтиленовым чехлом. Витражную картину переносят на стекло аккуратно, только после полного высыхания.

Чтобы заниматься этим видом декоративно-прикладного искусства с детьми, необходимо определиться с тем, какие краски вы предпочитаете использовать. Изготовители позаботились о наших нуждах, и у каждого баллончика есть носик-распределитель, что отменяет использование дополнительных инструментов.

Все краски для витража можно разделить на обжигаемые и не обжигаемые. Обжигаемые позволяют прокаливать готовое изделие в печи, то есть продлить срок эксплуатации готового витража.

Для детей, осваивающих навыки такого декоративно-прикладного искусства, рекомендуется покупать краски импортного производства. В их упаковках удобные дозаторы, консистенция оптимальная. Она не будет течь, размазываться.

Витражные краски на водяной основе содержат в загустителе глицерин и на выходе дают большое количество пузырьков воздуха, с которыми придется бороться во избежание пустот в витражном рисунке.

Контуры для витражных красок продаются в специальных тюбиках. Очень часто новички покупают черный контур. Это неправильно. Работать с черным контуром сложнее, чем кажется на первый взгляд. Линии могут быть неоправданно широкими, а контур может бросаться в глаза, затмевая весь рисунок.

Новичку в витражном украшении и декоре лучше использовать контуры серебристых или белых цветов. Не бойтесь, сначала линия будет больше, чем вы планировали, но с опытом придет понимание, как выдавливать контурную краску нужной ширины.

Чтобы кончик насадки не засыхал и не обрастал остатками краски, рядом с изделием всегда кладите влажную губку, о которую можно вытереть все излишки.

Среди многообразия витражных красок особняком стоят витражные краски, сделанные своими руками. Такой материал идеально подойдет для работы даже маленькому ребенку. Собственные витражные краски можно сделать из клея ПВА и пищевых красителей.

Смешивайте краситель с ПВА, пока не получите однородную густую массу. Под емкости можно использовать пустые тюбики от гуаши или баночки из-под детского питания.

Витражные краски, созданные своими руками, наносятся на лист файла, в который вложена нужная картинка. После полного высыхания картина отделяется от полиэтилена и наклеивается на стекло.

Если вы всерьез задумались о занятии таким декоративно-прикладным искусством с детьми дошкольного возраста, не спешите осваивать окна и остекленные двери. Сначала стоит попробовать нарисовать витраж на малой площади. Например, декорировать ночник или вазу, стеклянную тарелку или кружку.

Перед работой со стеклом его нужно очистить от грязи и лишнего жира. Для этого промойте основу под проточной водой с моющим средством.

Теперь об эскизе. Если вы не хотите повторять растиражированные картинки и мечтаете создать что-то необычное, то рисунок можно сделать при помощи специальных программ; самая простая из них - Paint - есть на каждом компьютере.

Создав и распечатав эскиз, приступаем к переносу его на стеклянное изделие. Если это ночник для декора, то лист с рисунком мы аккуратно вправляем внутрь стеклянного абажура, закрепляем его клейкой лентой.

Теперь берем черный маркер для работ по стеклу (его контур стирается очень легко) и наносим очертания рисунка на наш абажур. Следующий этап: наносим витражный контур и оставляем изделие высыхать.

При обучении дошкольников такому декоративно-прикладному творчеству, важно освоить правильную технику работы с витражными красками. Перед использованием каждый тюбик необходимо встряхнуть, но не взбалтывать, чтобы не поднять кучу пузырьков.

Витражные краски наносятся густым слоем на каждую деталь рисунка. Каждой стороне нужно дать полностью высохнуть. Готовое изделие можно вскрыть акриловым лаком, чтобы закрепить детали, а можно прокалить в печи. Во втором случае обратите внимание на жаростойкость стекла-основы.

