Geriausi impresionistiniai paveikslai su pavadinimais ir nuotraukomis. Konstantino Korovino paveikslai

Tolesnė Europos tapybos raida siejama su impresionizmu. Šis terminas gimė atsitiktinai. Priežastis buvo C. Monet peizažo pavadinimas „Įspūdis. Saulėtekis ”(žr. priedą Nr. 1, 3 pav.) (iš prancūziško impresiono – impresija), pasirodžiusioje impresionistų parodoje 1874 m. Tai pirmasis viešas menininkų grupės, kurioje dalyvavo C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, K. Pissarro ir kiti, pasirodymas, sulaukė grubios pašaipos ir priekabiavimo oficialios buržuazinės kritikos. Tiesa, jau nuo 1880-ųjų pabaigos formalius jų tapybos metodus perėmė akademinio meno atstovai, o tai suteikė Degas priežastį karčiai pastebėti: „Mus sušaudė, bet tuo pat metu buvo apiplėštos ir mūsų kišenės“.

Dabar, kai karštos diskusijos apie impresionizmą jau praeityje, vargu ar kas išdrįs ginčytis, kad impresionistų judėjimas buvo tolesnis Europos realistinės tapybos raidos žingsnis. „Impresionizmas – tai visų pirma tikrovės stebėjimo menas, pasiekęs neregėtą patobulinimą“ (V. N. Prokofjevas). Siekdami maksimalaus betarpiškumo ir tikslumo perteikdami matomą pasaulį, jie pradėjo tapyti daugiausia plenere ir iškėlė studijos iš gamtos svarbą, kuri beveik išstūmė tradicinį, kruopščiai ir lėtai studijoje kuriamą tapybos tipą.

Nuosekliai aiškindami savo paletę impresionistai išlaisvino tapybą nuo žemiškų ir rudų lakų bei dažų. Sąlyginis, „muziejinis“ juodumas jų drobėse užleidžia vietą be galo įvairiam refleksų ir spalvotų šešėlių žaismui. Jie neišmatuojamai išplėtė vaizduojamojo meno galimybes, atrasdami ne tik saulės, šviesos ir oro pasaulį, bet ir rūkų grožį, neramią didmiesčio gyvenimo atmosferą, naktinių šviesų sklaidą ir nenutrūkstamo judėjimo ritmą.

Dėl paties darbo po atviru dangumi metodo, kraštovaizdis, įskaitant jų atrastą miesto kraštovaizdį, impresionistų mene užėmė labai svarbią vietą. Kaip organiškai susiliejo tradicijos ir naujovės impresionistų mene, liudija visų pirma iškilaus XIX amžiaus dailininko Edouard'o Manet (1832-1883) kūryba. Tiesa, jis pats savęs nelaikė impresionizmo atstovu ir visada eksponavosi atskirai, tačiau ideologiniu ir pasaulėžiūriniu požiūriu neabejotinai buvo ir šio judėjimo pirmtakas, ir idėjinis lyderis.

Karjeros pradžioje E. Manet yra išstumtas (tyčios iš visuomenės). Buržuazinės visuomenės ir kritikų akyse jo menas tampa bjauraus sinonimu, o pats menininkas vadinamas „pamišusiu, kuris piešia paveikslą, drebėdamas delirium tremens“ (M. de Montifo) (žr. Priedą Nr. 1 4 pav.). Tik įžvalgiausi to meto protai sugebėjo įvertinti Manet talentą. Tarp jų buvo ir C. Baudelaire'as bei jaunasis E. Zola, pareiškęs, kad „ponui Manet lemta vieta Luvre“.

Impresionizmas nuosekliausią, bet ir toli siekiančią išraišką gavo Claude'o Monet (1840–1926) kūryboje. Jo vardas dažnai siejamas su tokiais šio tapybinio metodo pasiekimais kaip sunkiai suvokiamų pereinamųjų apšvietimo būsenų perkėlimas, šviesos ir oro vibracija, jų santykis nenutrūkstamų pokyčių ir virsmų procese. „Tai, be jokios abejonės, buvo didžiulė Naujojo amžiaus meno pergalė“, – rašo V. N. Prokofjevas ir priduria: „Tačiau ir galutinė jo pergalė“. Neatsitiktinai Cezanne'as, nors kiek polemiškai aštrino savo poziciją, vėliau tvirtino, kad Monet menas yra „tik akis“.

Ankstyvieji Monet darbai yra gana tradiciniai. Juose vis dar yra žmonių figūrų, kurios ateityje vis labiau virsta stafetais ir palaipsniui išnyksta iš jo paveikslų. 1870-aisiais pagaliau susiformavo impresionistinis menininko stilius, nuo šiol jis visiškai atsidavė kraštovaizdžiui. Nuo to laiko jis dirbo beveik vien tik po atviru dangumi. Būtent jo kūryboje galutinai patvirtinamas didelio paveikslo tipas – etiudas.

Vienas pirmųjų Monet pradeda kurti paveikslų seriją, kurioje tas pats motyvas kartojasi skirtingu metų ir paros metu, esant skirtingoms apšvietimo ir oro sąlygoms (žr. Priedas Nr. 1, 5, 6 pav.). Ne visos vienodos, tačiau geriausios šių serijų drobės stebina spalvų gaivumu, spalvų intensyvumu ir meniškumu perteikti apšvietimo efektus.

Vėlyvuoju kūrybos laikotarpiu Monet tapyboje stiprėja dekoratyvumo, plokštumo tendencijos. Spalvų ryškumas ir grynumas virsta savo priešingybe, atsiranda kažkoks balkšvumas. Kalbėdamas apie vėlyvųjų impresionistų piktnaudžiavimą „šviesiu tonu, kai kuriuos kūrinius paverčiančiu išblukusia drobe“, E. Zola rašė: „Ir šiandien nėra nieko kito, tik pleneras... lieka tik dėmės: portretas yra tik dėmė, figūros yra tik dėmės, tik dėmės“.

Kiti impresionistai taip pat dažniausiai buvo peizažistai. Jų darbai dažnai nepelnytai likdavo šešėlyje šalia tikrai spalvingos ir įspūdingos Monet figūros, nors akylu gamtos matymu ir tapybos įgūdžiais jam nenusileido. Tarp jų pirmiausia reikėtų įvardyti Alfredo Sisley (1839-1899) ir Camille'o Pissarro (1831-1903) vardus. Iš kilmės anglės Sisley darbai pasižymi ypatinga tapybine elegancija. Puikus plenero meistras sugebėjo perteikti giedrą giedro žiemos ryto orą, lengvą saulės sušildytą rūko miglą, vėjuotą dieną dangumi bėgančius debesis. Jo gama išsiskiria atspalvių turtingumu ir tonų ištikimybe. Dailininko peizažai visada persmelkti gilios nuotaikos, atspindinčios iš esmės lyrišką gamtos suvokimą (žr. Priedas Nr. 1, 7, 8, 9 pav.).

