Italų liaudies daina: kelionė per šimtmečius. Italų liaudies instrumentai Italų muzikos instrumentai

Itališkos muzikos ištakos siekia Senovės Romos muzikinę kultūrą (žr. Senovės Romos muzika). Muzika grojo būtybes. vaidmuo visuomenėje., valstybė. Romos imperijos gyvenimas, kasdienybėje gruod. gyventojų segmentai; muzika buvo turtinga ir įvairi. įrankiai. Senovės Romos muzikos pavyzdžiai mūsų nepasiekė, bet otd. jos elementai buvo išsaugoti viduramžiais. Kristaus. himnai ir liaudies muzika tradicijos. IV amžiuje, kai krikščionybė buvo paskelbta valstybine. religija, Roma kartu su Bizantija tapo vienu iš liturgijos raidos centrų. dainavimas, per-vonach. kurios pagrindas buvo psalmodija, kilusi iš Sirijos ir Palestinos. Milano arkivyskupas Ambraziejus įtvirtino antifoninio giesmių giedojimo praktiką (žr. Antifona), priartindamas jų melodiją prie Nar. ištakų. Su jo vardu siejama ypatinga Vakarų Kristaus tradicija. bažnyčia dainavimas, vadinamas ambrozišku (žr. ambrozišką dainavimą). In con. VI amžiuje, vadovaujant popiežiui Grigaliui I, buvo sukurtos tvirtos Kristaus formos. liturgiją ir įsakė jos mūzoms. pusėje. Sukurta tuo pačiu metu Romoje, dainininkė. mokykla („schola cantorum“) tapo savotiška bažnyčios giedotojų akademija. ieškinys ir aukščiausias įstatymų leidėjas. institucija šioje srityje. Grigalius I buvo įskaitytas už pagrindinio suvienodinimą ir fiksavimą. liturginės giesmės. Tačiau vėlesni tyrimai parodė, kad melodingas. stilius ir formos vadinamosios. Grigališkasis choralas galutinai susiformavo tik VIII–IX a. Romos katalikų bažnyčia, siekdama pamaldų vienodumo, pasodino šį vienagalvių stilių. choras. giedoti tarp visų tautų, atsivertusių į Kristų. tikėjimas. Šis procesas buvo baigtas iki galo. XI a., kai grigališkoji liturgija su atitinkamomis giesmėmis. Vidurio, Vakarų šalyse priimtas reglamentas. ir Južas. Europa. Kartu sustojo ir tolimesnė į nonizmą sustingusi grigališkojo choralo raida. formų.

Nuo con. I tūkstantmetis po Kr dėl dažnų priešų įsiveržimų į Italijos teritoriją, taip pat sustiprėjusios popiežiaus priespaudos, kuri neleido laisvai pasireikšti kūrybiškumui. iniciatyvos, I. m. trunka ilgai. sąstingis, jis nustoja vaidinti ryškų vaidmenį bendrojoje muzikoje. Europos plėtra šalyse. Svarbiausi pokyčiai, įvykę Europoje. muzika I ir II tūkstantmečių sandūroje, rasti silpną ir dažnai pavėluotą atspindį I. m. Tuo tarpu Zap mokslininkai-muzikantai. ir šiaurės vakarų. Europa jau IX a. davė pagrindimą ankstyvosioms polifonijos formoms, ryškiausia italų kalba. muzika viduramžių teoretikas Guido d'Arezzo (XI a.) pagrindinį dėmesį skyrė vienagalviam grigališkajam choralui, tik trumpai palietęs organumą.apie savarankišką Italijos indėlį į to laikmečio polifoninių žanrų raidą.Naujas I iškilimas. pabaigoje buvo siejamas su ankstyvuoju renesansu, kuris atspindėjo humanistinių tendencijų augimą, prasidedantį žmogaus asmenybės emancipaciją nuo religinių dogmų priespaudos, laisvesnį ir tiesioginį pasaulio suvokimą. feodalų valdžios susilpnėjimo ir ankstyvųjų kapitalistinių santykių formavimosi laikotarpis.Ankstyvojo Renesanso samprata atitinka muzikos istorijoje priimtą apibrėžimą Ars nova.Pagrindiniai šio judėjimo centrai buvo Centro miestai. ir Šiaurės Italija – Florencija, Venecija, Paduva – savo socialine struktūra ir kultūra labiau pažengusios nei pietiniai regionai, kuriuose vis dar buvo tvirtai išlikę feodaliniai santykiai.Šie miestai pritraukė talentingiausius kompozitorius ir mūzas. atlikėjai. Čia atsirado naujų žanrų ir stilistinių tendencijų.

Didesnės išraiškos troškimas pasireiškė dainų tekstuose. himnai laisvai interpretuojamai religijai. temos – laudakh, kurios buvo giedamos kasdieniame gyvenime ir per religijas. procesijos. Jau vykstant. 12 a. Atsirado „Laudistų brolijos“, kurių daugėjo XIII ir ypač XIV a. Laudai buvo auginami tarp pranciškonų ordino vienuolių, opozicijų karininkams. Romos bažnyčia, kartais jie atspindėjo socialinio protesto motyvus. Laud melodija siejama su Nar. kilmės, skirtingo ritmo. skaidrumas, struktūros aiškumas, vyraujantis pagrindinis koloritas. Kai kurie iš jų savo charakteriu artimi šokiui. dainas.

Florencijoje atsirado nauji pasaulietinių daugiakampių žanrai. wok. muzika skirta namų mėgėjų pasirodymui: madrigalas, caccha, balata. Tai buvo 2 ar 3 įvarčiai. strofiškas dainos, turinčios melodinį viršenybę. viršutinis balsas, kuris išsiskyrė ritmišku. mobilumas, spalvotų ištraukų gausa. Madrigalas – aristokratiškas. poetikos ir mūzų rafinuotumu pasižymintis žanras. pastatas. Jame vyravo subtili erotika. temos, taip pat įkūnytos satyrinės. motyvai, kartais politiškai nuspalvinti. Iš pradžių caccia turinį sudarė medžioklės paveikslėliai (iš čia ir pats pavadinimas: caccia – medžioklė), tačiau vėliau jos tema išsiplečia ir apima įvairias žanrines scenas. Populiariausias iš pasaulietinių Ars nova žanrų yra balata (šokio daina, turiniu artima madrigalui).

Italijoje paplitusi plėtra XIV a. gauna instr. muzika. Pagrindinis to meto instrumentai buvo liutnia, arfa, smuikas, fleita, obojus, trimitas, vargonai dekomp. tipo (pozityvūs, nešiojamieji). Jie buvo naudojami ir dainuojant, ir grojant solo ar ansamblio.

Italų iškilimas Ars nova patenka ant Ser. XIV a. 40-aisiais. atsiskleidžia kūrybiškumas. iškiliausių jos meistrų – Florencijos Džovanio ir Bolonijos Jacopo – veikla. Ypač išgarsėjo aklas virtuozas vargonininkas ir kompozitorius. F. Landino – įvairiapusis žmogus, poetas, muzikantas ir mokslininkas, gerbiamas italų sluoksniuose. humanistai. Jo kūryboje ryšys su Nar. ištakų, melodija įgavo didesnę išraiškos laisvę, kartais išskirtinio rafinuotumo, gėlėtą ir ritmingą. įvairovę.

Aukštojo Renesanso epochoje (XVI a.) I. m. užėmė lyderio poziciją tarp europiečių. muzika kultūros. Bendro meno pakilimo atmosferoje. kultūra intensyviai plėtojo muzikavimą dekomp. visuomenės sluoksnių. Jo centrai buvo kartu su bažnyčia. amatų koplytėlės. gildijų asociacijos, apsišvietusių literatūros ir meno mylėtojų būreliai, kartais save vadinantys antikvariniais. modelių akademijos. Daugelyje miestai kūrė mokyklas, kurios įvedė nepriklausomybę. indėlis į I. m. raidą Didžiausios ir įtakingiausios tarp jų yra romėnų ir venecijiečių mokyklos. Katalikybės centre – Romoje, naujos meno formos, kurias atgaivino Renesanso judėjimas, dažnai susidurdavo su bažnyčios pasipriešinimu. autoritetai. Tačiau, nepaisant draudimų ir denonsavimo, visą XV a. Romos katalikų kalba dieviškosios tarnybos tvirtai įsitvirtino mnogogol. dainavimas. Tai palengvino prancūzų-flamandų G. Dufay mokyklos atstovų Josquin Despres ir kitų kompozitorių, įvairiu metu tarnavusių popiežiaus koplyčioje, veikla. Siksto koplyčioje (fondas 1473 m.) ir choras. katedros koplyčia Šv. Petras sutelkė geriausius bažnyčios meistrus. dainuoja ne tik iš Italijos, bet ir iš kitų šalių. Bažnyčios klausimai. dainavimas buvo suteiktas ypatingas. dėmesys Tridento susirinkime (1545-63), kurio sprendimuose buvo pasmerktas perdėtas entuziazmas „figūrinei“ polifonijai. muzika, kuri apsunkina „šventų žodžių“ supratimą, buvo keliamas paprastumo ir aiškumo reikalavimas; buvo uždrausta į liturgiją įvesti pasaulietines melodijas. muzika. Tačiau priešingai bažnyčios troškimui. valdžiai išstumti iš kultinio dainavimo visas naujoves ir, esant galimybei, grąžinti ją prie grigališkojo choralo tradicijų, romėnų mokyklos kompozitoriai sukūrė itin išvystytą polifoniją. menas, kuriame renesanso estetikos dvasia buvo įgyvendinti ir permąstyti geriausi frankų-flamandų polifonijos pasiekimai. Gamyboje kompozitorių šios mokyklos komplekso imitacija. technika buvo derinama su akordine-harmonika. sandėlis, daugiakampis faktūra įgavo darnios harmonijos charakterį, melodinis pradas tapo savarankiškesnis, dažnai išryškėjo viršutinis balsas. Didžiausia romėnų mokyklos atstovė yra Palestrina. Jo tobulai subalansuotas, šviesios nuotaikos, harmoningas menas kartais lyginamas su Rafaelio kūryba. Būdamas choro viršūne. griežto stiliaus polifonija, Palestrinos muzikoje kartu yra išplėtotų homofoninio mąstymo elementų. Horizontaliojo ir vertikalaus principų pusiausvyros troškimas buvo būdingas ir kitiems tos pačios mokyklos kompozitoriams: K. Festai, G. Animucci (vadovavusiam Šv. Petras 1555-1571 m.), Klemensas-ne Papa, Palestrinos mokiniai ir pasekėjai J. Nanino, F. Anerio ir kt.. Prie romėnų mokyklos prisijungė ir ispanai. kompozitoriai, dirbę popiežiaus koplyčioje: K. Moralesas, B. Escobedo, T. L. de Viktorija (gavusi „ispanų Palestrina“ slapyvardį).

Venecijos mokyklos įkūrėjas buvo A. Willaertas (iš kilmės olandas), 1527 metais vadovavęs Šv. katedros koplyčiai. Markas ir buvo jos vadovas 35 metus. Jo įpėdiniai buvo C. de Pope ir ispanas C. Merulo. Ši mokykla savo viršūnę pasiekė A. Gabrielio ir jo sūnėno J. Gabrielio kūryboje. Priešingai nei griežta ir santūri Palestrinos ir kitų romėnų mokyklos kompozitorių rašymo maniera, venecijiečių menas pasižymėjo pompastiška garso palete, ryškių spalvų gausa. efektai. Iš jų ypatingos reikšmės gavo multichoreizmo principas. Dviejų chorų priešprieša, aranžuotė. įvairiose bažnyčios dalyse, tarnavo kaip dinamikos pagrindas. ir spalvingi kontrastai. Nuolat kintantis G. Gabrieli balsų skaičius siekė 20. Kontrastų choras. sonorities buvo papildytos pakeitus instr. tembrų, o instrumentai ne tik dubliavo choro balsus, bet ir atliko savarankiškai per intarpą. ir jungiamieji epizodai. harmoninė kalba buvo prisotinta daugybe, dažnai tuo metu drąsių, chromatizmų, suteikusių jai padidintos raiškos bruožų.

Venecijos mokyklos meistrų kūrybiškumas suvaidino didelį vaidmenį kuriant naujas instr. muzika. XVI amžiuje labai praturtėjo pati instrumentų kompozicija, išsiplėtė jų raiškos. galimybes. Išaugo lenktinių instrumentų, pasižyminčių šiltu melodingu skambesiu, svarba. Būtent šiuo laikotarpiu susiformavo klasika. alto tipas; smuikas, anksčiau plačiai paplitęs. liaudies gyvenime, tampa prof. muzika įrankis. Kaip solo instrumentai, liutnia ir vargonai ir toliau užėmė lyderio pozicijas. 1507-09 metais muzikos leidėjas O. Petrucci publ. 3 kūrinių kolekcijos liutniui, išlikusios. wok priklausomybės simptomai. moteto tipo polifonija. Ateityje ši priklausomybė silpnėja, kuriamos specifinės priemonės. pateikimo būdai. būdingas XVI a. žanrai solo instr. Muzika – ricercar, fantasy, canzone, capriccio. 1549 m. org. Willarto ricercars. Sekdamas juo, šį žanrą išplėtojo J. Gabrieli, kai kurie ricercars to-rogo pristatyme priartėjo prie fugos. Į org. Venecijos meistrų tokatos atspindi virtuozišką pradą ir polinkį laisvai fantazijai. 1551 metais Venecijoje buvo išleistas straipsnių rinkinys. klaverio šokio kūriniai. charakteris.

Su A. ir J. Gabrieli vardais siejamas su pirmosios nepriklausomos atsiradimu. kamerinio ansamblio ir orkestro pavyzdžiai. muzika. Jų kompozicijos įvairioms instr. kompozicijos (nuo 3 iki 22 partijų) buvo sujungtos šešt. „Kanzonos ir sonatos“ („Canzoni e sonate ...“, išleista 1615 m. po kompozitorių mirties). Šios pjesės paremtos kontrastingo dekompo principu. instr. grupės (abi vienarūšės - lanko, medžio, žalvario ir mišrios), to-ry gavo tada sekti. pasirodymas koncerto žanre.