Приобщение детей к декоративно-прикладному искусству: квиллинг

Английская забава - закручивать полоски бумаги, а потом собирать получившиеся детали в некоторый узор - облетела всю планету. Использование этой техники в развитии мелкой моторики ребенка дает возможность получить опыт работы с машинкой для квиллинга, оттачивает умение работать с мелкими деталями, захватывать, склеивать их в узоры.

Приобщение детей к такому декоративно-прикладному искусству развивает усидчивость, формирует абстрактное и образное мышление, открывает возможности для развития художественного вкуса у ребенка.

Инструменты для работы с бумагой в технике квиллинга. В первую очередь нужно купить инструмент для закручивания бумаги. Если вы не нашли его в магазине - не расстраивайтесь и сделайте его сами.

Большую портняжную иглу острой частью закрепите в древко и кусачками удалите на ушке верхнюю петлю. Инструмент для скручивания узоров из бумаги готов.

Трафарет с окружностями различных диаметров для занятий с детьми декоративно-прикладным творчеством вы можете приобрести в канцелярском магазине. Здесь же продается клей. Можно использовать специальные клеевые основы, но проще запастись пистолетом для клея и тюбиками с ПВА.

Для работы с бумагой вам потребуется пинцет с длинными заостренными концами. Можно использовать плоский, но в этом случае придется следить за тем, чтобы не помять и не повредить готовые детали.

Стандартные полоски бумаги для занятий прикладным творчеством с детьми 5-7 лет продают в магазинах для рукоделия. Если необходимого цвета не оказалось или в ассортименте полоски не той ширины, попробуйте вырезать заготовки для квиллинга вручную. Для этого скрепите скобой между собой несколько листов цветной офисной бумаги, разметьте заготовку и с помощью канцелярского ножа и линейки нарежьте требуемое количество полосок.

Рабочее место и приемы работы. Организуя рабочее место для квиллинга, позаботьтесь о хорошем освещении. Кресло или стулу рабочего стола необходимо выбирать с тем расчетом, чтобы во время кропотливой работы ваш позвоночник не уставал, а кисти не немели.

На рабочий стол положите машинку для верчения бумаги, пинцет, линейку с трафаретами окружностей и обычную линейку.
Приготовьте клей и мокрую губку, об которую удобно убирать излишки клея.
Приготовьтесь к тому, что с первого раза шедевр может не получиться, но узор на открытку вы сделаете.

Квиллинг, как и многие техники прикладного искусства для дошкольников, направлен на развитие наглядно-образного мышления и формирует мелкую моторику рук.

Технику квиллинга можно использовать и в развивающем пространстве детской комнаты.

Причудливые узоры из скрученной бумаги одинаково хорошо смотрятся как на рамках фото, так и в декоративных панно во всю стену:

В детской комнате узоры из квиллинга используются в качестве развивающей среды.

Например, когда ребенок учит алфавит, объемные буквы из скрученной бумаги на стенах детской помогут с запоминанием. Ночник в виде корабля с ажурными парусами, готовый в любую минуту взмыть в небеса, добавит сказочное настроение в мир юного фантазера.

Необычные узорные цифры на стене помогут малышу запомнить цифровой ряд и научат простым вычислениям. Сюжеты из знакомых сказок, предметы обихода, геометрические фигуры в стиле квиллинга - все это может стать наглядным учебным пособием и достойным украшением детской комнаты.

Поделка прикладного творчества, выполненные дошкольниками, не обязательно должны быть связаны с игрушками, хотя из скрученной бумаги выйдет неплохой пальчиковый театр. Квиллингом можно декорировать баночки для карандашей, кашпо под цветы. Даже рабочий стол можно украсить картиной из скрученной бумаги, поместив ее под закаленное стекло.

Не важно, как вы будете использовать готовые изделия из квиллинга, главное, что эту технику можно и нужно использовать в совместном творчестве с ребенком, особенно в период «становления руки» и подготовки к письму.