Vienintelio visose aštuoniose impresionistų parodose dalyvavusio menininko Pissarro kūrybinis kelias buvo sudėtingesnis – J. Revaldas jį pavadino šio judėjimo „patriarchu“. Pradėjęs nuo Barbizonams artimų tapybos peizažų, jis, Manet ir jo jaunųjų draugų įtakoje, pradėjo dirbti pleneru, nuosekliai šviesindamas paletę. Pamažu jis susikuria savo impresionistinį metodą. Vienas pirmųjų jis atsisakė naudoti juodus dažus. Pissarro visada buvo linkęs į analitinį požiūrį į tapybą, taigi ir jo eksperimentai suskaidant spalvą – „divizionizmas“ ir „puantelizmas“. Tačiau netrukus jis grįžta prie impresionistinės būdo, kuria kuriami geriausi jo darbai – nuostabi Paryžiaus urbanistinių peizažų serija (žr. priedą Nr. 1, 10,11,12,13 pav.). Jų kompozicija visada apgalvota ir subalansuota, paveikslas rafinuotas spalvomis ir virtuoziškas technika.

Rusijoje miesto kraštovaizdį impresionizme nušvietė Konstantinas Korovinas. „Paryžius mane šokiravo... impresionistus... juose pamačiau tai, už ką buvau priekaištaujama Maskvoje. Korovinas (1861-1939) kartu su savo draugu Valentinu Serovu buvo pagrindinės rusų impresionizmo figūros. Didelė prancūzų judėjimo įtaka sukūrė savo stilių, kuriame pagrindiniai prancūziškojo impresionizmo elementai buvo sumaišyti su sodriomis to laikotarpio rusų dailės spalvomis (žr. Priedas Nr. 1, 15 pav.).

„Naujas pasaulis gimė, kai impresionistai jį nutapė“

Henris Kahnveileris

XIX a. Prancūzija. Tapyboje atsitiko tai, kas neįsivaizduojama. Grupė jaunų menininkų nusprendė supurtyti 500 metų senumo tradiciją. Vietoj aiškaus piešinio jie naudojo platų „netvarkingą“ potėpį.

Ir jie visiškai atsisakė įprastų vaizdų, vaizdavo visus iš eilės. Ir lengvos dorybės ponios, ir abejotinos reputacijos ponai.

Visuomenė nebuvo pasiruošusi impresionistinei tapybai. Iš jų tyčiojosi ir bardavo. O svarbiausia – iš jų nieko nepirko.

Tačiau pasipriešinimas buvo palaužtas. Ir kai kurie impresionistai gyveno, kol pamatė savo triumfą. Tiesa, jiems jau buvo per 40. Kaip Claude'as Monet ar Auguste'as Renoiras. Kiti pripažinimo laukė tik savo gyvenimo pabaigoje, kaip Camille Pissarro. Kažkas to neatitiko, kaip Alfredas Sisley.

Kokį revoliucionierių padarė kiekvienas iš jų? Kodėl visuomenė taip ilgai jų nepriėmė? Štai 7 garsiausi pasaulio prancūzų impresionistai.

1. Edouardas Manetas (1832–1883)

Edvardas Manė. Autoportretas su palete. 1878 Privati ​​kolekcija

Manetas buvo vyresnis už daugumą impresionistų. Jis buvo pagrindinis jų įkvėpėjas.

Pats Manetas nepretendavo būti revoliucionierių vadu. Jis buvo pasaulio žmogus. Svajojo apie oficialius apdovanojimus.

Tačiau pripažinimo jis laukė labai ilgai. Visuomenė norėjo pamatyti graikų deives arba blogiausiu atveju natiurmortus, kad jie gražiai atrodytų valgomajame. Manetas norėjo piešti šiuolaikinį gyvenimą. Pavyzdžiui, kurtizanės.

Rezultatas buvo „Pusryčiai ant žolės“. Du dandžiai ilsisi lengvos dorybės damų kompanijoje. Vienas jų, lyg nieko nebūtų nutikę, sėdi šalia apsirengusių vyrų.

Edvardas Manė. Pusryčiai ant žolės. 1863 m., Paryžius

Palyginkite jo „Pusryčius ant žolės“ su Thomo Couture'o „Romans in the Decline“. Couture'o paveikslas sužavėjo. Menininkas iš karto išgarsėjo.

„Pusryčiai ant žolės“ buvo apkaltinti vulgarumu. Nėščioms moterims visiškai nerekomenduojama į ją žiūrėti.

Thomas Couture. romėnai nuosmukio. 1847 m. Orsė muziejus, Paryžius. archive.ru

Couture tapyboje matome visus akademizmo atributus (tradicinė XVI–XIX a. tapyba). Kolonos ir statulos. Apoloniški žmonės. Tradicinės prislopintos spalvos. Pozicijos ir gestų manieringumas. Siužetas iš tolimo visiškai kitų žmonių gyvenimo.

Manet „Pusryčiai ant žolės“ yra kitokio formato. Iki jo niekas kurtizanių taip lengvai nevaizdavo. Arti gerbiamų piliečių. Nors daugelis to meto vyrų taip leisdavo laisvalaikį. Tai buvo tikras tikrų žmonių gyvenimas.

Kartą jis pavaizdavo garbingą damą. Bjaurus. Jis negalėjo pamaloninti jos teptuku. Ponia buvo nusivylusi. Ji paliko jį verkdama.

Edvardas Manė. Angelina. 1860 m. Orsė muziejus, Paryžius. wikimedia.commons.org

Taigi jis toliau eksperimentavo. Pavyzdžiui, su spalva. Jis nesistengė pavaizduoti vadinamosios natūralios spalvos. Jei jis matė pilkai rudą vandenį kaip ryškiai mėlyną, tada jis pavaizdavo jį kaip ryškiai mėlyną.

Tai, žinoma, erzino visuomenę. „Galų gale, net Viduržemio jūra negali pasigirti tokia mėlyna kaip Maneto vanduo“, – šmaikštavo jie.

Edvardas Manė. Argenteuil. 1874 m. dailės muziejus, Tournai, Belgija. wikipedia.org

Bet faktas išlieka. Manetas iš esmės pakeitė tapybos paskirtį. Paveikslas tapo menininko, kuris rašo kaip nori, individualumo įkūnijimu. Pamirškite apie modelius ir tradicijas.

Naujovės jam ilgai neatleido. Pripažinimas laukė tik gyvenimo pabaigoje. Bet jam to nebereikėjo. Jis kankinamai mirė nuo nepagydomos ligos.

2. Claude'as Monet (1840-1926)

Klodas Monė. Autoportretas berete. 1886 Privati ​​kolekcija

Claude'ą Monet galima vadinti vadovėliniu impresionistu. Kadangi šiai krypčiai jis buvo ištikimas visą savo ilgą gyvenimą.