Išsamiausia ir ryškiausia Renesanso idėjų išraiška muzikoje buvo madrigalas, vėl suklestėjęs XVI a. Į šį svarbiausią Renesanso pasaulietinės muzikavimo žanrą daugelis atkreipė dėmesį. kompozitoriai. Madrigalus rašė venecijiečiai A. Willartas, K. de Pope'as, A. Gabrielis, romėnų mokyklos meistrai K. Festas ir Palestrina. Madrigalistų mokyklos egzistavo Milane, Florencijoje, Feraroje, Bolonijoje, Neapolyje. Madrigalas XVI a nuo Ars nova laikotarpio madrigalo skyrėsi didesniu poetiškumo turtingumu ir rafinuotumu. turinys, bet jo sfera išliko meilės lyrika, dažnai pastoracinė, derinama su entuziastingu gamtos grožybių giedojimu. Didelę įtaką madrigalo raidai turėjo F. Petrarcho poezija (daugelį jo eilėraščių muzikavo įvairūs autoriai). Madrigalistų kompozitoriai atsigręžė į L. Ariosto, T. Tasso ir kitų žymiausių Renesanso poetų kūrybą. Madrigaluose XVI a. Vyravo 4 ar 5 įvarčiai. sandėlį, kuriame derinami polifonijos ir homofonijos elementai. Švinas melodingas. balsas buvo subtilus. atspalviai, lankstus poetinių detalių perkėlimas. tekstą. Bendra kompozicija buvo laisva ir nepakluso strofiškai. principu. Tarp madrigalo meistrų XVI a. išsiskyrė olandas J. Arkadeltas, dirbęs Romoje ir Florencijoje. Jo madrigalai, išleisti 1538-44 metais (6 knygos), buvo ne kartą perspausdinti ir dauginami įvairiais leidimais. atspausdinta ir rašyta ranka. susitikimai. Didžiausias šio žanro žydėjimas siejamas su kūryba. L. Marenzio, C. Monteverdi ir C. Gesualdo di Venosa veikla con. 16 - elgetauti. XVII a Jei Marenzio pasižymi tobulinimo sfera. lyrika vaizdų, tada „Gesualdo di Venosa“ ir „Monteverdi“ madrigalas dramatizuojamas, jam suteikiama gili psichologija. raišką, jie naudojo naujas, neįprastas harmonijos priemones. kalba, paaštrinta intonacija. wok išraiškingumas. melodijos. Turtingas I. m sluoksnis yra gultai. dainos ir šokiai, išsiskiriantys melodijų melodingumu, gyvumu, uždegančiais ritmais. Dėl italų. šokiams būdingas 6/8, 12/8 dydis ir greitas, dažnai veržlus, tempas: saltarello (išliko XIII-XIV a. įrašai), giminingas lombardas (lombardo šokis) ir forlana (venecijietiškas, friuliškas šokis). ), tarantella (pietų italų šokis, tapęs nacionaliniu). Kartu su tarantella populiari siciliana (dydis toks pat, bet tempas saikingas, melodijos charakteris kitoks – pastoracinis). Siciliečiai yra šalia barcarolle (Venecijos gondolininkų daina) ir Toskanos rispetto (šlovinimo, meilės prisipažinimo daina). Plačiai žinomos skundų dainos – lamento (raudos rūšis). Melodijos plastika ir melodingumas, ryškus lyriškumas, dažnai pabrėžiamas jautrumas būdingas Italijoje paplitusioms neapolietiškoms dainoms.

Nar. Muzika paveikė ir prof. muzika kūryba. Didžiausias paprastumas ir artumas prie gulto. Frotola ir villanella žanrai skyrėsi savo kilme.

Renesansas davė impulsą muzikinei-teorinei raidai. mintys Italijoje. Modernumo pagrindas harmonijos doktriną išdėstė J. Tsarlino. Trečiadienis-amžius. jis priešinosi fretų doktrinai su nauja tonų sistema su 2 pagrindais. modaliniai polinkiai – didieji ir mažieji. Savo sprendimuose Zarlino pirmiausia rėmėsi tiesioginiu klausos suvokimu, o ne abstrakčiais scholastiniais skaičiavimais ir skaitinėmis operacijomis.

Didžiausias XVI-XVII amžių sandūros įvykis I. m. gimė opera. Pasirodžiusi jau Renesanso pabaigoje, opera vis dėlto yra visiškai susijusi su jos idėjomis ir kultūra. Opera kaip nepriklausoma. Žanras išaugo, viena vertus, iš teatro. XVI amžiaus spektakliai, lydimi muzikos, kita vertus, iš madrigalo. Muziką t-ra kūrė daugelis. žymių XVI amžiaus kompozitorių. Taigi, A. Gabrielis parašė chorus Sofoklio tragedijai „Oidipas“ (1585 m., Vičenca). Vienas iš operos pirmtakų buvo A. Poliziano pjesė „Orfėjo pasaka“ (1480 m., Mantuja). Madrigale buvo išvystytos lanksčios, išraiškingos priemonės. poetiniai įsikūnijimai. tekstas muzikoje. Įprasta praktika, kai madrigalus atlieka vienas dainininkas su instr. priešintis. priartino juos prie wok tipo. monodija, kuri tapo pirmosios italų kalbos pagrindu. opera. In con. XVI a atsirado madrigalinės komedijos žanras, kuriame mimika. vaidinimą lydėjo wok. madrigalų epizodai. Tipiškas šio žanro pavyzdys – O. Vecchi Amphiparnassus (1594).

1581 metais pasirodė polemika. V. Galilee traktatas „Pokalbis apie senąją ir naująją muziką“ („Dialogo della musica antica et délia moderna“), kuriame skanduojamas wok. deklamavimas (pagal antikos pavyzdį) buvo priešinamas viduramžių „barbarizmui“. polifonija. Ištrauka, kurią jis sukūrė pagal muziką iš Dantės „Dieviškosios komedijos“, turėjo būti šio wok iliustracija. stilius. Galilėjos mintys sulaukė palaikymo tarp poetų, muzikantų ir mokslininkų humanistų grupės, susijungusios 1580 m. šviesuolio Florencijos grafo J. Bardi iniciatyva (vadinamoji Florencijos Camerata). Šio būrelio vadovai sukūrė pirmąsias operas – J. Peri „Dafnė“ (1597-98) ir „Euridikė“ (1600) pagal O. Rinuccini tekstą. Solo woks. šių operų dalys su op. basso continuo yra palaikomi deklamuojant. būdu, choruose išsaugomas madrigalų sandėlis.

Keletas po metų muziką „Eurydice“ dainininkė ir kompozitorius parašė savarankiškai. J. Caccini, kuris buvo ir Šešt. solinės kamerinės dainos su op. „Naujoji muzika“ („Le nuove musiche“, 1601), osn. ta pačia stilistika principus. Šis rašymo stilius buvo vadinamas „nauju stiliumi“ (Stile nuovo) arba „dailiuoju stiliumi“ (Stile rarpresentativo).

Prod. Florencijos gyventojai tam tikru mastu yra racionalūs, jų vertė iš esmės. eksperimentinis. Tikras gyvenimas įkvėpė operos genialus mūzas. dramaturgas, galingo tragiško talento menininkas C. Monteverdi. Į operos žanrą jis pasuko suaugęs, jau būdamas daugelio autorius. dvasinis op. ir pasaulietiniai madrigalai. Pirmosios jo operos „Orfėjas“ (1607 m.) ir „Ariadnė“ (1608 m.) buvo post. Mantuje. Po ilgos pertraukos Monteverdi vėl veikė kaip operos kompozitorius Venecijoje. Jo operinės kūrybos viršūnė – „Popėjos karūnavimas“ (1642), prod. tikrai Šekspyro galia, išsiskirianti dramos gilumu. išraiškos, meistriškas charakterių modeliavimas, konfliktinių situacijų aštrumas ir intensyvumas.

Venecijoje opera peržengė siauros aristokratijos ribas. žinovų ratą ir tapo viešu reginiu. 1637 m. čia atidarytas pirmasis viešasis operos teatras „San Cassiano“ (1637–1800 m. buvo sukurta mažiausiai 16 tokių teatrų). Demokratiškesnis. Kūrinių charakteriui įtakos turėjo ir publikos sudėtis. Mitologinis subjektas užleido vietą dominuojančiai vietai istorinei. istorijos su tikrais veiksmais. veidai, drama ir herojiškas pradžia persipynė su komiška ir net kartais šiurkščiai farsiška. Wok. melodija įgavo didesnį melodingumą; ariose tipo epizodai. Šie bruožai, jau būdingi vėlyvosioms Monteverdi operoms, buvo toliau išplėtoti 42 operų autoriaus F. Cavalli kūryboje, tarp kurių didžiausią populiarumą pelnė opera Jasonas (1649).

Opera Romoje įgavo savotišką koloritą čia vyravusių katalikų įtakoje. tendencijas. Kartu su antikvariniais mitologinis siužetai („Orfėjo mirtis“ – „La morte d“ Orfeo „S. Landi“, 1619 m.; „Adonio grandinė“ – „La Catаna d“ Adone „D. Mazzocchi“, 1626 m.) pateko į operos religiją. Kristuje nagrinėjamos temos. moralizuojantis planas. Dauguma reiškia. prod. Romėnų mokykla – Landi opera „Šventasis Aleksejus“ (1632), pasižymėjusi melodingumu. faktūroje išplėtotas muzikos turtingumas ir dramatiškumas, chorų gausa. epizodai. Romoje pasirodė pirmieji komedijos pavyzdžiai. operos žanras: „Kas kenčia, tegul viliasi“ („Che soffre, speri“, 1639 m.) V. Mazzocchi ir M. Marazzoli ir „Nėra blogio be gėrio“ („Dal male il bene“, 1653 m.) A. M. Abbatini ir Marazzoli.

K ser. XVII a opera beveik visiškai nukrypo nuo Renesanso estetikos principų, gintų Florencijos camerata. Tai liudija M. A. Honor kūryba, susijusi su Venecijos operos mokykla. Savo raštuose agituotos dramos. švelni melodinga melodija buvo priešinama rečitatyvui, išaugo suapvalintų vokų vaidmuo. skaičiai (dažnai nukenčia dramatiškas veiksmo pagrindimas). Garbės opera „Auksinis obuolys“ („Il porno d“ oro“, 1667 m.), puikiai pastatyta Vienoje imperatoriaus Leopoldo I santuokos proga, tapo iškilmingų rūmų pasirodymų prototipu, kuris nuo to laiko paplito Europoje.„Tai nebėra grynai itališka opera, – rašo R. Rollanas, – tai tarptautinės teismų operos rūšis.

Nuo con. XVII a vadovaujantį vaidmenį plėtojant Opera persikėlė į Neapolį. Pirmasis didelis Neapolio operos mokyklos atstovas buvo F. Provancale, tačiau tikrasis jos vadovas – A. Scarlatti. Daugelio operos kūrinių (daugiau nei 100) autorius patvirtino tipinę italų struktūrą. operos serialas, išsaugotas be būtybių. keičiasi į con. 18-ojo amžiaus Viršenybė vieta šio tipo operoje priklauso arijai, dažniausiai 3 dalių da capo; rečitatyvui priskiriamas tarnybinis vaidmuo, chorų ir ansamblių svarba sumažinama iki minimumo. Bet šviesi melodija. Scarlatti dovana, polifoninis meistriškumas. laiškai, neabejotina dramaturgija. nuojauta leido kompozitoriui, nepaisant visų apribojimų, pasiekti stiprų, įspūdingą poveikį. Scarlatti išplėtojo ir praturtino tiek vokalą, tiek instr. operos formos. Jis sukūrė tipišką italų kalbos struktūrą. operos uvertiūra (arba simfonija, pagal tuomet priimtą terminologiją) su greitomis ekstremaliomis atkarpomis ir lėtu viduriniu epizodu, tapusiu simfonijos kaip nepriklausomos prototipu. konc. darbai.

Glaudžiai su opera susiformavo naujas ekstraliturginės muzikos žanras. religinis ieškinys – oratorija. Kilęs iš religijos skaitymai, palydimi dainuojant daug tikslo. garsiai, ji įgijo savarankiškumo. baigtas forma G. Carissimi kūryboje. Oratorijose, daugiausia rašytose bibline tematika, jis praturtino iki vidurio susiformavusias operines formas. XVII a., choro pasiekimai. konc. stilius. Tarp kompozitorių, sukūrusių šį žanrą po Carissimio, išsiskyrė A. Stradella (jo asmenybė tapo legendine dėl nuotykių kupinos biografijos). Jis į oratoriją įtraukė dramos elementų. patosas ir savybės. Beveik visi neapolietiškos mokyklos kompozitoriai atkreipė dėmesį į oratorijos žanrą, nors, palyginti su opera, oratorija jų kūryboje užėmė antraeilę vietą.

Su oratorija susijęs žanras – kamerinė kantata vienam, kartais 2 ar 3 balsams su ats. basso continuo. Skirtingai nei oratorijoje, joje vyravo pasaulietiniai tekstai. Ryškiausi šio žanro meistrai yra Carissimi ir L. Rossi (vienas iš Romos operos mokyklos atstovų). Kaip ir oratorija, kantata grojama prastai. vaidmuo kuriant wok. Neapolio operai būdingomis formomis.

Kultinės muzikos srityje XVII a. išorinės, demonstruojančios didybės troškimas, kurį pasiekė Ch. arr. dėl kiekių. poveikis. Venecijos mokyklos meistrų sukurtas daugiachoro principas įgavo hiperbolinį. skalė. Kai kuriuose kūriniuose. panaudota iki dvylikos 4 įvarčių. chorai. Milžiniškas choras. kompozicijos buvo papildytos daugybe ir įvairios instrumentų grupės. Šis prabangus baroko stilius buvo ypač išvystytas Romoje, pakeitęs griežtą, santūrų Palestrinos ir jo pasekėjų būdą. Ryškiausi vėlyvosios romėnų mokyklos atstovai yra G. Allegri (garsiojo „Miserere“, įrašyto W. A. ​​Mozarto, autorius), P. Agostini, A. M. Abbatini, O. Benevolis. Tuo pačiu metu vadinamasis. „koncertinis stilius“, artimas ankstyvosios italų kalbos ariose-rečitatyviniam dainavimui. operos, kurių pavyzdžiai – sakraliniai A. Bankieri (1595 m.) ir L. Viadanos (1602 m.) koncertai. (Kaip vėliau paaiškėjo, be pakankamos priežasties skaitmeninio boso išradėjas buvo priskirtas Viadanai.) Toje pačioje knygoje rašė C. Monteverdi, Marco da Galliano, F. Cavalli, G. Legrenzi ir kiti kompozitoriai, perėję į bažnyčią. būdas. operos ar kamerinės kantatos muzikos elementai.