Художественное прикладное творчество для детей 5, 6, 7 лет: занятия с проволокой

Если вы никогда раньше не использовали проволоку в декоративных целях, не крутили из нее замысловатые фигуры и не изобретали замысловатый каркас для игрушечной мебели, то начинать придется с малого.

Для знакомства детей с прикладным искусством купите медную проволоку в мотке для поделок из бисера. Этот материал можно приобрести в любом магазине для рукодельниц. Инструмент для работы с любой проволокой похож на плоскогубцы с вытянутым носиком, он называется круглогубцами.

Поделки из медной проволоки можно делать вместе с детьми пятилетнего возраста, когда мышцы рук окрепли и появилась некоторая усидчивость. Достаточно объяснить принципы работы и проконтролировать на начальном этапе.

Чтобы научиться крутить замысловатые фигуры из проволоки, придется начать с малого. Научитесь скручивать, закреплять и заворачивать простую медную нить, продающуюся в мотках для бисероплетения.

Эскизов для подобного художественно-прикладное творчество с детьми в Интернете достаточно. Многие поделки из такого материала можно смело использовать в оформлении детской комнаты. Например, объемная картина, сплетенная из бисера на медной проволоке, может стать неплохим украшением для детской комнаты.

С помощью медной проволоки, бисера и бусин можно декорировать рамки для фото, кашпо для цветов или настенные часы.Маленькими поделками из медной проволоки можно заполнить пространство календарного планирования или режим дня первоклассника.

Самое главное - ребенку 5, 6 и 7 лет такое прикладное творчество будет интересно, а работать с проволокой очень легко.

После того как медная проволока для творчества освоена, самое время переходить к более упругим и стойким к деформации материалам. Например, создавать поделки из проволоки с многослойным покрытием и большим диаметром, чем у медного мотка.

Для работы с таким материалом вам потребуются загнутые плоскогубцы и ручка-тиски. Если вы планируете поставить готовое изделие на опору, не забудьте приобрести набор специальных штырьков. Те, кто хорошо освоит технику работы с проволокой, могут использовать разнообразные приспособления по созданию узоров и украшений.

Подобное прикладное творчество интересно не только детям 5, 6 и 7 лет - работа с упругими проволоками заинтересует и школьников постарше. Сегодня бижутерия из медных завитков вошла в моду. Серьги, бусы, кольца и браслеты - вот неполный список того, что может сделать девочка под руководством мамы для собственного украшения.

Ангелы в детскую комнату младшего братика или сестры, елочки на окно в детской, забавные часы или оригинальный ночник из проволоки - все это займет ребенка и украсит дом.

Ознакомление дошкольников с декоративно-прикладным искусством: пэчворк

К шести годам многие дети еще не умеют толком работать с иглой и нитками. Родители либо боятся давать иглу в руки ребенка, либо сами не увлекаются шитьем. Редко когда девчонки шьют своим куклам наряды или учатся вышивать крестиком. Но шитье является одним из основных методов развития мелкой моторики рук дошкольника.

Тем более что сегодня есть безопасные иглы, которыми нельзя уколоться. С широкими ушками, чтобы было удобно заправлять иглу ниткой. Никто не говорит о сложном шитье, но некоторые простые швы по ткани, вышивка или совместное творчество по ткани с мамой - отличная тренировка для рук шестилетки.

В качестве знакомства дошкольников с декоративно-прикладным искусством можно использовать работу с тканью в технике пэчворк.

На Руси лоскутное украшение считалось показателем домовитости и таланта хозяйки. В Англии из кусков ткани шили как одежду, так и гобелены, а также шторы на окна. Лоскутное шитье лежит в основе создания кожаных доспехов и простой одежды в средние века.

Название этой техники идет из английского языка: patch - заплатка, work - работа. Пэчворк - работа с заплатками, или шитье из кусочков ткани.