Jis piešė ne daiktus ir žmones, o vienos spalvos akcentų ir dėmių konstrukciją. Atskiri smūgiai. Oro drebulys.

Klodas Monė. Irklavimo baseinas. 1869 m. Metropoliteno meno muziejus, Niujorkas. Metmuseum.org

Monet piešė ne tik gamtą. Jam taip pat puikiai sekėsi miesto peizažai. Vienas garsiausių – .

Šiame paveiksle daug fotografijos. Pavyzdžiui, judesys perteikiamas naudojant neryškų vaizdą.

Atkreipkite dėmesį: atrodo, kad tolimi medžiai ir figūros yra migloje.

Klodas Monė. Boulevard des Capucines Paryžiuje. 1873 m. (XIX–XX a. Europos ir Amerikos meno galerija), Maskva

Prieš mus – sustojusi šurmuliuojančio Paryžiaus gyvenimo akimirka. Jokio pastatymo. Niekas nepozuoja. Žmonės vaizduojami kaip potėpių rinkinys. Toks neplaniškumas ir „užšaldyto kadro“ efektas yra pagrindinis impresionizmo bruožas.

Devintojo dešimtmečio viduryje menininkai buvo nusivylę impresionizmu. Žinoma, estetika yra gerai. Tačiau neplaniškumas daugelio prislėgtas.

Tik Monet ir toliau atkakliai perdėdavo impresionizmą. Tai išaugo į paveikslų seriją.

Tą patį peizažą jis vaizdavo dešimtis kartų. Skirtingu paros metu. Skirtingu metų laiku. Parodyti, kiek temperatūra ir šviesa gali neatpažįstamai pakeisti tą patį vaizdą.

Taigi šieno kupetų buvo begalė.

Claude'o Monet paveikslai Bostono dailės muziejuje. Kairėje: šieno kupetos saulėlydžio metu Giverny mieste, 1891 m. Dešinėje: šieno kupetas (sniego efektas), 1891 m.

Atkreipkite dėmesį, kad šešėliai šiuose paveiksluose yra spalvoti. Ir ne pilka ar juoda, kaip buvo įprasta iki impresionistų. Tai dar vienas jų išradimas.

Monet sugebėjo džiaugtis sėkme ir materialine gerove. Sulaukęs 40 metų, jis jau pamiršo skurdą. Turi namą ir gražų sodą. Ir jis tai darė savo malonumui ilgus metus.

Straipsnyje skaitykite apie ikoniškiausią meistro paveikslą

3. Auguste'as Renoiras (1841-1919)

Pierre'as Augustas Renuaras. Autoportretas. 1875 m. Sterlingo ir Francine'o Clark meno institutas, Masačusetsas, JAV. Pinterest

Impresionizmas yra pats pozityviausias paveikslas. O pozityviausias tarp impresionistų buvo Renuaras.

Dramos jo paveiksluose nerasite. Jis net nenaudojo juodų dažų. Tik buvimo džiaugsmas. Net pats banaliausias Renoir atrodo gražiai.

Skirtingai nei Monet, Renoiras dažniau piešė žmones. Peizažai jam buvo mažiau reikšmingi. Paveiksluose jo draugai ir pažįstami atsipalaiduoja ir mėgaujasi gyvenimu.

Pierre'as Augustas Renuaras. Irkluotojų pusryčiai. 1880-1881 m Phillips kolekcija, Vašingtonas, JAV. wikimedia.commons.org

Renoire nerasite dėmesingumo. Jis labai džiaugėsi prisijungęs prie impresionistų, kurie visiškai atsisakė dalykų.

Kaip pats sakė, pagaliau jis turi galimybę piešti gėles ir pavadinti jas tiesiog „Gėlės“. Ir negalvok apie juos jokių istorijų.

Pierre'as Augustas Renuaras. Moteris su skėčiu sode. 1875 Thyssen-Bormenis muziejus, Madridas. arteuam.com

Renoiras geriausiai jautėsi moterų kompanijoje. Jis paprašė savo tarnaičių dainuoti ir juokauti. Kuo daina kvailesnė ir naivesnė, tuo jam geriau. Vyro plepėjimas jį išvargino. Nenuostabu, kad Renoiras yra žinomas dėl nuogų paveikslų.

Paveikslo „Nuogas saulės šviesoje“ modelis atrodo spalvingame abstrakčiame fone. Nes Renoirui nėra nieko antraeilio. Modelio akis arba fono sritis yra lygiaverčiai.

Pierre'as Augustas Renuaras. Nuogas saulės šviesoje. 1876 ​​m. Orsė muziejus, Paryžius. wikimedia.commons.org

Renoiras gyveno ilgą gyvenimą. Ir niekada nenuleiskite teptuko ir paletės. Net tada, kai jo rankas visiškai sukaustė reumatas, jis virve pririšo šepetį prie rankos. Ir jis piešė.

Kaip ir Monet, pripažinimo jis laukė po 40 metų. O savo paveikslus pamačiau Luvre, šalia garsių meistrų darbų.

Apie vieną žaviausių Renoiro portretų skaitykite straipsnyje

4. Edgaras Degas (1834-1917)

Edgaras Degas. Autoportretas. 1863 m. Calouste Gulbenkian muziejus, Lisabona, Portugalija. Cultured.com

Degas nebuvo klasikinis impresionistas. Nemėgo dirbti po atviru dangumi (lauke). Sąmoningai paryškintos paletės pas jį nerasite.

Priešingai, jam patiko aiški linija. Jis turi daug juodos spalvos. Ir jis dirbo išskirtinai studijoje.

Bet vis tiek jis visada lygiuojasi į kitus puikius impresionistus. Nes jis buvo gesto impresionistas.

Netikėti kampai. Asimetrija objektų išdėstyme. Personažai netikėtai užklupti. Štai pagrindiniai jo paveikslų atributai.

Jis sustabdė gyvenimo akimirkas, neleisdamas veikėjams susivokti. Pažiūrėkite bent į jo „Operos orkestrą“.

Edgaras Degas. Operos orkestras. 1870 Musée d'Orsay, Paryžius. commons.wikimedia.org

Pirmame plane yra kėdės atlošas. Muzikantas atsigręžia į mus. O fone balerinos scenoje netilpo į „kadrą“. Jų galvas negailestingai „nukerta“ paveikslo kraštas.

Taigi jo mėgstamiausi šokėjai ne visada vaizduojami gražiomis pozomis. Kartais jie tiesiog išsitempia.

Tačiau tokia improvizacija yra įsivaizduojama. Žinoma, Degas kruopščiai apgalvojo kompoziciją. Tai tik fiksuoto kadro efektas, o ne tikras fiksavimo kadras.