Intensyvi naujų muzikos formų ir priemonių paieška. ekspresyvumas, padiktuotas noro įkūnyti turtingą ir įvairiapusį humanistą. turinio, buvo atliekami instr. muzika. Vienas didžiausių org meistrų. o klavierinė muzika iki Bacho buvo J. Frescobaldi – ryškiai kūrybingas kompozitorius. asmenybė, genialus vargonų ir klavesino virtuozas, išgarsėjęs gimtinėje ir kitose Europos šalyse. šalyse. Jis įnešė tradiciją. ricercar formos, fantazijos, tokata, intensyvaus ekspresyvumo ir jausmų laisvės bruožai, praturtinta melodija. ir harmoningas. kalba, išplėtota polifonija. sąskaita faktūra. Savo produkcijoje kristalizuota klasika. fugos tipas su aiškiai apibrėžtais toniniais santykiais ir bendrojo plano išbaigtumu. Kūrybiškumas Frescobaldi – italų kalbos viršūnė. org. ieškinys. Jo novatoriški užkariavimai nesurado išskirtinių pasekėjų pačioje Italijoje, juos tęsė ir plėtojo kitų šalių kompozitoriai. Italų kalba. instr. muzika iš 2 aukšto. XVII a pagrindinis vaidmuo atiteko lankiniams instrumentams ir, svarbiausia, smuikui. Tai lėmė smuiko atlikimo meno suklestėjimas ir paties instrumento tobulinimas. 17-18 amžiuje. Italijoje išryškėjo garsių smuikų kūrėjų dinastijos (Amati, Stradivari, Guarneri šeimos), kurių instrumentai iki šiol nepralenkiami. Iškilūs virtuoziški smuikininkai dažniausiai buvo ir kompozitoriai, jų kūryboje fiksuojamos naujos solinio atlikimo smuiku technikos, kuriamos naujos mūzos. formų.

XVI-XVII amžių sandūroje. Venecijoje išsivystė trio sonatos žanras – kelių dalių pastatymas. 2 soliniams instrumentams (dažniau - smuikams, bet juos galėjo pakeisti kiti atitinkamos tesitūros instrumentai) ir bosui. Buvo 2 šio žanro atmainos (abi priklausė pasaulietinės kamerinės muzikos sričiai): „bažnytinė sonata“ („sonata da chiesa“) – 4 dalių ciklas, kuriame keitėsi lėtos ir greitos dalys, ir „kamerinė sonata“ („sonata da camera“), kurią sudarė keli. šokių kūriniai. charakterio, arti apartamentų. Ypač reikšminga tolimesnė šių žanrų raida. vaidmenį atliko Bolonijos mokykla, iškėlusi puikią smuiko meno meistrų plejadą. Tarp vyresniųjų jos atstovų yra M. Cazzati, J. Vitali, J. Bassani. Smuiko ir kamerinio ansamblio muzikos istorijoje epocha buvo A. Corelli (Bassani mokinio) kūryba. Brandus veiklos laikotarpis buvo siejamas su Roma, kur sukūrė savo mokyklą, atstovaujamą tokiais vardais kaip P. Locatelli, F. Geminiani, J. Somis. Corelli kūryboje buvo baigtas trio sonatos formavimas. Jis praplėtė ir praturtino atlikėjus. lankstamųjų instrumentų galimybės. Jam taip pat priklauso sonatų ciklas smuikui solo su op. klavesinas. Šis naujas žanras, atsiradęs m. XVII a., pažymėjo pabaigą. tvirtinimas monodinis. principas instr. muzika. Corelli kartu su savo amžininku G. Torelli sukūrė Concerto grosso – svarbiausią kamerinės ir orkestrinės muzikos kūrimo formą iki XVIII amžiaus vidurio.

Norėdami sutikti. 17 - anksti 18-ojo amžiaus padidėjo tarptautinis šlovė ir valdžia I. m. Mn. užsienio muzikantai buvo patraukti į Italiją baigti mokslus ir gauti aprobaciją, o tai užtikrino pripažinimą gimtinėje. Kaip mokytojas ypač garsėjo didelės erudicijos muzikantas, komp. ir teoretikas G. B. Martini (žinomas kaip Padre Martini). Jo patarimais pasinaudojo K. V. Gluckas, W. A. ​​Mozartas, A. Gretry. Jo dėka Bolonijos filharmonija. akademija tapo vienu didžiausių muzikos centrų Europoje. išsilavinimas.

italų XVIII amžiaus kompozitoriai pagrindinis daugiausia dėmesio skyrė operai. Tik keletas iš jų liko nuošaliai nuo operos teatro, kuris pritraukė plačią publiką iš visų visuomenės sluoksnių. Gigantišką šio šimtmečio operos pastatymo apimtį kūrė įvairių kompozitorių kūriniai talentų skalę, tarp kurių buvo daug talentingų menininkų. Operos populiarumą skatino aukštas wok lygis. kultūra. Dainininkai ruošėsi. arr. oranžerijose – našlaičių prieglaudose, iškilusiose dar XVI amžiuje. Neapolyje ir Venecijoje – pagrindiniai italų centrai. operinis gyvenimas XVIII a. buvo 4 oranžerijos, kuriose mūzos. ugdymui vadovavo pagrindiniai kompozitoriai. Dainininkas ir kompozitorius. F. Pistocchi Bolonijoje (apie 1700 m.) įkūrė specialų. giedotojas mokykla. Nuostabus wok. mokytojas buvo N. Porpora, vienas produktyviausių neapolietiškos mokyklos operos kūrėjų. Tarp garsių bel canto meno meistrų XVIII a. - pagrindinių vyrų atlikėjai. dalis operoje seria castrato dainininkai A. Bernacchi, Caffarelli, F. Bernardi (pravarde Senesino), Farinelli, G. Cresentini, kuris turėjo virtuozišką wok. technika derinama su švelniu ir lengvu balso tembru; dainininkai F. Bordoni, F. Cuzzoni, C. Gabrielli, V. Tesi.

italų opera naudojosi privilegijomis. pozicija daugumoje Europos. sostinės. Ją traukia. stiprybė pasireiškė ir tuo, kad daugelis kitų šalių kompozitoriai kūrė operas italų kalba. tekstų, neapolietiškos mokyklos dvasia ir tradicijomis. Prie jos prisidėjo ispanai D. Perezas ir D. Terradellas, vokietis I. A. Hasse, čekas J. Myslivechekas. Pagal tą pačią mokyklą tekėjo priemonės. dalis G. F. Hendelio ir K. V. Glucko veiklos. Dėl italų. operos scenas parašė rusai. kompozitoriai - M. S. Berezovskis, P. A. Skokovas, D. S. Bortnyansky.

Tačiau jau gyvuojant Neapolio operos mokyklos vadovui A. Scarlatti, opera seria kūrėjui, atsiskleidžia jai būdingi menai. prieštaravimų, to-rugiai pasitarnavo kaip pretekstas aštriai kritikai. kalbos prieš ją. Pradžioje. 20s 18-ojo amžiaus pasirodė satyrikas. muzikos brošiūra teoretikas B. Marcello, kuriame buvo pašiepiamos juokingos operos libretų konvencijos, dramos kompozitorių nepriežiūra. veiksmo prasmė, įžūlus primadonų ir kastratų dainininkų nežinojimas. Dėl gilios etikos trūkumo. turinys ir piktnaudžiavimas išoriniu poveikiu kritikuojamas modernus. jiems opera ital. pedagogas F. Algarotti „Esė apie operą“ („Saggio sopra l“ opera in musica ...“, 1754 m.) ir mokslininkas enciklopedistas E. Arteaga kūrinyje „Italijos muzikinio teatro revoliucija“ („Le rivoluzioni del“). teatro musicale italiano dalla sua origine fino al presente“, t. 1-3, 1783-86).

Libretistai poetai A. Zenonas ir P. Metastasio sukūrė stabilią istorinės ir mitologijos struktūrą. operos serialas, kuriame dramų pobūdis buvo griežtai reglamentuotas. intrigos, aktorių skaičius ir santykiai, solo wok tipai. patalpos ir jų vieta scenoje. veiksmas. Vadovaudamiesi klasicistinės dramos dėsniais, jie operai suteikė kompozicijos vienybę ir harmoniją, išlaisvino iš tragiškumo samplaikos. Komedijos ir farso elementai. Kartu šių dramaturgų operos tekstai pasižymi aristokratiškumo bruožais. galantiškumas, parašytas dirbtine, manieringai rafinuota kalba. Operos serialas, isp. kuris dažnai būdavo sutampa su atėjimu. šventės, turėjo baigtis privaloma sėkminga nuotaika, jos herojų jausmai buvo sąlyginiai ir neįtikėtini.

Visi R. 18-ojo amžiaus buvo tendencija įveikti nusistovėjusias operos serialo klišes ir glaudesnį muzikos ir dramos ryšį. veiksmas. Tai lėmė akomponuojamo rečitatyvo vaidmens stiprėjimą, orko praturtėjimą. spalvos, choro išplėtimas ir dramatizavimas. scenos. Šios naujoviškos tendencijos ryškiausiai pasireiškė N. Jommelli ir T. Traetta, iš dalies parengusių Glucko operos reformą, darbuose. Operoje „Ifigenija Tauridoje“ Traetta sugebėjo, pasak G. Aberto, „pasižengti prie pačių Glucko muzikinės dramos vartų“. Kompozitoriai vadinamųjų. „Naujoji neapolietiška mokykla“ G. Sarti, P. Guglielmi ir kt. A. Sacchini ir A. Salieri buvo atkaklūs Glucko reformos šalininkai ir pasekėjai.

Stipriausia opozicija sąlyginai didvyriška. operos serialas buvo naujas demokratinis. Opera buffa žanras. 17 ir anksti. 18-ojo amžiaus komiškas opera buvo pristatyta tik pavieniais pavyzdžiais. Kaip nepriklausoma. žanrą, jis pradėjo formuotis kartu su vyresniaisiais neapolietiškos mokyklos meistrais L. Vinci ir L. Leo. Pirmoji klasika „Opera buffa“ pavyzdys yra Pergolesi „Tarnaitė-Madame“ ​​(iš pradžių naudota kaip įterpinys tarp jo paties operos serijos „Išdidus belaisvis“, 1733 m.). Vaizdų tikroviškumas, mūzų gyvumas ir aštrumas. charakteristikos prisidėjo prie didžiausio J. B. Pergolesi intarpo populiarumo daugelyje kitų. šalyse, ypač Prancūzijoje, kur jos postas. 1752 m. buvo postūmis atsirasti nuožmiai estetikai. ginčų (žr. „Buffonų karas“) ir prisidėjo prie prancūzų susiformavimo. nat. komiškas tipas. operos.

Neprarasdamas ryšio su Naru. šaknys, ital. opera buffa plėtojo toliau labiau išvystytas formas. Skirtingai nuo operos serialo, kuriame dominavo solo wok. pradžioje, komiksuose Ansambliai operoje turi didelę reikšmę. Labiausiai išvystyti ansambliai pateko į gyvą, greitai besiskleidžiantį finalą, kuris buvo savotiškas komiškos intrigos mazgas. Tokio tipo efektingų finalinių ansamblių kūrėju laikomas N. Logroshino. Didžiausias italas K. Goldoni turėjo vaisingą įtaką operos buffa raidai. komikas, savo kūryboje atspindėjęs apšvietos realizmo idėjas. Jis buvo daugelio operų, ​​kurių daugumai muziką parašė vienas iškiliausių italų kalbos meistrų, autorius. komiškas Opera Venecijos B. Galuppi. 60-aisiais. 18-ojo amžiaus buffa operoje pasireiškia sentimentalistinės tendencijos (pvz., N. Piccinni opera pagal Goldoni tekstą „Čekina, arba geroji dukra“, 1760 m., Roma). „Opera buffa“ priartėja prie „filistinės dramos“ arba „ašaruojančios komedijos“, atspindinčios moralę. Trečiojo dvaro idealai didžiųjų prancūzų išvakarėse. revoliucija.

N. Piccinni, G. Paisiello ir D. Cimarosa kūryba yra paskutinis, aukščiausias opera buffa raidos etapas XVIII amžiuje. Jų kūriniai, komedijos elementai derinami su jautrumu. apgailėtinas, melodingas operos repertuare išliko muzikos turtingumas formų įvairove, gyvumas, grakštumas ir mobilumas. Daugeliu atžvilgių šie kompozitoriai kreipėsi į Mocartą ir parengė vieno didžiausių italų kūrinį. kito amžiaus operos kompozitorių G. Rossini. Kai kurias opera buffa ypatybes perėmė vėlyvoji opera seria, todėl jos formų lankstumas, melodijų paprastumas ir betarpiškumas atsirado. posakius.

Reiškia. Italijos indėlis. XVIII amžiaus kompozitoriai kuriant žanrai instr. muzika. Smuiko meno srityje didžiausias meistras po Corelli buvo J. Tartini. Toliau, sekdamas savo pirmtakais, puoselėdamas solinės smuiko sonatos ir trio sonatos žanrus, jis pripildė juos naujo ryškaus išraiškingumo, praturtino grojimo smuiku būdus, praplėtė tiems laikams įprastą skambesio diapazoną. Tartini sukūrė savo mokyklą, pavadintą Padua (pagal Padujos miestą, kuriame praleido didžiąją savo gyvenimo dalį). Jo mokiniai buvo P. Nardini, P. Albergi, D. Ferrari. 2 aukšte. 18-ojo amžiaus atsiskleidė virtuoziškas pasirodymas. ir kūrybingas. didžiausio italo G. Pugnani veikla. klasikinis smuikininkas. era. Tarp daugybės jo G. B. Viotti ypač garsėjo savo mokiniais, kurių kūryboje kartais jau jaučiamasi romantiškai. tendencijas.