Со временем изделия из разных кусков ткани и кожи стали использовать не только в практических целях. Сегодня узоры, которые создают умелицы пэчворка, используются больше в эстетических целях, украшая и дополняя интерьер нашего дома.

В пэчворке не обязательно вкладывать в каждый кусочек отдельный узор. За счет оригинальной сборки «заплатки» часто дополняют основной рисунок, являясь в нем незаменимым звеном. Пэчворк можно связать, можно сплести, а можно выполнить, используя технику макраме. Главное - соблюдать задуманный узор.

Практикуя занятия декоративно-прикладным творчеством для развития детей, при организации работы с лоскутами следуйте следующим правилам:

следите за правильным освещением;
детали предполагаемого изделия сортируйте по цветам, форме или размерам, чтобы потом не искать требуемое в куче разноцветных лоскутов;
задумывая работу с «заплатками», держите под рукой готовую схему;
подбирайте нитки в тон материалу, заранее проверяйте их на прочность.

Плетенные из лоскутов ткани ковры и паласы, вязаные вещи для кукол и их хозяйки - все это может быть ярко, весело, оригинально и просто.

Да, занятия прикладным искусством с детьми забирают время. Творчество всегда требует особых затрат. Но при всем «неудобстве» вы получаете неповторимый результат. Особенно если к обновлению интерьера детской комнаты вы привлечете ребенка. Например, доверьте ему выбор расцветки будущих «заплаток». Или пусть вырежет все заготовки, или стачает несколько «заплаток» по эскизу. Таким образом, декоративное прикладное развитие детей – то не только приобщение к прекрасному, но и польза.

Статья прочитана 5 390 раз(a).

Роль декоративно-прикладного искусства в жизни народа

2.2 Роль декоративно-прикладного искусства в современном обществе

Наверное, при решении организационных вопросов союзов все эти секции действительно пользовались равными правами. Но путаница началась уже тогда. Соколов К.Ф. Религия славянских народов. Т. 1, 2 / Москва, 1994 - 1995.

Так откуда эта априорная «второсортность прикладников», и оправдана ли она?

Декоративно-прикладное искусство Дагестана

Возникновение и развитие самобытного искусства народов Дагестана относится к глубокой древности. Многочисленные находки, обнаруженные во время археологических раскопок...

Культура и искусство Древнего Вавилона

Коллаж (от фр. collage -- приклеивание) -- технический приём в изобразительном искусстве, заключающийся в создании живописных или графических произведений путём наклеивания на какую-либо основу предметов и материалов...

Культурные потребности современной молодёжи

молодежь культурный потребность общество Среди социальных проблем современной молодежи отмечается множество наиважнейших направлений, рассмотрение которых позволяет рассуждать о новых течениях молодежного развития...

Методические основы обучения школьников приемам бумажной пластики

Дети в любом возрасте любят работать с бумагой, творить из нее свои маленькие шедевры. Одним из любимых детьми видов творческой деятельности являются занятия бумагопластикой ...

Народное декоративно-прикладное искусство как выдающееся явление художественной культуры населения Белгородчины

Среди современных промышленных предприятий области, использующих орнаментальные композиции, приемы декорирования одежды, можно выделить следующие: Борисовская фабрика художественной керамики, АО «Россиянка», «Наяда»...

Особливості стилю українського бароко

Твори образотворчого та декоративно-прикладного мистецтва, стародруки...

Прикладное искусство Византии IV-XIV века

Дошедшие до нас фрагменты шедевров прикладного искусства Византии говорят о том, что больших достижений византийские мастера добились не только в архитектуре, скульптуре и живописи...

Роль декоративно-прикладного искусства в жизни народа

Современные технологии в деревянной мебели в казахском стиле на уроках 7 класса

Войлочное производство - это сложный процесс, требующий определенных навыков. Из шерсти изготовляли предметы быта и одежд. Основным сырьем для выделки домашних мягких интерьеров была шерсть. От заготовки шерсти, её раскладки на циновку...