Edgaras Degas. Dvi baleto šokėjos. 1879 m. Shelbourne muziejus, Vermutas, JAV

Edgaras Degas mėgo piešti moteris. Bet liga ar organizmo ypatybės neleido su jais turėti fizinio kontakto. Jis niekada nebuvo vedęs. Niekas niekada jo nematė su moterimi.

Tikrų siužetų nebuvimas asmeniniame gyvenime pridėjo jo vaizdams subtilaus ir intensyvaus erotiškumo.

Edgaras Degas. Baleto žvaigždė. 1876-1878 m Musee d'Orsay, Paryžius. wikimedia.comons.org

Atkreipkite dėmesį, kad paveikslėlyje „Baleto žvaigždė“ nupiešta tik pati balerina. Jos užkulisių kolegos sunkiai išsiskiria. Tik kelios kojos.

Tai nereiškia, kad Degas nebaigė nuotraukos. Toks yra priėmimas. Sutelkite dėmesį tik į svarbiausius dalykus. Kad likusi dalis išnyktų, neįskaitoma.

Apie kitus meistro paveikslus skaitykite straipsnyje.

5. Berthe Morisot (1841-1895)

Edvardas Manė. Berthe Morisot portretas. 1873 m. Marmottan Monet muziejus, Paryžius.

Bertha Morisot retai atsiduria didžiųjų impresionistų priešakyje. Esu tikras, kad tai nepelnyta. Tiesiog joje rasite visus pagrindinius impresionizmo bruožus ir būdus. O jei tau patinka šis stilius, jos darbus mylėsi iš visos širdies.

Morisot dirbo greitai ir veržliai, perkeldama savo įspūdį į drobę. Atrodo, kad figūros tuoj ištirps erdvėje.

Berthe Morisot. Vasara. 1880 m. Fabre muziejus, Monpeljė, Prancūzija.

Kaip ir Degas, ji dažnai palikdavo kai kurias detales nebaigtas. Ir net modelio kūno dalys. Paveiksle „Vasara“ negalime atskirti merginos rankų.

Morisoto kelias į saviraišką buvo sunkus. Ji ne tik užsiiminėjo „netvarkinga“ tapyba. Ji vis dar buvo moteris. Tais laikais ponia turėjo svajoti apie vedybas. Po to bet koks pomėgis buvo pamirštas.

Todėl Bertha ilgą laiką atsisakė santuokos. Kol susirado vyrą, kuris pagarbiai elgėsi su jos užsiėmimu. Eugenijus Manetas buvo dailininko Edouardo Manet brolis. Jis pareigingai nešiojosi molbertą ir piešia žmonai.

Berthe Morisot. Eugenijus Manetas su dukra Bougival. 1881 m. Marmottan Monet muziejus, Paryžius.

Tačiau tai dar buvo XIX a. Ne, Morisotas nemūvėjo kelnių. Tačiau ji negalėjo sau leisti visiškos judėjimo laisvės.

Ji negalėjo eiti į parką dirbti viena, be artimo žmogaus. Negalėjau sėdėti viena kavinėje. Todėl jos paveikslai – žmonės iš šeimos rato. Vyras, dukra, giminės, auklės.

Berthe Morisot. Moteris su vaiku sode Bougival. 1881 Nacionalinis Velso muziejus, Kardifas.

Morisotas nelaukė pripažinimo. Ji mirė sulaukusi 54 metų nuo plaučių uždegimo ir per savo gyvenimą nepardavė beveik nė vieno savo kūrinio. Jos mirties liudijime stulpelyje „užsiėmimas“ buvo brūkšnys. Neįsivaizduojama, kad moteris būtų vadinama menininke. Net jei ji tikrai buvo.

Skaitykite apie meistro paveikslus straipsnyje

6. Camille Pissarro (1830–1903)

Camille Pissarro. Autoportretas. 1873 m. Musée d'Orsay, Paryžius. wikipedia.org

Camille Pissarro. Nekonfliktiškas, pagrįstas. Daugelis jį laikė mokytoju. Net temperamentingiausi kolegos neblogai kalbėjo apie Pissarro.

Jis buvo ištikimas impresionizmo pasekėjas. Labai pritrūkęs, su žmona ir penkiais vaikais, jis vis tiek sunkiai dirbo savo mėgstamu stiliumi. Ir niekada neperėjo prie saloninės tapybos, kad taptų populiaresnė. Nežinia, iš kur jis turėjo jėgų visiškai patikėti savimi.

Kad visai nemirtų iš bado, Pissarro nupiešė vėduokles, kurios buvo nekantriai išparduotos. Ir tikrasis pripažinimas jį aplankė po 60 metų! Tada jis pagaliau sugebėjo pamiršti apie poreikį.

Camille Pissarro. Stagecoach Luveciene. 1869 Musée d'Orsay, Paryžius

Pissarro paveikslų oras yra tirštas ir tankus. Neįprastas spalvų ir tūrio susiliejimas.

Dailininkė nepabijojo piešti permainingiausių gamtos reiškinių, kurie akimirkai pasirodo ir išnyksta. Pirmas sniegas, šalta saulė, ilgi šešėliai.

Camille Pissarro. Šerkšnas. 1873 m. Musée d'Orsay, Paryžius

Žymiausi jo darbai – Paryžiaus vaizdai. Su plačiais bulvarais, tuščia marga minia. Naktį, dieną, skirtingu oru. Tam tikra prasme jie atkartoja Claude'o Monet paveikslų seriją.

Viena didžiausių paskutiniųjų XIX amžiaus dešimtmečių ir XX amžiaus pradžios meno krypčių yra impresionizmas, iš Prancūzijos paplitęs visame pasaulyje. Jos atstovai užsiėmė tokių tapybos metodų ir technikų kūrimu, kurie leistų ryškiausiai ir natūraliai atspindėti realų pasaulį dinamikoje, perteikti trumpalaikius jo įspūdžius.

Daugelis menininkų kūrė savo drobes impresionizmo stiliumi, tačiau judėjimo įkūrėjai buvo Claude'as Monet, Edouardas Manet, Auguste'as Renoiras, Alfredas Sisley, Edgaras Degas, Fredericas Bazille'as, Camille'as Pissarro. Neįmanoma įvardyti geriausių jų darbų, nes jie visi gražūs, bet yra žinomiausi, apie kuriuos bus kalbama toliau.

Claude'as Monet: „Įspūdis. Kylanti saulė"

Drobė, kuria galima pradėti pokalbį apie geriausius impresionistų paveikslus. Claude'as Monet nutapė jį 1872 m. iš gyvenimo senajame Prancūzijos Havro uoste. Po dvejų metų paveikslas pirmą kartą buvo parodytas visuomenei buvusiose prancūzų menininko ir karikatūristo Nadaro dirbtuvėse. Ši paroda tapo meno pasaulio gyvenimą keičiančiu įvykiu. Sužavėtas (ne pačia geriausia prasme) Monet kūrybos, kurios originalus pavadinimas skamba kaip „Impression, soleil levant“, žurnalistas Louisas Leroy pirmą kartą įvedė terminą „impresionizmas“, nurodantį naują tapybos kryptį.