Orc žanras. concerto grosso kaip drąsus ir originalus. A. Vivaldi pasielgė kaip novatoriškas menininkas. Jis dramatizavo šią formą, įvedė kartu su dinamine. kontrastuojančias dideles ir mažas instrumentų grupes (tutti ir concertino) tematiškai. kontrastai viduje dalių, nustatyta 3 dalių ciklo struktūra, išsaugota klasika. instr. koncertas. (Vivaldi smuiko koncertus labai vertino J. S. Bachas, kai kuriuos aranžavęs klaveriui, taip pat vargonams.)

J. B. Pergolesi trio sonatose pastebimi ikiklasikos bruožai. „galantiškas“ stilius. Jų lengva, skaidri tekstūra beveik visiškai homofoniška, melodija išsiskiria švelniu melodingumu ir grakštumu. Vienas iš kompozitorių, tiesiogiai ruošusių klasikos klestėjimą. instr. muzika, buvo G. Sammartini (78 simfonijų, daugelio sonatų ir koncertų įvairiems instrumentams autorius), savo kūrybos pobūdžiu artimas Manheimo ir ankstyvosios Vienos mokyklų atstovams. L. Boccherini savo kūryboje derino galantiško jautrumo elementus su priešromantiškumu. susijaudinęs patosas ir artumas prie gulto. šaltiniai. pastebėti. violončelininkas, jis praturtino solo violončelės literatūrą, buvo vienas klasikos kūrėjų. styginių kvarteto tipas.

Menininkas yra gyvas ir turtingas kūrybinis. fantazija, D. Scarlatti išplėtė ir atnaujino klavierinės muzikos figūrinę struktūrą ir raiškos priemones. Jo klavesino sonatos (autorius jas pavadino „pratimais“ – „Essercizi per gravicembalo“), stulbinančios savo charakterio ir pateikimo technikų įvairove, yra savotiška to laikmečio klaverio meno enciklopedija. Aiškios ir glaustos formos Scarlatti sonatos paryškintos temiškai. kontrastai aiškiai apibrėžti. sonatos ekspozicijos skyriai. Po Scarlatti klavierinė sonata buvo plėtojama B. Galuppi, D. Alberti (kurio vardas siejamas su Alberto bosų apibrėžimu), J. Rutini, P. Paradisi, D. Cimarosa kūryboje. M. Clementi, įvaldęs kai kurias D. Scarlatti manieras (tai ypač išreiškė 12 sonatų „Scarlatti stiliumi“ sukūrimu), tada priartėja prie išplėtotos klasikos meistrų. stilių, o kartais ateina prie romantizmo ištakų. virtuoziškumas.

Naują erą smuiko meno istorijoje atvėrė N. Paganinis. Kaip atlikėjas ir kompozitorius buvo tipiškas romantiškas tapytojas. sandėlį. Jo grojimas sukūrė nenugalimą didelio virtuoziškumo ir ugningos vaizduotės bei aistros derinį. Mn. prod. Paganini („24 kaprizai“ smuikui solo, koncertai smuikui ir orkestrui ir kt.) – iki šiol nepralenkiami virtuoziškos smuiko literatūros pavyzdžiai. Jie turėjo įtakos ne tik visai vėlesnei smuiko muzikos raidai XIX amžiuje, bet ir didžiausių romantizmo atstovų kūrybai. pianizmas – F. Šopenas, R. Šumanas, F. Lisztas.

Paganinis buvo paskutinis iš didžiųjų italų. amatininkai, dirbę instr. muzika. XIX amžiuje kompozitorių ir publikos dėmesys beveik visas buvo prikaustytas operai. 18-19 amžių sandūroje. Opera Italijoje išgyveno gerai žinomą sąstingio laikotarpį. Tradicinis Opera seria ir opera buffa tipai tuo metu jau buvo išnaudoję savo galimybes ir negalėjo vystytis. Didžiausio italo kūryba. To meto operos kompozitorius G. Spontini išvyko už Italijos ribų (Prancūzijoje ir Vokietijoje). S. Mayr (pagal tautybę vokietis) bandymai išlaikyti opera seria tradicijas (skiepijant tam tikrus skolintus elementus) pasirodė eklektiški. Opera buffa linkęs F. Paeras, palyginti su Paisiello ir Cimarosa kūryba, šiame žanre neįnešė nieko iš esmės naujo. (Paero pavardė muzikos istorijoje išliko kaip operos pagal J. Bouilly tekstą „Leonora, arba Santuokinė meilė“, iš kurios buvo sukurtas libretinis Bethoveno „Fidelio“ šaltinis) autoriaus.

Italų klestėjimas. operos XIX a buvo siejamas su neišsemiama melodija apdovanoto kompozitoriaus G. Rossini veikla. išradingumas, gyvas, veržlus temperamentas ir neabejotina dramaturgija. nuojauta. Jo darbai atspindėjo bendrą italų iškilimą. kultūra, kurią sukėlė patriotiškumo augimas. nat.-išlaisvinti. siekius. Giliai demokratiškas., Nar. savo ištakose Rossini operinė kūryba buvo skirta plačiam klausytojų ratui. Jis atgaivino tautinį operos buffa tipo ir įkvėpė jai naujos gyvybės, paaštrina ir pagilina veiksmo ypatybes. asmenis, priartindami juos prie tikrovės. Jo „Sevilijos kirpėjas“ (1816) yra italų kalbos viršūnė. komiškas operos. Rossini komišką pradžią derina su satyriniu, laisvu. kai kuriose jo operose yra tiesioginių užuominų į visuomenes. ir politinis to meto situacija. Operose, herojinėse dramose. charakteriu, jis įveikė sustingusias operos serialo klišes, ypač suteikdamas ypatingą reikšmę chorui. pradžios. Žmonės yra plačiai išvystyti. scenos paskutinėje Rossini operoje „Viljamas Tellas“ (1829 m.) nacionalinio išsivadavimo metu. siužetas, interpretuojamas romantiškai. planą.

Ryški išraiška suteikiama romantikui. tendencijas V. Bellini ir G. Donizetti, kurių veikla klostėsi 30-aisiais, kūryboje. XIX a., kai prasidėjo nat. Renesansas (Risorgimento) Italijoje įžengė į lemiamą kovos už vienybę ir politinį etapą. šalies nepriklausomybę. Bellini operose „Norma“ (1831), „Puritonai“ (1835) aiškiai girdimas nacionalinis išsivadavimas. motyvai, nors pagrindinį akcentą kompozitorius skiria asmeninei veikėjų dramaturgijai. Bellini buvo išraiškos meistras. romantiškas kantilena, kuria žavisi M. I. Glinka ir F. Šopenas. Donizetti trokšta stiprių dramų. efektai ir ūmios situacijos kartais sukeldavo įkyrų melodramatizmą. Todėl jo didysis romantikas. operos („Lucretia Borgia“, pagal V. Hugo, 1833; „Luciadi Lammermoor“, pagal V. Scottą, 1835) pasirodė mažiau perspektyvios nei pastatymas. komedijos žanras („Meilės gėrimas“, 1832; „Don Pasquale“, 1843), kuriame tradicijos. Itališkas tipas. opera-buffa įgavo naujų bruožų: išaugo žanrinio fono svarba, melodija praturtėjo kasdieninės romantikos ir dainos intonacijomis.

Savarankiškumu nesiskyrė J. S. Mercadante, G. Pacini ir kai kurių kitų to paties laikotarpio kompozitorių kūryba. individualių bruožų, bet atspindėjo bendrą operinės formos dramatizavimo ir muzikinės raiškos turtinimo tendenciją. lėšų. Šiuo atžvilgiu jie buvo spontaniški. G. Verdi pirmtakai – vienas didžiausių operos dramaturgų ne tik Italijoje, bet ir pasaulio muzikoje. t-ra.

Ankstyvosios Verdi operos, kurios scenoje pasirodė 40-aisiais. XIX a., stilistiškai dar nevisiškai nepriklausomi („Nabucco“, „Lombardai pirmajame kryžiaus žygyje“, „Ernani“) savo patriotiškumu kėlė entuziastingą publikos entuziazmą. patosas, romantiškas jausmų pakylėjimas, didvyriškumo dvasia ir laisvės meilė. Gamyboje 50-ieji („Rigoletto“, „Trubadūras“, „Traviata“) jis pasiekė puikų psichologinį. ūmių, intensyvių dvasinių konfliktų įsikūnijimo vaizdų gylis, stiprumas ir tikrumas. Wok. Verdi laiškas išsivaduoja nuo išorinio virtuoziškumo, pasažų ornamentikos, tampa organiškai neatsiejamu melodijos elementu. linija, įsigytas greitasis. prasmė. 60-70-ųjų operose. („Don Karlosas“, „Aida“) jis siekia dar labiau atskleisti plačius dramų klodus. veiksmai muzikoje, stiprinant orkestro vaidmenį, praturtinant mūzas. kalba. Vienoje paskutinių savo operų – „Otelas“ (1886 m.) Verdis atėjo į užbaigtą kūrybą. muzika drama, kurioje muzika neatsiejamai susieta su veiksmu ir lanksčiai perteikia visą jo psichologinę. atspalvių.

Verdi pasekėjai, įskaitant. Populiarios operos Džokonda (1876) autoriui A. Ponchielli nepavyko savo operinių principų praturtinti naujomis būtybėmis. pasiekimus. Tuo pačiu metu Verdi kūrybai pasipriešino Wagnerio muzikinės dramos šalininkai. reformas. Tačiau Vagnerizmas Italijoje neturėjo gilių šaknų, Wagnerio įtaka kai kuriuose kompozitoriuose atsispindėjo ne tiek operinės dramaturgijos principais, kiek armonikos technikoje. ir ork. laiškus. Vagneriškos tendencijos atsispindėjo Boito (1868) operoje „Mefistofelis“, vėliau nutolusio nuo Wagnerio entuziazmo kraštutinumų.

In con. 19-tas amžius Verismo plačiai paplito Italijoje. Didžiulė Mascagni „Kaimo garbės“ (1890) ir Leoncavallo „Pagliacci“ (1892) sėkmė prisidėjo prie šios tendencijos, kaip dominuojančios italų kalboje, įsitvirtinimo. operinis darbas. U. Giordano (tarp jo kūrinių – opera Andre Chenier, 1896), F. Cilea prisijungė prie verizmo.

Su šia tendencija buvo siejama ir didžiausio italų menininko kūryba. operos kompozitorius po Verdi – G. Puccini. Jo produkcija. paprastai šventa. paprastų žmonių drama, rodoma spalvingame kasdieniame fone. Tuo pačiu metu Puccini operose nėra natūralistinių bruožų, būdingų verizmui. po velnių, jie yra subtilesni psichologiniai. analizė, skvarbus lyrizmas ir rašymo elegancija. Būkite ištikimi geriausioms italų kalbos tradicijoms. bel canto, Puccini paaštrino deklamaciją. wok išraiškingumas. melodijos, siekė detalesnio dainavimo kalbos niuansų atkūrimo. Spalvingas akordeonas. ir ork. jo operų kalboje yra tam tikrų impresionizmo elementų. Pirmuosiuose brandžiuose kūriniuose. („Bohemija“, 1896 m.; „Tosca“, 1900 m.) Puccini iki šiol siejamas su italų kalba. operos tradiciją, vėliau jo stilius komplikavosi, raiškos priemonės įgavo daugiau aštrumo ir koncentracijos. Savotiškas reiškinys Italijoje. opera art-ve – E. Wolf-Ferrari kūrinys, kuris bandė modernizuoti klasiką. operos buffa tipo, derinant jos tradicijas. formuoja su stilistine vėlyvojo romantizmo priemonėmis ("Smalsios moterys", 1903; "Keturi tironai", 1906, pagal Goldonio siužetus). R. Zandonai, eidamas verizmo keliu, priartėjo prie kai kurių naujųjų mūzų. XX amžiaus srovės.

Italijos meistriškumas. opera 19 val. - elg. 20 amžiaus buvo siejami su nuostabiu wok suklestėjimu. kultūra. itališkos tradicijos. bel canto, susiformavęs XIX amžiuje, yra toliau plėtojamos kelių dailėje. dainininkų kartos, kurios mėgavosi pasauline šlove. Kartu jų atlikimas įgauna naujų bruožų, tampa lyriškesnis ir dramatiškesnis. Paskutinis išskirtinis grynai virtuoziško būdo atstovas, aukojantis dramas. turinys dėl garso ir technikos grožio. balso mobilumas, buvo A. Catalani. Tarp italų kalbos meistrų wok. mokyklos 1 aukštas. XIX a., susiformavusios Rossini, Bellini ir Donizetti operinės kūrybos pagrindu, – dainininkai Giuditta ir Giulia Grisi, G. Pasta, dainininkai G. Mario, J. B. Rubini. 2 aukšte. 19-tas amžius iškeliama „Verdi“ dainininkų galaktika, kuriai priklausė dainininkai A. Bosio, B. ir C. Marchisio, A. Patti, dainininkai M. Battistini, A. Masini, J. Anselmi, F. Tamagno, E. Tamberlikas ir kiti .XX a. Italijos šlovė operoms pritarė dainininkai A. Barbi, G. Bellinchoni, A. Galli-Curci, T. Dal Monte, E. ir L. Tetrazzini, dainininkai G. De Luca, B. Gigli, E. Caruso, T. Skipa, Titta Ruffo ir kt

Nuo con. 19-tas amžius operos svarba italų kūryboje. kompozitoriai silpsta ir pastebima tendencija dėmesio centrą perkelti į instr. žanrų. Aktyvios kūrybos atgaivinimas. susidomėjimas instr. muziką skatino J. Sgambati (Europoje pripažintas pianistas ir dirigentas) ir J. Martucci veikla. Tačiau abiejų kompozitorių kūryba, kuri vystėsi veikiant F. Lisztui ir R. Wagneriui, nebuvo pakankamai savarankiška.