Paveikslas buvo pavogtas 1985 metais kartu su O. Renoiro ir B. Morisot darbais. Atrasta po penkerių metų. Šiuo metu įspūdis. Kylanti saulė“ priklauso Marmottan Monet muziejui Paryžiuje.

Edouardas Monet: Olimpija

Prancūzų impresionisto Edouard'o Manet 1863 metais sukurtas paveikslas „Olympia“ yra vienas iš šiuolaikinės tapybos šedevrų. Pirmą kartą jis buvo pristatytas 1865 m. Paryžiaus salone. Menininkai impresionistai ir jų paveikslai dažnai atsidurdavo garsių skandalų centre. Tačiau Olimpija sukėlė didžiausią iš jų meno istorijoje.

Ant drobės matome nuogą moterį, veidu ir kūnu atsuktą į publiką. Antrasis veikėjas – tamsiaodė tarnaitė, laikanti prabangią, į popierių suvyniotą puokštę. Lovos papėdėje yra juodas kačiukas būdinga poza su išlenkta nugara. Apie paveikslo istoriją žinoma nedaug, iki mūsų atkeliavo tik du eskizai. Labiausiai tikėtina, kad šis modelis buvo mėgstamiausias Manet modelis Quiz Menard. Yra nuomonė, kad menininkas naudojo Marguerite Bellanger - Napoleono meilužės - įvaizdį.

Tuo kūrybos laikotarpiu, kai buvo kuriama Olimpija, Manetas susižavėjo japonų menu, todėl sąmoningai atsisakė atskleisti tamsos ir šviesos niuansus. Dėl to jo amžininkai nematė vaizduojamos figūros tūrio, laikė ją plokščia ir šiurkščia. Menininkas buvo apkaltintas amoralumu, vulgarumu. Niekada anksčiau impresionistiniai paveikslai nesukėlė tokio minios sujudimo ir pasityčiojimo. Administracija buvo priversta aplink ją pastatyti sargybinius. Degas palygino Maneto šlovę per Olimpiją ir drąsą, su kuria jis priėmė kritiką, su Garibaldi gyvenimo istorija.

Beveik ketvirtį amžiaus po parodos dailininkas meistras drobę laikė neprieinamą pašalinių akių. Paskui 1889 metais ji vėl buvo eksponuojama Paryžiuje. Beveik nupirkta, tačiau dailininko draugai surinko reikiamą sumą ir iš Manet našlės nupirko Olimpiją, o paskui padovanojo valstybei. Dabar paveikslas priklauso Orsė muziejui Paryžiuje.

Auguste Renoir: Didieji pirtininkai

Paveikslą 1884–1887 m. nutapė prancūzų dailininkas. Atsižvelgiant į visus dabar žinomus impresionistinius paveikslus nuo 1863 m. iki XX amžiaus pradžios, „Didieji pirtininkai“ vadinami didžiausia drobe su nuogomis moterų figūromis. Renoiras prie jo dirbo daugiau nei trejus metus ir per šį laikotarpį buvo sukurta daug eskizų ir eskizų. Jo kūryboje nebuvo kito paveikslo, kuriam jis skirtų tiek daug laiko.

Pirmame plane žiūrovas mato tris nuogas moteris, iš kurių dvi yra ant kranto, o trečioji – vandenyje. Figūros nutapytos labai tikroviškai ir aiškiai – tai būdingas menininko braižo bruožas. Renoiro modeliai buvo Alina Charigot (jo būsimoji žmona) ir Suzanne Valadon, kuri ateityje pati tapo garsia menininke.

Edgaras Degas: Mėlynieji šokėjai

Ne visi gerai žinomi straipsnyje išvardyti impresionistų paveikslai yra nutapyti aliejumi ant drobės. Aukščiau pateikta nuotrauka leidžia suprasti, kas yra paveikslas „Mėlynieji šokėjai“. Jis atliktas pastele ant 65x65 cm dydžio popieriaus lapo ir priklauso vėlyvajam menininko kūrybos laikotarpiui (1897 m.). Nutapė jį jau susilpnėjusiu matymu, todėl dekoratyvi organizacija yra itin svarbi: vaizdas suvokiamas kaip didelės spalvotos dėmės, ypač žiūrint iš arti. Degai buvo artima šokėjų tema. Ji ne kartą kartojo savo darbe. Daugelis kritikų mano, kad pagal spalvų ir kompozicijos harmoniją „Blue Dancers“ galima laikyti geriausiu menininko darbu šia tema. Paveikslas šiuo metu saugomas Dailės muziejuje. A. S. Puškinas Maskvoje.

Frederic Bazille: „Rožinė suknelė“

Vienas iš prancūzų impresionizmo įkūrėjų Frederikas Bazilis gimė turtingo vyndario buržuazinėje šeimoje. Net studijų metais licėjuje jis pradėjo užsiimti tapyba. Persikėlęs į Paryžių, jis užmezgė pažintį su C. Monet ir O. Renoir. Deja, menininko likimas buvo lemtas trumpam gyvenimo keliui. Jis mirė sulaukęs 28 metų Prancūzijos ir Prūsijos karo fronte. Tačiau jo, nors ir nedaug, drobės teisėtai įtrauktos į „Geriausių impresionistų paveikslų“ sąrašą. Viena jų – „Rožinė suknelė“, parašyta 1864 m. Pagal visus požymius, drobė gali būti priskirta ankstyvajam impresionizmui: spalvų kontrastai, dėmesys spalvai, saulės šviesai ir sustojusiai akimirkai, būtent tai, kas buvo vadinama „įspūdžiu“. Viena iš menininko pusseserių Teresa de Horse buvo modelis. Šiuo metu paveikslas priklauso Orsė muziejui Paryžiuje.

Camille Pissarro: Monmartro bulvaras. Po pietų, saulėta“

Camille Pissarro išgarsėjo savo peizažais, kurių būdingas bruožas – šviesos ir apšviestų objektų vaizdavimas. Jo darbai padarė didelę įtaką impresionizmo žanrui. Menininkas savarankiškai sukūrė daugelį jam būdingų principų, kurie sudarė kūrybos pagrindą ateityje.

Pissarro mėgo rašyti tą pačią vietą skirtingu paros metu. Jis turi visą seriją paveikslų su Paryžiaus bulvarais ir gatvėmis. Žymiausias iš jų – Boulevard Montmartre (1897). Jame atsispindi visas žavesys, kurį menininkė įžvelgia šniokščiančiame ir neramiame šio Paryžiaus kampelio gyvenime. Žvelgdamas į bulvarą iš tos pačios vietos, jis jį parodo žiūrovui saulėtą ir debesuotą dieną, ryte, po pietų ir vėlai vakare. Žemiau esančioje nuotraukoje - paveikslas "Boulevard Monmartre naktį".

Vėliau šį stilių perėmė daugelis menininkų. Tik paminėsime, kurie impresionistiniai paveikslai buvo parašyti veikiant Pissarro. Ši tendencija aiškiai matoma Monet kūryboje (paveikslų serija „Hacks“).

Alfredas Sisley: veja pavasarį

„Pievelės pavasarį“ – vienas naujausių peizažisto Alfredo Sisley paveikslų, parašytų 1880–1881 m. Jame žiūrovas mato miško taką palei Senos krantą su kaimu priešingame krante. Pirmame plane mergina – menininko dukra Jeanne Sisley.

Menininko peizažai perteikia tikrą istorinio Ile-de-France regiono atmosferą ir išlaiko ypatingą gamtos reiškinių švelnumą ir skaidrumą, būdingą konkretiems metų laikams. Menininkas niekada nebuvo neįprastų efektų šalininkas ir laikėsi paprastos kompozicijos bei ribotos spalvų paletės. Paveikslas dabar yra Londono nacionalinėje galerijoje.

Išvardijome žymiausius impresionistinius paveikslus (su pavadinimais ir aprašymais). Tai pasaulio meno šedevrai. Unikalus tapybos stilius, kilęs iš Prancūzijos, iš pradžių buvo vertinamas su pašaipa ir ironija, kritikai akcentavo akivaizdų menininkų nerūpestingumą rašant drobes. Dabar vargu ar kas išdrįsta mesti iššūkį savo genijui. Impresionistų paveikslai eksponuojami prestižiškiausiuose pasaulio muziejuose ir yra geidžiamas eksponatas bet kuriai privačiai kolekcijai.

Stilius nenugrimzdo į užmarštį ir turi daug pasekėjų. Mūsų tautietis Andrejus Kochas, prancūzų tapytojas Laurent'as Parcelier, amerikiečiai Diana Leonard ir Karen Tarleton yra žinomi šiuolaikiniai impresionistai. Jų paveikslai sukurti pagal geriausias žanro tradicijas, pripildyti ryškių spalvų, drąsių potėpių ir gyvybės. Aukščiau esančioje nuotraukoje - Laurent Parcelier darbas „Saulės spinduliuose“.

string(5796) "Architektūrinis kraštovaizdis prisidėjo prie MIESTO KRAŠTAŽO parinkimo į atskirą žanrą. Šios krypties, kuri susiformavo veikiant linijinės perspektyvos teorijai, meistrai pamatė savo pagrindinę užduotį - kompleksiškai, kruopščiai statyti sukurta kompozicija, atsižvelgiant į vieną pagrindinį požiūrį.Didelis indėlis į plėtrą Šį žanrą pristatė italų renesanso menininkai – Raphaelis, Piero della Francesca, Andrea Mantegna.Beveik kartu su architektūriniu kraštovaizdžiu vystėsi ir kita kryptis – įvaizdis miesto peizažai.XVI–XVII amžių vokiečių, olandų ir prancūzų tapytojai iš savo kelionių atsivežė daugybę albumų su lauko eskizais. XVII amžiaus viduryje CITY LANDSCAPE tvirtai užima savarankiško žanro poziciją, tapdama mėgstamu olandų siužetu. menininkai.Vaizduodami Amsterdamo, Delfto, Harlemo kampelius, menininkai siekė sujungti miesto pastatų geometrinį aiškumą su kasdienėmis scenomis ir peizažais. Miesto vaizdus galima rasti pas tokius žymiausius XVII amžiaus olandų menininkus kaip J. Goyen, J. Ruisdal, Vermeer iš Delfto. Vienas ryškiausių ir sėkmingiausių šio laikotarpio MIESTO KRAŠTOVAIZDŽIO pavyzdžių – Vermeerio iš Delfto „Delfto miesto vaizdas“, poetiškai perdainavęs savo gimtojo miesto įvaizdį. XVIII amžiuje susiformavo ypatinga kraštovaizdžio žanro rūšis, glaudžiai susijusi su MIESTO KRAŠOŽIU – veduta. Veduta, priklausomai nuo miesto erdvės atkūrimo pobūdžio, buvo skirstoma į tikrą, idealią ar fantastinę. Tikroje vedoje menininkas stropiai ir skrupulingai vaizdavo tikrus pastatus tikrame peizaže, idealiame – tikri pastatai buvo vaizduojami išgalvoto kraštovaizdžio apsuptyje, fantastinė veduta buvo tik autorės fantazija. Šio tipo tapybos klestėjimo laikotarpis buvo Venecijos veduta, o Venecijos vedutistinės mokyklos vadovas buvo dailininkas Antonio Canaletto. Romantizmo epochoje menininkai išlaikė susidomėjimą archeologinių vietovių, senovės ir senovės šventyklų vaizdavimu. XIX amžiaus viduryje peizažistai pasuko į žanrines scenas. MIESTO KEIŽAPIAI, vaizduojantys Londono vaizdus, ​​randami prancūzų menininko Gustave'o Dore graviūrose. Domina miesto vaizdai, nors jau Paryžius, ir kitas prancūzų menininkas, CITY LANDSCAPES meistras Honore Daumier. Naują puslapį MIESTO LANDSCAPE istorijoje atvertė menininkai impresionistai. Jų dėmesį patraukė skirtingu paros metu gatvių motyvai, stotys, pastatų siluetai, kontūrai. Noras perteikti miesto gyvenimo ritmą, užfiksuoti nuolat besikeičiančią atmosferos ir apšvietimo būseną impresionistus paskatino atrasti naujas meninės raiškos priemones.
Paveikslų skiltyje, skirtoje MIESTO KRAŠTAŽAI, pristatomi objektai, vaizduojantys įvairius miestus, architektūros paminklus, gatves ir įžymybes. Šioje skiltyje rasite Maskvos, Sankt Peterburgo, taip pat Romos ir daugelio kitų miestų vaizdus. Siūlome įsigyti prekių iš MIESTO KRAŠTAŽO skyriaus mūsų Siuntų antikvariato parduotuvėje. Skyrius MIESTO KRAŠTAS nuolat atnaujinamas, laukite naujienų. “

MIESTO KRAŠTAS - vaizduojamojo meno žanras, kuriame pagrindinis siužetas yra miesto, jo gatvių ir pastatų vaizdas. Iš pradžių CITY LANDSCAPE nebuvo savarankiškas žanras, viduramžių menininkai miesto vaizdus naudojo tik kaip biblinių scenų rėmą. Senieji olandų meistrai pergalvojo MIESTO PEIZDŽĄ naujai, su ypatingu rūpesčiu ir meile užfiksavę supantį pasaulį.