Kaip naujosios estetikos šauklys. idėjos ir stiliaus principai daro didelę įtaką visos Europos raidai. XX amžiaus muzika perteikė F. Busoni – vienas didžiausių savo laikų pianistų, žymus kompozitorius ir meno teoretikas. Jis iškėlė „naujojo klasicizmo“ sąvoką, kurią, viena vertus, supriešino su impresionistine. vaizdų sklandumas, atspalvių nepagaunumas, kita vertus, Schoenbergo atonalizmo „anarchija“ ir „savavališkumas“. Jūsų kūrybiškumas. Busoni principai buvo įgyvendinti tokiuose kūriniuose kaip „Kontrapunkto fantazija“ (1921), „Improvizacija ant Bacho choro“ 2 fps. (1916), taip pat operas „Arlekinas, arba langas“, „Turandot“ (abi sukurtos 1917 m.), kuriose atsisakė išvystyto wok. savo italų stilių. pirmtakai ir siekė priartėti prie senos lentinės lovos tipo. komedija ar farsas.

Pagal neoklasicizmą italų kūryba. kompozitoriai, kartais sujungti po pavadinimu. „XX amžiaus devintojo dešimtmečio grupės“, – I. Pizzetti, J. F. Malipiero, A. Casella. Jie siekė atgaivinti didžiojo nato tradicijas. muzika praeitis, nurodant formas ir stilistiką. italų kalbos priėmimai. barokinis ir melodingas grigališkasis choralas. Senosios muzikos propagandistas ir tyrinėtojas, Malipiero publ. kol. kūriniai C. Monteverdi, instr. prod. A. Vivaldi ir daugelio kitų užmirštas palikimas. ital. XVII ir XVIII amžių kompozitoriai Savo kūryboje jis naudoja senosios baroko sonatos, ricercar ir kt. formas. Jo opera, osn. išreikšti. wok. deklamavimas ir šykštumas reiškia org. sopr., atspindi pradžią 20-aisiais. reakcija prieš verizmą. Neoklasikinės Casella kūrybos tendencijos pasireiškė „Partitoje“ fortepijonui. su orkestru (1925), siuita „Scarlattiana“ (1926), šiek tiek muzikinio teatro. prod. (pvz., kamerinė opera „Orfėjo pasaka“, 1932). Tačiau jis kreipėsi į italą. folkloras (rapsodija orkestrui „Italija“, 1909). Jo spalvingas orkas. laiškas buvo sukurtas didele dalimi veikiamas rusų kalbos. ir prancūzų mokyklos (duoklė aistrai rusiškajai muzikai buvo orkestruotas Balakirevo „Islamėjus“). Pizzetti į savo operas įtraukė religinius moralizavimo elementus ir pasotino mūzas. grigališkojo choralo kalbos intonacijas, kartu nenusižengiant italų kalbos tradicijoms. operos mokykla XIX a Keletas ypatingą vietą šioje kompozitorių grupėje užima orkų meistro O. Respighi kūryba. garsinė tapyba (jo kūrybos formavimuisi įtakos turėjo užsiėmimai pas N. A. Rimskį-Korsakovą). Simfoje. Respighi eilėraščiai („Romos fontanai“, 1916 m.; „Romos pušys“, 1924) pateikia ryškių gultų paveikslų. gyvenimas ir gamta. Vėlesnėje jo kūryboje neoklasikinės tendencijos atsispindėjo tik iš dalies. Pastebimas vaidmuo And. m. 1 aukšte. 20 amžiaus jie suvaidino ryškiausią veristinės krypties atstovą F. Alfano (opera „Prisikėlimas“ pagal L. N. Tolstojaus romaną, 1904), vėliau peraugusį į impresionizmą; M. Castelnuovo-Tedesco ir V. Rieti, į rugius pradžioje. Antrasis pasaulinis karas 1939–45 politiniu. motyvų paliko tėvynę ir apsigyveno JAV.

40-ųjų sandūroje. 20 amžiaus pastebimi stilistiniai poslinkiai vyksta I. m. Neoklasicizmo tendencijas keičia srovės, kurios vienaip ar kitaip plėtoja naujosios Vienos mokyklos principus. Šiuo atžvilgiu orientacinis kūrybiškumas. G. Petrassi evoliucija, kuri, patyrusi A. Casella ir I. F. Stravinskio įtaką, iš pradžių perėjo į laisvo atonalumo, o paskui į griežtą dodekafoniją. Didžiausias šio I. m. laikotarpio kompozitorius – L. Dallapikkola, kurio kūryba po II pasaulinio karo sulaukė didelio dėmesio. Savo produkcijoje 40 ir 50 metų pasireiškia ekspresionizmo bruožai, giminystė. A. Bergo kūryba. Geriausi iš jų įkūnija humanistą. protestas prieš tironiją ir žiaurumą (choro triptikas "Kalinių dainos", 1938-1941; opera "Kalinys", 1944-48), suteikiant jiems tam tikrą antifašistinę orientaciją.

Iš jaunosios kartos kompozitorių, iškilusių po II pasaulinio karo, išgarsėjo L. Berio, S. Bussotti, F. Donatoni, N. Castiglioni, B. Maderna, R. Malipiero ir kt., jų kūryba siejama su dekomp. avangardo srovės - post-Weberian serializmas, sonoristika (žr. Serial music, Sonorism), aleatorika ir yra duoklė formalioms naujų garso priemonių paieškoms. Berio ir Maderna osn. 1954 m. Milane „Fonologijos studija“, kuri atliko eksperimentus elektroninės muzikos srityje. Tuo pačiu metu kai kurie iš šių kompozitorių stengiasi sujungti vadinamuosius. naujos muzikos raiškos priemonės. avangardas su XVI–XVII a. muzikos žanrinėmis formomis ir technikomis.

Ypatinga vieta šiuolaikinėje I. m priklauso kompozitoriui komunistui, aktyviam kovotojui už taiką L. Nono. Savo kūryboje jis kreipiasi į aktualiausias šių laikų temas, bandydamas įkūnyti internacionalumo idėjas. darbo žmonių broliškumas ir solidarumas, protestas prieš imperialistą. priespauda ir agresija. Tačiau Nono naudojamos avangardinio meno priemonės dažnai prieštarauja jo tiesumo troškimui. agitacija poveikį plačiajai visuomenei.

Toli nuo avangardizmo tendencijų stovi J. K. Menotti – italas. kompozitorius, gyvenantis ir dirbantis JAV. Jo kūryboje, kuri daugiausia siejama su opera, verizmo elementai įgauna tam tikrą ekspresionistinį koloritą, o teisingos kalbos intonacijos paieškos veda į dalinį suartėjimą su M. P. Musorgskiu.

Muzikoje Operos teatras ir toliau vaidina svarbų vaidmenį Italijos gyvenime. Viena iškiliausių operos kompanijų pasaulyje yra Milano „La Scala“, gyvuojanti nuo 1778 m. Tarp seniausių operos teatrų Italijoje taip pat yra San Karlas Neapolyje (įkurtas 1737 m.), Venecijos „Fenice“ (įkurtas 1792 m.). Didelis menas. svarbą įgijo Romos operos teatras (1880 m. atidarytas Costanzi prekybos centro pavadinimu, nuo 1946 m. ​​– Romos operos teatras). Tarp ryškiausių šiuolaikinių ital. operos artistai – dainininkai G. Simionato, R. Scotto, A. Stella, R. Tebaldi, M. Freni; dainininkai G. Becky, T. Gobbi, M. Del Monaco, F. Corelli, G. Di Stefano.

Didelė įtaka operos ir simfonijos raidai. kultūra Italijoje buvo A. Toscanini, vieno didžiausių XX a. dirigentų, veikla. Žymūs miuziklo-spektaklio atstovai. dirigentai – P. Argento, V. De Sabata, G. Cantelli, T. Serafinas, R. Fasano, V. Ferrero, C. Cecchi; pianistas A. Benedetti Michelangelis; smuikininkas J. DeVito; violončelininkas E. Mainardi.

Nuo pradžios 20 amžiaus Italijoje buvo sulaukta intensyvios plėtros muz.-issledovat. ir kritiškas maniau. Reiškia. indėlis į muzikos studijas. paveldą sukūrė muzikologai G. Barblanas (Italijos muzikologijos draugijos prezidentas), A. Bonaventure, J. M. Gatti, A. Della Corte, G. Pannain, J. Radiciotti, L. Torchi, F. Torrefranca ir kiti M. Daugiausia dirba Dzafredas ir M. Mila. muzikos srityje. kritika. Italijoje išleista nemažai mūzų. žurnalai, įskaitant. "Rivista Musicale italiana" (Turinas, Milanas, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), "Musica d" oggi" (Milanas, 1919-40, 1958-), "La Rassegna Musicale" (Turinas, 1928-40) ; Roma, 1941-1943, 1947-62), "Bolletino Bibliografico Musicale" (Milanas, 1926-33, 1952-), "Il Convegno Musicale" (Turinas, 1964-) ir kt.

Išleista nemažai enciklopedijų, skirtų muzika ir t-ru, įsk. "Enciclopedia della musica" (t. 1-4, Mil., 1963-64), "Enciclopedia dello spettacolo" (t. 1-9, Roma, 1954-62).

Tarp ypatingųjų muzika uch. Didžiausios įstaigos yra oranžerijos: „Santa Cecilia“ Romoje (įkurta 1876 m. kaip muzikos licėjus, nuo 1919 m. – konservatorija); G. B. Martini Bolonijoje vardas (nuo 1942 m. įkurtas 1804 m. kaip muzikos licėjus, nuo 1914 m. gavo konservatorijos statusą); juos. Benedetto Marcello Venecijoje (nuo 1940 m. įkurtas 1877 m. kaip muzikos licėjus, nuo 1916 m. prilyginamas aukštajai mokyklai); Milanskaja (įkurta 1808 m., 1901 m. pavadinta G. Verdi vardu); juos. L. Cherubini Florencijoje (įkurtas 1849 m. kaip muzikos institutas, vėliau muzikos mokykla, Muzikos akademija, nuo 1912 m. – konservatorija). Prof. muzikantus taip pat rengia universitetų Muzikos istorijos institutas, Popiežiškosios Ambrozijos sakralinės muzikos institutas ir kt. Šiuose vadovėliuose. įstaigose, taip pat Verdi paveldo tyrimo institute diriguojami muzikologai. Darbas. Tarptautinė organizacija yra įkurta Venecijoje. Italijos propagandos centras muzika, kuri kasmet organizuoja vasaros kursus („Muzikinės atostogos“) senovės italų kalbos studijoms. muzika. Amvrosian biblioteka, Milano konservatorijos biblioteka, turi didelę natų ir knygų apie muziką kolekciją. Plačiai žinomos senovinių instrumentų, natų ir knygų saugyklos (jos sutelktos Bolonijos filharmonijos akademijos bibliotekoje, G. B. Martini bibliotekoje ir Bolonijos San Petronio koplyčios archyve). Turtingiausia medžiaga apie italų istoriją. muzika turi nacionalinę. Marcianos biblioteka, D. Cini fondo biblioteka ir Muzikos muziejus. instrumentai Venecijos konservatorijoje.

Italijoje jų yra daug muzika organizacijos ir atlikėjai. komandos. Reguliarus simptomas. koncertuoja: „La Scala“ ir „Fenice“ t-griovio orkestrai, Nat. akademija „Santa Cecilia“, Italija. radijas ir televizija Romoje, „Afternoon Music Making“ draugijos („Рommerigi musicali“) orkestras, atliekantis premjerą. iš ispanų kalbos modernus muzika, kameriniai orkestrai „Angelicum“ ir „Virtuosi of Rome“, viduramžių, renesanso ir baroko muziką propaguojanti draugija „Ambrose Polyphony“, taip pat Bolonijos t-ra „Comunale“ orkestras, Bolonijos kamerinis orkestras ir kiti kolektyvai.

Italijoje vyksta daug renginių. muzika festivaliai ir konkursai: staž. šiuolaikinis festivalis muzika (nuo 1930 m. Venecija), „Florentino muzikinė gegužė“ (nuo 1933 m.), „Dviejų pasaulių šventė“ Spolete (nuo 1958 m., įkūrė J. C. Menotti), „Naujosios muzikos savaitė“ (nuo 1960 m. Palermas), fortepijonas varzybos. F. Busoni Bolzano mieste (nuo 1949 m. kasmet), muzikos ir šokių konkursas. G. B. Viotti Vercelli mieste (nuo 1950 m. kasmet), konkurencija jiems. A. Casella Neapolyje (nuo 1952 m. kas 2 metai, iki 1960 dalyvavo pianistai, nuo 1962 m. - ir kompozitoriai), smuikų konkursas. N. Paganini Genujoje (nuo 1954 m. kasmet), orkestrų konkursas. dirigentai Romoje (nuo 1956 m. kas 3 metai, įsteigta Nacionalinės akademijos „Santa Cecilia“), pianistų konkurse. E. Pozzoli Seregno mieste (nuo 1959 m. kas 2 metai), jaunųjų dirigentų konkursas. G. Cantelli Novaroje (nuo 1961 m. kas 2 metai), vokalistų konkursas „Verdi balsai“ Busseto mieste (nuo 1961 m. kasmet), chorų konkursas. komandos jiems. Guido d „Arezzo in Arezzo (įkurtas 1952 m. kaip nacionalinis, nuo 1953 m. – tarptautinis; kasmet, dar žinomas „Polyfonico“ pavadinimu), G. Casado violončelių konkursas Florencijoje (nuo 1969 m. kas 2 metai).

Tarp italų muzika ob-in – Naujosios muzikos korporacija (Tarptautinės šiuolaikinės muzikos draugijos skyrius; įkurta 1917 m. kaip Nacionalinė muzikos draugija, 1919 m. pertvarkyta į Italijos šiuolaikinės muzikos draugiją, nuo 1923 m. – korporacija), Muzikos asociacija. bibliotekos, Muzikologijos draugija ir kt. muzika leidykla ir prekybos įmonė „Ricordi and Co.“ (įkurta 1808 m.), kuri turi filialus daugelyje kitų. šalyse.