Architektūrinis kraštovaizdis prisidėjo prie MIESTO KRAŠTAŽO išskyrimo į atskirą žanrą. Šios krypties, kuri susiformavo veikiant linijinės perspektyvos teorijai, meistrai savo pagrindiniu uždaviniu matė sudėtingą, kruopščiai suplanuotą kompoziciją, atsižvelgdami į vieną, pagrindinį požiūrį. Didelį indėlį į šio žanro plėtrą įnešė italų renesanso menininkai – Raphaelis, Piero della Francesca, Andrea Mantegna. Beveik kartu su architektūriniu kraštovaizdžiu kūrėsi ir kita kryptis – miesto peizažų įvaizdis. XVI–XVII a. vokiečių, olandų ir prancūzų tapytojai iš savo kelionių parsivežė daugybę albumų su eskizais iš gamtos. Iki XVII amžiaus vidurio MIESTO LANDSCAPE tvirtai užima savarankiško žanro poziciją, tapdamas mėgstama olandų menininkų tema. Vaizduodami Amsterdamo, Delfto, Harlemo kampelius menininkai siekė sujungti miesto pastatų geometrinį aiškumą su kasdienėmis scenomis ir peizažais. Tikrų miesto vaizdų galima rasti pas tokius didžiuosius XVII amžiaus olandų menininkus kaip J. Goyen, J. Ruisdal, Vermeer iš Delfto. Vienas ryškiausių ir sėkmingiausių šio laikotarpio MIESTO KRAŠTOVAIZDŽIO pavyzdžių – Vermeerio iš Delfto „Delfto miesto vaizdas“, poetiškai perdainavęs savo gimtojo miesto įvaizdį. XVIII amžiuje susiformavo ypatinga kraštovaizdžio žanro rūšis, glaudžiai susijusi su MIESTO KRAŠOŽIU – veduta. Veduta, priklausomai nuo miesto erdvės atkūrimo pobūdžio, buvo skirstoma į tikrą, idealią ar fantastinę. Tikroje vedoje menininkas stropiai ir skrupulingai vaizdavo tikrus pastatus tikrame peizaže, idealiame – tikri pastatai buvo vaizduojami išgalvoto kraštovaizdžio apsuptyje, fantastinė veduta buvo tik autorės fantazija. Šio tipo tapybos klestėjimo laikotarpis buvo Venecijos veduta, o Venecijos vedutistinės mokyklos vadovas buvo dailininkas Antonio Canaletto. Romantizmo epochoje menininkai išlaikė susidomėjimą archeologinių vietovių, senovės ir senovės šventyklų vaizdavimu. XIX amžiaus viduryje peizažistai pasuko į žanrines scenas. MIESTO KEIŽAPIAI, vaizduojantys Londono vaizdus, ​​randami prancūzų menininko Gustave'o Dore graviūrose. Domina miesto vaizdai, nors jau Paryžius, ir kitas prancūzų menininkas, CITY LANDSCAPES meistras Honore Daumier. Naują puslapį MIESTO LANDSCAPE istorijoje atvertė menininkai impresionistai. Jų dėmesį patraukė skirtingu paros metu gatvių motyvai, stotys, pastatų siluetai, kontūrai. Noras perteikti miesto gyvenimo ritmą, užfiksuoti nuolat besikeičiančią atmosferos ir apšvietimo būseną impresionistus paskatino atrasti naujas meninės raiškos priemones.
Paveikslų skiltyje, skirtoje MIESTO KRAŠTAŽAI, pristatomi objektai, vaizduojantys įvairius miestus, architektūros paminklus, gatves ir įžymybes. Šioje skiltyje rasite Maskvos, Sankt Peterburgo, taip pat Romos ir daugelio kitų miestų vaizdus. Siūlome įsigyti prekių iš MIESTO KRAŠTAŽO skyriaus mūsų Siuntų antikvariato parduotuvėje. Skyrius MIESTO KRAŠTAS nuolat atnaujinamas, laukite naujienų.

PERSKAITYKITE VISIŠKAI

XVIII–XIX a pažymėjo Europos meno klestėjimą. Prancūzijoje imperatorius Napoleonas III įsakė pradėti Paryžiaus atstatymą po karo veiksmų per Prancūzijos ir Prūsijos karą. Paryžius greitai tapo tuo pačiu „spindinčiu miestu“, kuris buvo Antrosios imperijos valdžioje, ir vėl pasiskelbė Europos meno centru. Todėl daugelis impresionistų menininkų savo darbuose atsigręžė į modernaus miesto temą. Jų darbuose modernus miestas – ne pabaisa, o gimtinės vieta, kurioje gyvena žmonės. Daugelis kūrinių persmelkti stipriu patriotizmo jausmu.

Tai ypač matyti Claude'o Monet paveiksluose. Jis sukūrė daugiau nei 30 paveikslų su Ruano katedros vaizdais įvairiomis apšvietimo ir atmosferos sąlygomis. Pavyzdžiui, 1894 metais Monet nutapė du paveikslus – „Ruano katedra vidurdienį“ ir „Ruano katedra vakare“. Abiejuose paveiksluose vaizduojamas tas pats katedros fragmentas, tačiau skirtingais tonais – šiltais geltonai rožiniais vidurdienio tonais ir šaltais melsvais blėstančios prieblandos šviesos atspalviais. Paveiksluose spalvinga dėmė visiškai ištirpdo liniją, menininkas perteikia ne medžiaginį akmens sunkumą, o tarsi lengvą spalvingą šydą.

Impresionistai siekė, kad paveikslas atrodytų kaip atviras langas, pro kurį matomas tikrasis pasaulis. Dažnai jie rinkosi žvilgsnį nuo lango į gatvę. Garsusis C. Monet Boulevard des Capucines, nutapytas 1873 m. ir parodytas pirmojoje impresionistų parodoje 1874 m., yra puikus šios technikos pavyzdys. Čia daug naujovių – kraštovaizdžio motyvu pasirinktas vaizdas į didelę miesto gatvę, tačiau menininkui rūpi jos išvaizda kaip visuma, o ne reginiai. Visa žmonių masė vaizduojama slenkančiais potėpiais, apibendrintai, iš kurių sunku išskirti atskiras figūras.

Monet šiame kūrinyje perteikia momentinį, grynai žiūrovo įspūdį apie vos juntamai virpantį orą, apie žmones ir paliekančius vežimus, važiuojančius gilyn į gatvę. Jis griauna drobės plokštumos idėją, sukuria erdvės iliuziją ir užpildo ją šviesa, oru ir judesiu. Žmogaus akis veržiasi į begalybę ir nėra ribos, kur ji galėtų sustoti.

Aukštas žvilgsnio taškas leidžia menininkui atsisakyti pirmo plano, o saulės šviesą jis perteikia kontrastingai su melsvai violetiniu ant gatvės grindinio gulinčių namų šešėliu. Monet saulėtajai pusei suteikia oranžinę, auksiškai šiltą, šešėlinę – violetinę, tačiau vientisa šviesi oro migla suteikia visam kraštovaizdžiui toninę harmoniją, o ore, prasiskverbiamoje saulės spindulių, išryškėja namų ir medžių kontūrai.

1872 metais Havre Monet parašė „Įspūdis. Saulėtekis “- vaizdas į Havro uostą, pristatytas vėliau pirmojoje impresionistų parodoje. Čia menininkas, matyt, pagaliau išsivadavo nuo visuotinai priimtos įvaizdžio objekto kaip tam tikro tūrio idėjos ir visiškai atsidėjo momentinei atmosferos būsenai perteikti mėlynais ir rausvai oranžiniais tonais. Tiesą sakant, viskas tarsi tampa neapčiuopiama: Havro prieplauka ir laivai susilieja su dėmėmis danguje ir atspindžiais vandenyje, o žvejų ir valčių siluetai pirmame plane tėra tamsios dėmės, padarytos keliais intensyviais potėpiais. Akademinės technikos atsisakymas, tapyba plenere ir neįprastų dalykų pasirinkimas to meto kritikų buvo vertinamas priešiškai. Louis Leroy, įnirtingo straipsnio, pasirodžiusio žurnale „Sharivari“, autorius, pirmą kartą kalbant apie šį paveikslą, terminą „impresionizmas“ panaudojo kaip naujos tapybos tendencijos apibrėžimą.

Kitas išskirtinis kūrinys, skirtas miestui, buvo Claude'o Monet paveikslas „Gare Saint-Lazare“. Monet sukūrė daugiau nei dešimt paveikslų Saint-Lazare stoties motyvu, iš kurių septyni buvo eksponuoti 3-iojoje impresionistų parodoje 1877 m.

Monet išsinuomojo mažytį butą Rue Moncey gatvėje, netoli nuo stoties. Menininkui buvo suteikta visiška veiksmų laisvė. Kurį laiką buvo sustabdytas traukinių judėjimas, aiškiai matėsi peronai, rūkančių garvežių krosnys, kurios buvo užpildytos anglimi – taip, kad iš vamzdžių liejosi garai. Monet tvirtai „įsikūrė“ stotyje, keleiviai jį stebėjo su pagarba ir baime.

Kadangi stoties išvaizda nuolat keitėsi, Monet darė tik eskizus apie „gamtą“, o ant jų studijoje tapė pačius paveikslus. Ant drobės matome didelę geležinkelio stotį, uždengtą stogeliu, sumontuotą ant geležinių stulpų. Kairėje ir dešinėje yra peronai: vienas bėgių kelias skirtas priemiestiniams, kitas – tolimojo susisiekimo traukiniams. Ypatinga atmosfera perteikiama per silpno apšvietimo kontrastą stoties viduje ir ryškią akinančią gatvės šviesą. Po visą drobę išsibarstę dūmai ir garai subalansuoja kontrastingas apšvietimo juosteles. Visur skverbiasi dūmai, vos įžiūrimų pastatų siluetų fone besisukantys švytintys debesys. Tiršti garai tarsi suteikia formą masyviems bokštams, uždengdami juos lengvu šydu, tarsi ploniausiu voratinkliu. Paveikslas nudažytas švelniais prislopintais tonais su geriausiais atspalvių perėjimais. Tam laikui būdingi greiti tikslūs potėpiai kablelių pavidalu suvokiami kaip mozaika, žiūrovui susidaro įspūdis, kad garai arba išsisklaido, arba tirštėja.

Kitas impresionistų atstovas K. Pissarro, kaip ir visi impresionistai, mėgo tapyti miestą, kuris jį pakerėjo savo begaliniu judėjimu, oro srovių tėkme ir šviesos žaismu. Jis suvokė tai kaip gyvą, neramų organizmą, galintį keistis priklausomai nuo sezono, apšvietimo laipsnio.

1897 m. žiemą ir pavasarį Pissarro dirbo prie paveikslų serijos „Paryžiaus bulvarai“. Šie darbai atnešė menininkui šlovę ir patraukė kritikų, siejančių jo vardą su divizionistiniu judėjimu, dėmesį. Menininkas serialui eskizus darė pro vieno Paryžiaus viešbučio kambario langą, o paveikslus baigė balandžio pabaigoje savo studijoje Eragny mieste. Ši serija yra vienintelė Pissarro kūryboje, kurioje menininkas siekė maksimaliai tiksliai užfiksuoti įvairias oro sąlygas ir saulės šviesą. Taigi, pavyzdžiui, menininkas nutapė 30 paveikslų, vaizduojančių Monmartro bulvarą, žiūrėdamas į jį per tą patį langą.

Paveiksluose Boulevard Montmartre Paryžiuje meistras C. Pissarro meistriškai perteikė atmosferos efektų turtingumą, spalvingą debesuotos dienos kompleksiškumą ir subtilumą. Miesto gyvenimo dinamika, kurią taip įtikinamai įkūnija greitas tapytojo teptukas, kuria modernaus miesto įvaizdį – ne fronto, ne oficialaus, o susijaudinusio ir gyvo. Miesto peizažas tapo pagrindiniu šio išskirtinio impresionisto – „Paryžiaus dainininko“ kūrybos žanru.

Prancūzijos sostinė Pissarro kūryboje užima ypatingą vietą. Menininkas nuolat gyveno už miesto ribų, tačiau Paryžius jį atkakliai traukė. Paryžius jį žavi nenutrūkstamu ir visuotiniu judėjimu – pėsčiųjų ėjimu ir vežimų bėgimu, oro srovių tėkme ir šviesos žaismu. Pisarro miestas – ne dėmesio vertų namų, patekusių į menininko akiratį, sąrašas, o gyvas ir nerimstantis organizmas. Pagauti šiame gyvenime, nesuvokiame pastatų, sudarančių Monmartro bulvarą, banalumo. Didžiųjų bulvarų neramybėje menininkas randa savito žavesio. Rytas ir diena, vakaras ir naktis, saulės skendintis ir pilkas, Pissarro užfiksavo Monmartro bulvarą, apžiūrėdamas jį pro to paties lango. Aiškus ir paprastas į tolį tolstantis gatvės motyvas sukuria aiškų kompozicinį pagrindą, kuris nesikeičia iš drobės į drobę. Visai kitaip buvo pastatytas kitais metais iš Luvro viešbučio lango parašytas drobių ciklas. Laiške sūnui, kurdamas ciklą, Pissarro pabrėžė šios vietos charakterį, kuris skiriasi nuo bulvarų, tai yra, Prancūzų teatro teritorijos ir apylinkių. Išties ten viskas veržiasi išilgai gatvės ašies. Čia – aikštė, kuri buvo kelių omnibusų maršrutų galutinė stotelė, susikerta įvairiomis kryptimis, o vietoj plačios panoramos su oro gausa mūsų akims iškyla uždara priekinio plano erdvė.