Literatūra: Ivanovas-Boretskis M.V., Muzikinis ir istorinis skaitytojas, t. 1-2, M., 1933-36; jo paties, Muzikos istorijos medžiaga ir dokumentai, 2 t., M., 1934; Kuznecovas K. A., Muzikiniai ir istoriniai portretai, ser. 1, M., 1937; Livanova T., Vakarų Europos muzikos istorija iki 1789 m., M. - L., 1940 m.; Gruber R. I., Bendroji muzikos istorija, pirma dalis, M., 1956, 1965; Khokhlovkina A., Vakarų Europos opera. XVIII a. pabaiga – XIX amžiaus pirmoji pusė. Esė, M., 1962; Europos menotyros istorija: nuo antikos iki XVIII amžiaus pabaigos, M., 1963; Europos meno istorijos istorija. XIX amžiaus pirmoji pusė, Maskva, 1965 m.

„Tautodailė“ – sužinokite, kaip jūsų šeimoje ugdoma meilė žodiniam liaudies menui. Taip išaugo susidomėjimas rusų liaudies menu. Projekto įgyvendinimas. 6 valandos. Tyrimo tikslai: Kokias liaudies meno rūšis naudojate savo žaidimuose? Darbo etapai: Iškelti tikslai ir uždaviniai. Ar rusų liaudies menas naudojamas jūsų gyvenime, žaidimuose.

"Rusų liaudies kostiumas" - Jei rankovės buvo nuleistos, tada nebuvo įmanoma atlikti jokio darbo. Rusijoje pagrindiniai moterų drabužiai buvo sarafanas ir marškiniai su siuvinėjimais. Drabužiai atspindi žmonių sielą. Sarafanai galėjo būti įvairių spalvų: raudoni, mėlyni, rudi... Merginos galėtų vaikščioti atmerktomis galvomis. Žalia yra dilgėlė. Aprangoje galite sužinoti apie savo žmonių tradicijas ir papročius.

"Italijos renesanso menininkai" - Aukštojo Renesanso atstovas. Sūnaus palaidūno sugrįžimas. Rafaelis. Madona ir vaikas. Velasquezas. Maudytojai. Paskutinis vokiečių renesanso tapytojas. Tapyba. Pavydo vaisiai. Džokonda. Leonardas da Vinčis. Madonna Constable. Daugybė bažnyčių paveikslų ir šventųjų atvaizdų. Venera ir Adonis.

„Liaudies muzika“ - Visasąjunginio radijo rusiškų dainų Piatnickio choras. Visi rusų folkloro žanrai nusipelno vienodo kolekcininkų ir tyrinėtojų dėmesio. Vasilijus Tatiščiovas. Tikrai universalus. Ansamblis „Auksinis žiedas“. M. Gorkis sakė: „... Žodžio meno pradžia yra tautosakoje“. Savybės: Muzikiniai vaizdai yra susiję su žmonių gyvenimu Šimtmečių šlifavimas laiko.

„Rusų liaudies instrumentai“ – Muzikos instrumentai darželyje. Balalaika armonika. Dudki-savakalbiai! Pirmieji įrankiai. Korpuse buvo padarytos skylės, kad būtų pakeistas garso aukštis. Augo miške, verkia ant rankų, išnešama iš miško ir šokinėja ant grindų. Iškalta iš molio. Rusų liaudies instrumentai. 1870 metais pasirodė Tuloje. Klasėje ir per šventes.

„Liaudies instrumentų orkestras“ – Orkestro kompozicija. Yra keletas rusiškos domros veislių. Domra yra pagrindinis liaudies instrumentų orkestro instrumentas. Sagos akordeonas savo išvaizdą skolingas rusų meistrui Petrui Sterligovui. Pučiamieji instrumentai. Bajanas Rusijoje egzistuoja nuo 1907 m. Jie yra liaudies instrumentų orkestro dalis. Pirmosios žinios apie arfą siekia VI a.

Kultūriškai kratinys Italija suteikė pasauliui nepralenkiamų meno srities meistrų. Bet patys italų genialūs kūrėjai buvo paveikti liaudies kultūros, t. melodingos italų dainos. Beveik visi jie turi autorius, tačiau tai netrukdo vadinti liaudiškais.

Tikriausiai taip yra dėl natūralios italų meilės muzikavimui. Šis teiginys galioja visiems Italijos regionams nuo pietų Neapolio iki šiaurinės Venecijos – tai patvirtina daugybė šalyje rengiamų dainų švenčių. Itališka daina žinoma ir mėgstama visame pasaulyje: mūsų tėvai iki šiol prisimena „Bella Chao“ ir „Kelyje“ – italų liaudies dainas, kurias dainuoja musulmonas Magomajevas, pripažintas geriausiu šios šalies dainų atlikėju.

Italų liaudies dainos nuo neatmenamų laikų

Jei italų kalba išsivystė iki 10 amžiaus, tai tyrinėtojai italų liaudies dainų atsiradimą sieja su pačia XIII amžiaus pradžia. Būtent tokias dainas per šventes miestų aikštėse dainuodavo klajojantys žonglieriai ir kanklininkai. Jų tema buvo meilės ar šeimos istorijos. Jų stilius buvo kiek grubus, kas viduramžiams yra gana natūralu.

Garsiausia iki mūsų atėjusi daina vadinama siciliečio Chullo d'Alcamo „Contrasto“ („Meilės ginčas“). Tai apie merginos ir ją įsimylėjusio jaunuolio dialogą. Be to, žinomos panašios dainos-dialogai: „Ginčas tarp sielos ir kūno“, „Ginčas tarp brunetės ir blondinės“, „Ginčas tarp lengvabūdiškojo ir išmintingojo“, „Ginčas tarp žiemos ir vasaros “.

Renesanso laikais tarp Italijos gyventojų paplito kasdieninio muzikavimo mada. Eiliniai miestiečiai rinkosi į melomanų būrelius, kuriuose grojo įvairiais instrumentais, kūrė žodžius, melodijas. Nuo tada dainos plačiai paplito tarp visų gyventojų sluoksnių ir skambėjo visur Italijoje.

Muzikos instrumentai ir italų liaudies dainos

Kalbant apie folklorą, negalima nepaminėti instrumentų, kuriems pritariant jie buvo atliekami. Štai keletas iš jų:

• Smuikas, kuris modernią išvaizdą įgavo XV a. Šį tautinės kilmės instrumentą labai mėgsta italai.
• Liūta ir jos pirėnų vihuelos versija. Pešyti instrumentai išplito visoje Italijoje XIV amžiuje.
• Tamburinas. Tamburino rūšis, kuri į Italiją atkeliavo iš Provanso. Tarantelos pasirodymo metu šokėjas juos palydėjo sau.
• Fleita. Plačiai paplito XI a. Labai dažnai atlikėjas naudojamas kartu su tamburinu.
• „Hurdy-gurdy“ – mechaninis pučiamasis instrumentas, Italijoje išpopuliarėjęs XVII amžiuje. Jį ypač mėgo tarp keliaujančių muzikantų, prisiminkite Papa Carlo.

Italų liaudies daina „Santa Lucia“ – neapolietiškos muzikos gimimas

Neapolis – Kampanijos regiono sostinė, garsiausias Pietų Italijos miestas ir stulbinančiai lyriškos neapolietiškos liaudies dainos – gražiosios „Santa Lucia“ gimtinė.

Neįprastai graži gamta, švelnus klimatas ir patogi vieta to paties pavadinimo įlankos pakrantėje padarė šį miestą ir apylinkes itin patraukliu daugeliui užkariautojų ir paprastų naujakurių. Daugiau nei 2500 metų šis miestas perėmė ir pergalvojo daugybę kultūrų, kurios negalėjo nepaveikti regiono muzikinių tradicijų.

Neapolio liaudies dainos gimimu laikomas XIII amžiaus pradžia, kai daina „Saulė teka“ buvo labai populiari. Tai italų renesanso aušra. Spartaus Italijos miestų vystymosi metas ir žmogaus sąmonės atsiradimo iš tamsiųjų amžių pradžia. Iki šio laikotarpio žmonės nustojo laikyti šokius ir dainas nuodėmingais, pradėjo leisti sau mėgautis gyvenimu.

XIV-XV a. tarp žmonių buvo populiarūs humoristiniai kupletai, kurie buvo sukurti tos dienos tema. XV amžiaus antroje pusėje Neapolyje gimė vilanella (italų kaimo daina) – keliais balsais atliekami kupletai, pritariant liutniai.

Tačiau mums žinomos neapolietiškos liaudies dainos klestėjimo laikas patenka į XIX a. Būtent šiuo laikotarpiu garsiausią italų dainą „Santa Lucia“ paskelbė Teodoro Cottrau. Jis parašytas barcarolle (nuo žodžio barka) žanru, kuris reiškia „valtininko daina“ arba „daina ant vandens“. Daina buvo atlikta neapolietiška tarme ir skirta pakrantės miestelio Santa Lusijos grožybėms. Tai pirmasis neapolietiškas kūrinys, išverstas iš tarmės į italų kalbą. Jį atliko Enrico Caruso, Elvis Presley, Robertino Loretti ir daugelis kitų garsių pasaulio menininkų.

Originalus neapolietiškas tekstas

Comme se fr?cceca la luna chiena…
Lo mare ride, ll'aria? serena…
Ar tu che facite 'mmiez'a la via?
Santa Liucija! Santa Liucija!

II Stu viento frisco, fa risciatare, chi v?’ spassarse j?nno pe’ mare…
E’ pronta e lesta la varca mia… Santa Lucia!
Santa Liucija! III La tanna? posta pe'f? na kaina…
e quanno stace la panza chiena, non c'? la m?nema melanconia!

Santa Liucija! Santa Liucija!
P?zzo accostare la varca mia?
Santa Liucija!
Santa Liucija!…

Klasikinis italų tekstas (Enrico Kossovich, 1849)

Sul mare luccica l'astro d'Argento.

Sul mare luccica l'astro d'Argento.
Placida? l'onda, prospero? il vento.

Santa Liucija! Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia! Santa Liucija!

Con questo zeffiro, cos? soave, O, com'? Bello star sulla nave!
Su passegieri, venite via!
Santa Liucija!
Santa Liucija!

Su passegieri, venite via!
Santa Liucija!
Santa Liucija!

In fra le tende, bandir la cena In una sera cos? serena,

Santa Liucija!
Santa Liucija!
Chi non dimanda, chi non desia.
Santa Liucija!
Santa Liucija!


Kumelės? placida, ventos? caro,
Scordar fa i triboli al marinaro,
E va gridando con allegria,
Santa Liucija! Santa Liucija!

E va gridando con allegria,
Santa Liucija! Santa Liucija!


O dolce Napoli, o suol beatato,
Ove sorridere volle il Creato,
Tu sei l'impero dell'armonia,
Santa Liucija! Santa Liucija!

Tu sei l'impero dell'armonia,
Santa Liucija! Santa Liucija!


Arba che tardate? Bella? la sera.
Spira un'auretta fresca ir leggiera.
Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Santa Liucija!

Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Santa Liucija!

Rusiškas tekstas

Jūra šiek tiek kvėpuoja
Miego poilsio metu
Iš tolo girdisi banglentininkų šnabždesys.
Danguje sužibo didelės žvaigždės, Santa Lucia, Santa Lucia!
Ak, koks vakaras – žvaigždės ir jūra!
Nuo papėdžių pučia švelnus vėjas.

Jis neša auksines svajones,
Santa Lucia, Santa Lucia!
Laivas kaip gulbė
išplaukia,
Žvaigždės danguje
Jie ryškiai šviečia.

nuostabi daina
Aš girdžiu naktį
Santa Lucia,
Santa Liucija!
Vakaras virš jūros
Pilna nuovargio
Tyliai aidime
Daina pažįstama.

O mano Neapolis
Padovanojo artimieji
Santa Lucia,
Santa Liucija!
mėnulio šviesa
Jūra šviečia.

Galinis vėjas
Burė pakyla.
Mano laivas lengvas
Irklai dideli...
Santa Lucia,
Santa Liucija!

Už užuolaidų
Laivai nuošalūs
Galima išvengti
Akys nekuklios.
Kaip atsisėsti
Tokią naktį?

Santa Lucia,
Santa Liucija!
Mano nuostabusis Neapolis
O, graži žemė
Kur šypsosi
Mes esame dangaus skliautas.

Entuziazmas sieloje
Pilk nežemiškai...
Santa Lucia,
Santa Liucija!
Esame lengvi zefyrai
Nuskubėkime į tolį
Ir mes pakilsime kaip žuvėdra virš vandens.

Oi neprarask
Auksinis laikrodis...
Santa Lucia,
Santa Liucija!

Jūra rami
Visi žavisi
Ir vargas jūreiviams
Iškart pamiršti
Jie tik dainuoja
Dainos veržli.

Santa Lucia,
Santa Liucija
ko dar lauki?
Tylu jūroje.
Mėnulis šviečia
Mėlynoje erdvėje
Mano laivas lengvas
Irklai dideli...

Santa Lucia,
Santa Liucija!
***

Klausykite italų liaudies dainos Santa Lucia, kurią atlieka Anastasija Kozhukhova:

Be to, mūsų šalyje garsi ir kita neapolietiška daina „Dicitencello vuie“, mes geriau žinomi kaip „Pasakyk mergaitei savo merginai“. Dainą 1930 m. parašė kompozitorius Rodolfo Falvo su Enzo Fusco žodžiais. Versiją rusų kalba atliko dauguma šalies menininkų nuo Sergejaus Lemeševo ​​iki Valerijaus Leontjevo. Be rusų kalbos, ši daina išversta į daugelį kitų kalbų.

Neapolietiškos dainos yra beprecedenčiai žinomos ir mėgstamos visame pasaulyje. Tai liudija incidentas, įvykęs 1920 m. Antverpeno olimpinėse žaidynėse. Apdovanojant Italijos komandą paaiškėjo, kad Belgijos orkestras neturėjo natų Italijos himnui. Ir tada orkestras pratrūko „O, mano saule“ („O sole mio“). Skambant patiems pirmiesiems melodijos garsams, stadione susirinkę žiūrovai pradėjo dainuoti kartu su dainos žodžiais.

Kalbant apie Neapolio ir apylinkių dainų tradicijas, negalima nepaminėti festivalio Piedigrotta, kuris kasmet vyksta rugsėjo pradžioje. Piedigrotta yra grota, esanti netoli Neapolio, kadaise ji tarnavo kaip pagonių šventovė. 1200 m., siekiant pašventinti šią vietą, čia buvo pastatyta Šv. Marijos bažnyčia, kuri tapo žinoma kaip Piedigrotta, o tai reiškia "grotos papėdėje".

Laikui bėgant religinis Mergelės Marijos garbinimas ir šventės jos garbei virto dainų konkursu-švente. Šio muzikinio festivalio metu varžosi geriausi Neapolio liaudies poetai ir dainininkai. Kartais nutinka taip, kad dvi dainos gauna vienodą taškų skaičių. O tada publika pasiskirsto į dvi stovyklas, kurių kiekviena pasiruošusi ginti sau patinkančią melodiją kumščiais. Jei abi dainos tikrai geros, draugystė laimi ir visas miestas niūniuoja šias mėgstamas melodijas.

italų liaudies daina "Laiminga"

Kūrinys priklauso meilės lyrikai, tačiau teksto žodžiai pastebi jaunystės klastingumą ir vėjavaikiškumą. Istorija pasakojama iš merginos perspektyvos, kuri tarsi kreipiasi į savo draugą klausdama: ar jis žino, kas slypi už koketiškų damų žvilgsnių į balius? Pati mergina dar niekam neįsimylėjusi, todėl save laiko pačia laimingiausia ir „žavesne už visas karalienes“. Jauna italė vaikšto tarp ramunėlių ir žibuoklių, klausosi paukščių čiulbėjimo ir dainuoja jiems, kokia ji laiminga ir kad nori amžinai mylėti tik juos.

Iš tiesų, tiksliai pastebėta, kad tol, kol meilė kitam žmogui netampa skausmingu prisirišimu, lieka laiko mėgautis gyvenimu, gamta ir visais aplinkiniais. Kur visa tai pastebėti, kai degate pavydu ir nerimu.

Klausykite italų liaudies dainos „Happy“ rusų kalba, kurią atlieka Anastasija Teplyakova:

Humoras italų liaudies dainose: dainuokite apie „Makaronus“

Lengvas ir linksmas italų charakteris prisidėjo prie plačiai paplitusių humoristinių dainų. Tarp tokių kūrinių verta paminėti dainą „Makaronai“, skirtą šiam tikrai itališkam patiekalui. Šią dainą dainuodami našlaičiai ir vaikai iš neturtingų šeimų užsidirbdavo pragyvenimui maldaujant iš praeivių išmaldos. Priklausomai nuo atlikėjo lyties, yra vyriškos ir moteriškos teksto versijos. Daina sukurta tarantelos ritmu.

Tarantella yra liaudies šokis, kuris buvo atliekamas nuo XV a. Paprastai tarantella yra pagrįsta vienu ritmiškai pasikartojančiu motyvu. Įdomu tai, kad šokiai pagal šią melodiją buvo laikomi gydymo priemone žmonėms, kuriems įkando tarantulas. Ilgą laiką Italijos keliais klajojo muzikantai, atlikdami šią melodiją specialiai „tarantizmu“ sergantiems pacientams.

Makaronai (vyriška versija) Vertė M. Ulitskis

1. Aš gyvenu tarp griuvėsių.
Labiau linksma nei liūdna.
Aš gyvenu tarp griuvėsių.
Labiau linksma nei liūdna.

Makaronams mielai padovanočiau lovos staliuką ir namelį su balkonu.

2. Šis skanus patiekalas yra geras paprastų žmonių draugas.
Šis skanus patiekalas yra geras paprastų žmonių draugas.

Tačiau svarbūs žmonės valgo ir makaronus su padažu.

3. Ar norite sužinoti, kaip išgyveno mirštantis raudonasis klounas?
Ar norite sužinoti, kaip išgyveno mirštantis raudonasis klounas?

Shutovskaja nusiėmė karūną ir iškeitė į makaronus.

4. Dainuojama mūsų tarantella, su kuo man eiti vakarieniauti?
Mūsų tarantella dainuojama, su kuo turėčiau eiti vakarieniauti?

Tiesiog šauk: "Makaronai!" – Tuoj atsiras kompanionai.

Makaronai (moteriška versija)

Aš juodesnė už alyvuogę
Aš vienas klajoju benamis
Ir skambant tamburino garsui
Aš pasiruošęs šokti visą dieną
Dainuosiu tau Tarantelą
Tiesiog būk malonus
Duok soldo ir pirk
Makaronai, makaronai.

Mano draugas Pulcinello
Į širdį buvo sužeista strėlė
Tik aš nenorėjau, kad Pulcinello taptų žmona.
Jis vos nenušovė
Vos ne iššoko iš balkono
Bet jis buvo išgydytas nuo aistros,
Tiesiog praryti makaronus.

Pasiėmiau brolį į žygį,
Po jo mylimasis išėjo,
Kaip padaryti karius
Ar visi nepažeisti?
Kad ginklai nešautų,
Turite išimti visas kasetes,
Vietoj kulkų išskristi
Makaronai, makaronai.

Jei jaučiatės šiek tiek liūdnas
Jei jus slegia liga,
Arba kartais skrandis tuščias,
Makaronai jums tinka!
Iki pasimatymo, Sinjoritai,
Iki pasimatymo, ponai donai,
Turite būti labai pilnas
O aš laukiu makaronų!

Mačeronai

1. Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.
Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.

Venderei i miei canzoni per un sol piatto da maccheroni.

2. Pulcinella mezzo spendo vole a fare il testimento.
Pulcinella mezzo usedo vole a fare il testmento.

Purche avesse dai padroni un grosso piatto di maccheroni.

3. Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.
Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.

Le spalline pe'galloni per un sol piatto di maccheroni.

4. Tarantella si e cantata,
due carlini si e pagata.
Tarantella si e cantata,
due carlini si e pagata.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de' maccheroni.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de' maccheroni.
***

Klausykite italų liaudies dainos „Makaronai“ rusų kalba, kurią atlieka Anna Zhikhalenko:

Venecijos dainos ant vandens

Be pietinio Neapolio, didingomis ir nuostabiomis dainų tradicijomis išsiskiria šiaurinis Italijos perlas – Venecija. Kalbame pirmiausia apie gondolininkų dainas. Šie meilės motyvai priklauso barcarolle žanrui. Jie labai melodingi ir neskubūs.

Stiprus ir gražus gondolininko balsas tarsi aidi su lėtais irklų smūgiais vandenyje. Keista, bet iki XVIII amžiaus barkarole nesulaukė deramo profesionalių muzikantų dėmesio. Tačiau kitame amžiuje šis praleidimas buvo daugiau nei kompensuotas. Čaikovskis, Mendelssonas, Šopenas, Glinka – tai tik maža dalis muzikos genijų, kuriuos pakerėjo Venecijos liaudies daina ir jos motyvus įtraukė į savo nemirtingus kūrinius.

Deja, modernumas daro neigiamą įtaką Venecijos tradicijoms, įskaitant barkarole. Taigi, pavyzdžiui, turistų prašymu gondolininkai dažnai dainuoja neapolietišką dainą „O Sole Mio“, nors Gondolierių asociacija prieštarauja jos pasirodymui, nes ji nėra venecijietiška.

Italijos partizanų daina "Bella Chao"

Taip pat neregėto populiarumo sulaukia garsioji partizanų daina „Bella Chao“ („Sudie, gražuolė“). Antrojo pasaulinio karo metais ją dainavo Pasipriešinimo nariai. Tiesa, jis nebuvo išplatintas visoje Italijoje, o tik šalies šiaurėje, Apeninuose.

Manoma, kad dainos žodžius parašė sanitaras ar gydytojas. O melodija aiškiai paimta iš senos vaikiškos dainelės „Miego gėrimas“. Nors, pasak Katanijos universiteto moderniosios istorijos profesoriaus Luciano Granozzi, „Bella ciao“ iki 1945 metų Bolonijos apylinkėse atlikdavo tik tam tikros partizanų grupės.

E picchia picchia
la porticella
E picchia picchia

E picchia picchia
la porticella dicendo: „Oi bella, mi vieni a aprir“.
Con una mano apr?
la porta e con la bocca
ar sklandymas? unbacinas.
La gh'ha dato un bacio cos? tanto forte che
la suoi mama la l'ha atsiuntė?.
Ma cos'hai fatto, figliola mia,
che tutto il mondo parla mal di te?
Ma lascia pure che
il mondo ‘l diga: io voglio amare chi mi ama me.
Io voglio amare quel giovanotto ch'l'ha
fatt sett'anni di prigion per me.
L'ha fatt sett'anni e sette
mesi e sette giorni di prigion per me.
E la prigione
aš? tanto scura,
mano fa paura,
la mi fa morir

Bella chao (vienas iš variantų)

Šįryt buvau pažadintas

Šįryt buvau pažadintas
Ir aš pamačiau priešą pro langą!
O, partizanai, paimkite mane
O bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
O partizanai, imkit mane
Jaučiu, kad mano mirtis arti!
Jei man lemta mirti mūšyje
O bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Jei man lemta mirti mūšyje - Palaidok mane.
Palaidoti aukštai kalnuose?
O bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Palaidoti aukštai kalnuose?
Po raudonos gėlės šešėliu!

O bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Praeis praeivis, pamatys gėlę
„Graži – pasakys – gėlė!
Tai bus partizano atminimas
O bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Tai bus partizano atminimas
Kokia laisvė drąsiai krito!
***

Pasiklausykite Piatnitsky choro atliekamos italų partizanų dainos „Bella, ciao“:

Visų mėgstamiausia partizanų daina buvo „Fischia il vento“ („Vėjas pučia“), ji turėjo ryškų komunistinį pobūdį. Todėl pasibaigus karui, ideologiniais tikslais, Italijos valdžia pradėjo reklamuoti dainą „Bella Chao“. Už ką jam galima tik padėkoti. Bet kokiu atveju, daina pasaulinę šlovę pelnė ketvirtojo dešimtmečio pabaigoje, po 1-ojo tarptautinio jaunimo ir studentų festivalio, įvykusio 1947 m. vasarą Prahoje. Po to ją daugybę kartų apdainavo iškilūs ir ne tokie žinomi dainininkai iš viso pasaulio.

Italų liaudies muzikos tema yra tokia didelė, kad neįmanoma jos perteikti viename straipsnyje. Taip yra dėl to, kad visa Italijos istorija atsispindėjo liaudies dainose. Neįtikėtinai melodinga kalba, prabangi gamta ir audringa šalies raidos istorija padovanojo pasauliui tokį kultūros reiškinį kaip italų liaudies daina.

← ←Ar norite išgirsti, kaip draugai sako ačiū, kad pasidalinote su jais įdomia ir vertinga medžiaga?? Tada spustelėkite vieną iš socialinės žiniasklaidos mygtukų kairėje dabar!
Prenumeruokite RSS arba gaukite naujus straipsnius el. paštu.

Pasaulyje yra daug tautų, kurios bendrauja įvairiomis kalbomis. Tačiau per visą istoriją žmones kalbėjo ne tik žodžiai. Jų emocijoms ir mintims sudvasinti senovėje buvo naudojamos dainos ir šokiai.

Šokio menas kultūros raidos fone

Italų kultūra turi didelę reikšmę pasaulio laimėjimų fone. Jos spartaus augimo pradžia sutampa su naujos eros – Renesanso – gimimu. Tiesą sakant, Renesansas kyla būtent Italijoje ir kurį laiką vystosi viduje, neliečiant kitų šalių. Pirmieji jo pasisekimai patenka į XIV–XV a. Vėliau iš Italijos paplito visoje Europoje. Tautosakos raida taip pat prasideda XIV a. Gaivi meno dvasia, kitoks požiūris į pasaulį ir visuomenę, vertybių kaita tiesiogiai atsispindėjo liaudies šokiuose.

Renesanso įtaka: New Pas ir Balls

Viduramžiais itališki judesiai pagal muziką buvo atliekami žingsnis po žingsnio, sklandžiai, siūbuojant. Renesansas pakeitė požiūrį į Dievą, kuris atsispindėjo tautosakoje. Itališki šokiai įgavo veržlumo ir gyvų judesių. Taigi pas „iki pilnos pėdos“ simbolizavo žemiškąją žmogaus kilmę, ryšį su gamtos dovanomis. O judėjimas „ant kojų pirštų“ arba „su šuoliu“ identifikavo žmogaus troškimą Dievo ir jo šlovinimo. Jais remiasi italų šokio paveldas. Jų derinys vadinamas „balli“ arba „ballo“.

Italų liaudies Renesanso muzikos instrumentai

Akomponuojant buvo atliekami folkloro kūriniai. Tam buvo naudojami šie įrankiai:

• Klavesinas (itališkai „chembalo“). Pirmą kartą paminėta: Italija, XIV a.
• Tamburinas (tamburino rūšis, šiuolaikinio būgno protėvis). Jį šokėjos naudojo ir judesių metu.
• Smuikas (lenkiamasis instrumentas atsirado XV a.). Itališka jo atmaina yra altas.
• Liūta (pešiamas styginis instrumentas)
• Vamzdžiai, fleitos ir obojus.

šokių įvairovė

Italijos muzikinis pasaulis įgavo įvairovę. Naujų instrumentų ir melodijų atsiradimas paskatino energingus judesius į ritmą. Gimė ir vystėsi nacionaliniai italų šokiai. Jų pavadinimai buvo suformuoti, dažnai remiantis teritoriniu principu. Jų buvo daugybė veislių. Pagrindiniai šiandien žinomi italų šokiai yra bergamasca, galliard, saltarella, pavane, tarantella ir pizzica.

Bergamaska: klasikiniai balai

Bergamaska ​​– populiarus XVI–XVII amžių italų liaudies šokis, vėliau išėjęs iš mados, tačiau palikęs atitinkamą muzikinį palikimą. Namų regionas: Šiaurės Italija, Bergamo provincija. Muzika šiame šokyje linksma, ritminga. Laikrodžio skaitiklio dydis yra sudėtingas keturgubai. Judesiai paprasti, sklandūs, suporuoti, procese galimi pokyčiai tarp porų. Iš pradžių Renesanso laikais liaudies šokiai pamėgo dvarą.

Pirmasis literatūrinis jo paminėjimas matomas Williamo Shakespeare'o pjesėje „Vasarvidžio nakties sapnas“. XVIII amžiaus pabaigoje Bergamaskas sklandžiai pereina iš šokių folkloro į kultūros paveldą. Rašydami savo kūrinius šį stilių naudojo daugelis kompozitorių: Marco Uccellini, Solomon Rossi, Girolamo Frescobaldi, Johann Sebastian Bach.

Iki XIX amžiaus pabaigos atsirado kitoks bergamaskos aiškinimas. Pasižymėjo sudėtingu mišriu muzikinio metro dydžiu, greitesniu tempu (A. Piatti, C. Debussy). Iki šiol yra išlikę folkloro bergamasko atgarsiai, kuriuos sėkmingai bandoma įkūnyti baleto ir teatro pastatymuose, naudojant atitinkamą stilistinį muzikinį akompanimentą.

Galliard: linksmi šokiai

Galiardas – senas italų šokis, vienas pirmųjų liaudies šokių. Atsirado XV a. Išvertus tai reiškia „linksmas“. Tiesą sakant, jis yra labai linksmas, energingas ir ritmingas. Tai sudėtingas penkių žingsnių ir šuolių derinys. Tai porinis liaudies šokis, išpopuliarėjęs aristokratų baliuose Italijoje, Prancūzijoje, Anglijoje, Ispanijoje, Vokietijoje.

XV-XVI amžiais galiardas tapo madingas dėl savo komiškos formos, linksmo, spontaniško ritmo. Prarado populiarumą dėl evoliucijos ir transformacijos į standartinį prim Court šokių stilių. XVII amžiaus pabaigoje ji visiškai perėjo prie muzikos.

Pirminiam galliardui būdingas vidutinis tempas, metro ilgis – paprastas trišalis. Vėlesniais laikotarpiais jie atliekami atitinkamu ritmu. Tuo pačiu metu galliardui buvo būdingas sudėtingas muzikinio metro ilgis. Žinomi šiuolaikiniai šio stiliaus kūriniai išsiskiria lėtesniu ir ramesniu tempu. Kompozitoriai, kurie savo kūriniuose naudojo galliard muziką: V. Galilei, V. Break, B. Donato, W. Byrd ir kt.

Saltarella: vestuvių linksmybės

Saltarella (saltarello) yra seniausias italų šokis. Tai gana linksma ir ritmiška. Lydimas žingsnių, šuolių, posūkių ir nusilenkimų derinio. Kilmė: iš italų saltare „šokti“. Pirmasis šios rūšies liaudies meno paminėjimas datuojamas XII a. Iš pradžių tai buvo socialinis šokis su muzikiniu akompanimentu paprastu dviejų ar trijų taktų matuokliu. Nuo XVIII amžiaus jis sklandžiai atgimė į garingą saltarelę, skambant sudėtingų metrų muzikai. Stilius išliko iki šių dienų.

XIX-XX a. – virto masiniu itališku vestuviniu šokiu, kuris buvo šokamas iškilmėse santuokų proga. beje, tuo metu jos dažnai būdavo laikomos taip, kad sutaptų su derliaus nuėmimu. XXI metais - koncertavo kai kuriuose karnavaluose. Šio stiliaus muzika buvo plėtojama daugelio autorių: F. Mendelsono, G. Berliozo, A. Castellono, R. Barto, B. Bazurovo kūriniuose.

Pavane: grakštus iškilmingumas

Pavane yra senas itališkas pramoginis šokis, kuris buvo atliekamas tik aikštėje. Žinomas ir kitas pavadinimas – padovana (nuo vardo Padova; iš lotynų kalbos pava – povas). Šis šokis lėtas, grakštus, iškilmingas, puošnus. Judesių derinys susideda iš pavienių ir dvigubų žingsnių, užlenkimų ir periodinių partnerių padėties pasikeitimų vienas kito atžvilgiu. Ji šoko ne tik baliuose, bet ir procesijų ar ceremonijų pradžioje.

Į kitų šalių aikštės kamuolius patekęs italas pavanas pasikeitė. Tai tapo savotišku šokio „tarme“. Taigi ispanų įtaka paskatino „pavanilės“ atsiradimą, o prancūzų – „passamezzo“. Muzika, pagal kurią buvo atliekami pas, buvo lėta, dviejų taktų. pabrėžti kompozicijos ritmą ir svarbius momentus. Šokis pamažu išėjo iš mados, išsaugotas muzikinio paveldo kūriniuose (P. Attenyan, I. Shein, C. Saint-Saens, M. Ravel).

Tarantella: itališko temperamento personifikacija

Tarantella – italų liaudies šokis, išlikęs iki šių dienų. Jis aistringas, energingas, ritmingas, linksmas, nenuilstantis. Itališkas tarantelos šokis yra vietinių gyventojų skiriamasis bruožas. Jį sudaro šuolių (įskaitant į šoną) derinys, pakaitomis metant koją į priekį ir atgal. Jis buvo pavadintas Taranto miesto vardu. Yra ir kita versija. Kalbėta, kad įkandę žmonės susirgdavo liga – tarantizmu. Liga buvo labai panaši į pasiutligę, nuo kurios jie bandė išsigydyti nenutrūkstamais greitais judesiais.

Muzika atliekama paprastu trigubu arba sudėtiniu metru. Ji greita ir linksma. Charakteristikos:

1. Pagrindinių instrumentų (taip pat ir klavišinių) derinys su papildomais, kurie yra šokėjų rankose (tamburinai ir kastanjetės).
2. Standartinės muzikos trūkumas.
3. Muzikos instrumentų improvizacija žinomu ritmu.

Judesiams būdingą ritmą savo kompozicijose panaudojo F. Schubertas, F. Šopenas, F. Mendelssohnas, P. Čaikovskis. Tarantella iki šiol yra spalvingas liaudies šokis, kurio pagrindus žino kiekvienas patriotas. O XXI amžiuje jis ir toliau masiškai šokamas linksmose šeimos šventėse ir nuostabiose vestuvėse.

Pizzica: Clockwork Dance Clash

Pizzica yra greitas itališkas šokis, kilęs iš tarantelos. Tai tapo italų folkloro šokių kryptimi dėl savo išskirtinių bruožų atsiradimo. Jei tarantella daugiausia yra masinis šokis, tada pica tapo išskirtinai suporuota. Dar drąsesnis ir energingesnis, jis gavo keletą karingų natų. Dviejų šokėjų judesiai primena dvikovą, kurioje kaunasi linksmi varžovai.

Dažnai tai atlieka damos su keliais džentelmenais paeiliui. Tuo pačiu metu, atlikdama energingus judesius, jauna dama išreiškė savo originalumą, savarankiškumą, audringą moteriškumą, dėl to atmesdama kiekvieną iš jų. „Cavaliers“ pasidavė spaudimui, demonstruodami savo susižavėjimą moterimi. Toks individualus ypatingas charakteris būdingas tik picai. Tam tikra prasme tai apibūdina aistringą itališką prigimtį. Išpopuliarėjusi XVIII amžiuje, pica neprarado jo iki šiol. Jis ir toliau rodomas mugėse ir karnavaluose, šeimos šventėse, teatro ir baleto spektakliuose.

Atsiradus naujai, buvo sukurtas tinkamas muzikinis akompanimentas. Pasirodo „pizzicato“ – kūrinių atlikimo būdas sulenktomis stygomis, bet ne pačiu stryku, o pirštų galiukais. Dėl to atsiranda visiškai kitokie garsai ir melodijos.

Italų šokiai pasaulio choreografijos istorijoje

Prasidėję kaip liaudies menas, prasiskverbę į aristokratų pobūvių sales, šokiai pamėgo visuomenę. Atsirado poreikis sisteminti ir konkretizuoti pas mėgėjų ir profesinio mokymo tikslais. Pirmieji teoriniai choreografai buvo italai: Domenico da Piacenza (XIV-XV), Guglielmo Embreo, Fabrizio Caroso (XVI). Šie kūriniai, kartu su judesių šlifavimu ir jų stilizavimu, buvo pasaulinės baleto raidos pagrindas.

Tuo tarpu ištakose saltarelę ar tarantelą šoko linksmi paprasti kaimo ir miesto gyventojai. Italų temperamentas aistringas ir gyvas. Renesanso era yra paslaptinga ir didinga. Šios savybės būdingos italų šokiams. Jų paveldas yra šokio meno raidos visame pasaulyje pagrindas. Jų bruožai – tai visos tautos istorijos, charakterio, emocijų ir psichologijos atspindys per daugelį šimtmečių.

Mandolina yra styginis pešiamas muzikos instrumentas. Jos atsiradimas siekia XVI amžių, o spalvingoji Italija tapo jos tėvyne. Mandolina yra muzikos instrumentas, kuris savo išvaizda labai panašus į liutnią, nes turi ir kriaušės formą. Nuo liutnios ji skiriasi tuo, kad turi mažiau stygų ir trumpesnį kaklą.

Iš esmės mandolina visada turėjo keturias suporuotas stygas (žinoma kaip Neapolio mandolina), o liutnia, priklausomai nuo epochos, turėjo šešias ar daugiau stygų. Be šios mandolino rūšies, žinomos ir kitos jo rūšys:

• Sicilietiškas - su plokščiu dugnu ir keturiomis trigubomis stygomis;
• Milano - su šešiomis stygomis statykite oktavą aukštesnę nei gitara;
• Genoese – penkių stygų mandolina;
• Florencijos.

Kaip groti mandolina

Paprastai mandolina grojama su plektrumu, tiksliau, su plektrumu. Nors būna, kad žaidžia pirštais. Mandolinos skambesys yra unikalus – greitas ir pasikartojantis garso kartojimas (tremolo) paaiškinamas tuo, kad palietus stygas garsas greitai suyra, tai yra pasirodo trumpas. Štai kodėl, norint pailginti garsą ir gauti tariamai ištemptą natą, naudojamas tremolo.

Mandolina tapo plačiai žinoma už Italijos ribų praėjus šimtmečiui nuo jos atsiradimo. Šis instrumentas buvo labai pamėgtas ir greitai gavo liaudies instrumento statusą. Iki šiol ji vaikšto po planetą, vis labiau įsišaknijusi šiuolaikinėje kultūroje.

Netgi žinoma, kad toks garsus kompozitorius kaip Mocartas savo operoje „Don Džovanis“ serenadoje panaudojo mandoliną.

Be to, daugelis šių dienų grupių, kompozitorių ir dainininkų naudoja šį muzikos instrumentą tam, kad suteiktų savotišką „uždegimą“. prie jų kompozicijų.

Mandolinos pagalba galite puikiai tiek akompanuoti, tiek groti solo partijas. Pavyzdžiui, žinomi neapolietiški orkestrai, kurių garsai susilieja iš daugybės įvairaus dydžio mandolinų. Mandolina taip pat naudojama simfoniniuose ir operos orkestruose. Kartu su bandža mandolina taip pat naudojama Amerikos bluegrass ir liaudies muzikoje.

Kaip jau minėta, mandolina yra labai neįprastas muzikos instrumentas ir daugelio pamėgtas būtent dėl ​​to, kad jos koziris yra tremolo, kurio, ko gero, nerasite kituose muzikos instrumentuose.

Mandolina yra muzikos instrumentas, kuris yra vienas populiariausių liaudies instrumentų kategorijoje. Turbūt nedaugelis muzikos instrumentų gali pasigirti tokiu populiarumu. Greičiau mandolina tradiciškai laikoma liaudiška, nors daugelis kompozitorių ją naudojo savo kūriniuose, suteikdami jiems ypatingo žavesio ir unikalumo. Nors mandolina dažnai naudojama orkestruose, ji puikiai skamba ir kaip savarankiška muzikinė dalis. Jame atliekami įvairūs etiudai ir vaidinimai, akompanuojant kitiems instrumentams.

Kur dar mandolina išgarsėjo

Palyginti greitai mandolina iš Italijos migravo į Jungtinių Amerikos Valstijų šiaurę ir tvirtai įsitvirtino vietinėje muzikoje. Europoje šis instrumentas užkariavo Skandinavijos žmones, kurie mandolinai suteikė ypatingą griežtą skambesį.

Mandolina turi šeimos instrumentus. Tai mandala, bouzouki ir oktavinė mandolina. Mūsų laikų rokenrolo harmonijos labai panašios į tą pačią mandoliną.

Žinoma, kad „Led Zeppelin“ grupės nariai labai mėgo mandolinos skambesį ir naudojo jį savo melodijose. Netgi grupės narys Jimmy Page'as mandoliną papildė mandalos kaklu ir gitara. Net Paulas McCartney pasirinko šį sudėtingą muzikos instrumentą.

Be puikaus garso, mandolina turi daug neabejotinų pranašumų:

• harmoninga struktūra;
• kompaktiškumas;
• derinys su kitomis mandolinomis ar kitais muzikos instrumentais apskritai – gitara, blokine fleita.

Mandolinos derinimas šiek tiek panašus į smuiko derinimą:

• pirmoji stygų pora derinama 2-osios oktavos mi;
• antroji pora yra 1-osios oktavos la,
• re 1 oktava;
• ketvirtoji stygų pora – mažos oktavos druska.

Mandolinos populiarumas vis labiau auga. Pavyzdžiui, grupės „Aria“ narys Vadimiras Kholstininas muzikinėje kompozicijoje „Paradise Lost“ naudoja mandoliną. Jis taip pat naudojamas Epidemic grupės metalo operoje (daina Walk Your Way) ir Sergejaus Mavrino (Makadash).

Ir garsioji R.E.M. daina „Loosing my religija“. su nepakartojamu mandolinos skambesiu? Atrodo, kad tai žinoma beveik visose pasaulio šalyse.

Mandolina yra gana paslaptingas muzikos instrumentas. Jos sėkmės paslaptis vis dar nėra iki galo atskleista. Net jei nuo jo pasirodymo praėjo daugiau nei keturi šimtai metų, jis absoliučiai nepraranda savo populiarumo, o, priešingai, sulaukia vis daugiau gerbėjų. Šiais laikais jis vis dažniau naudojamas įvairiuose muzikos žanruose.

Labai į akis krenta tai, kad mandolina geba puikiai įsilieti į bet kokią kompoziciją, atspalvį ar išryškinti beveik bet kurio instrumento skambesį. Išgirdę šio šiek tiek stebuklingo instrumento garsus, atrodo, kad pasinertumėte į senovinę drąsių riterių, žavių damų ir išdidžių karalių erą.

Vaizdo įrašas: kaip skamba mandolina