F. Kovalev Der goldene Schnitt in der Malerei

Der goldene Schnitt in der Malerei - F. V. Kovalev

Vorwort

Ich möchte Ihnen den Weg der langen und schwierigen Suche verkürzen.

N. P. Krymov

Wissenschaftliche Kenntnisse in Mathematik (Geometrie und Perspektive), Physik (Licht und Farbe), Anatomie und Physiologie des Menschen (Aufbau und Funktion von Auge und Gehirn), Psychologie (Farbwahrnehmung und ihre Wirkung auf den Menschen), erworben durch Schüler im allgemeinbildenden Unterricht , ist zu wenig oder gar nicht mit der Ausbildung im Fachgebiet des Künstlers verknüpft.

Bei der Vorbereitung eines Künstlers werden große Hoffnungen auf die natürliche Begabung der Studenten, den Grad der Bewältigung und Bewältigung von Aufgaben in speziellen Fächern gesetzt, aber die Rolle der Entwicklung eines kohärenten Systems wissenschaftlicher Erkenntnisse und einer materialistischen Weltanschauung wird unterschätzt. Wenn ein junger Künstler die Mauern einer Bildungseinrichtung verlässt, erhält er daher keine solide Grundlage im System professioneller und ideologischer Konzepte, was sich negativ auf seine kreative Arbeit auswirkt.

Die langjährigen Bemühungen des Autors dieses Tutorials zielen darauf ab, wissenschaftliche, objektiv bestimmte Konzepte der Kompositionstheorie und Bildkonstruktionsmethoden zu finden und zu untermauern. Große Aufmerksamkeit wurde der Notwendigkeit einer natürlichen Verschmelzung von Wissen und künstlerischen Fähigkeiten, dem Instinkt und der Vernunft des Künstlers geschenkt. Einen herausragenden Platz nahm die Betrachtung der Muster der visuellen künstlerischen Wahrnehmung ein, die sich aus der Struktur und Arbeit des menschlichen Auges und Gehirns ergeben, der damit verbundenen Gesetzmäßigkeiten von Proportion, Symmetrie und Rhythmus, der Harmonisierung der Form eines Kunstwerks , die Einheit von Form und Inhalt als Manifestation der Einheit der Materialität der Welt, wenn Gedanken, Ideen, Gefühle und die Taten großer Wissenschaftler und Künstler, so der bildliche Ausdruck des Schriftstellers VA Chivilikhin 1 , betrachtet werden ein strahlendes Erblühen der Materie. Bei der Betrachtung der Rolle von Proportion und Symmetrie bei der Harmonisierung der Form wird besonderes Augenmerk auf den Goldenen Schnitt gelegt.

Grundlage dieses Buches ist eine Vortragsreihe „Der Goldene Schnitt in der Malerei“, gelesen am Kiewer Staatlichen Kunstinstitut und konzipiert als Kurs zur Theorie der Komposition.

Der Autor ist der Leitung des Kiewer Staatlichen Kunstinstituts, Vizerektor für Forschung, Associate Professor Krivolapov Mikhail Alexandrovich, für die unschätzbare Unterstützung bei der Erstellung des Lehrbuchs „Der Goldene Schnitt in der Malerei“ zutiefst dankbar.

1 Chivilikhin V. A. Memory // Römische Zeitung. - 1985. - Nr. 4. - S. 94.

Einführung

Das System der Kunsterziehung in der UdSSR hat seine eigene Geschichte und Traditionen, die von der Akademie der Künste im 18. und 19. Jahrhundert begründet wurden. Die russische bildende Kunst, vertreten durch eine Reihe so herausragender Meister wie A. A. Ivanov, V. I. Surikov, I. E. Repin und andere, hat weltweite Anerkennung erlangt. Aber bis zum Ende des XIX Jahrhunderts. das akademische bildungssystem veraltet, nimmt routinezüge an und wird den neuen anforderungen, die das leben an die kunst stellt, nicht mehr gerecht. Künstler hingegen versuchten, die Bandbreite der Themen und Handlungsstränge ihrer Bilder zu erweitern, um die brennenden Fragen des öffentlichen Lebens zu beantworten. Dies erforderte die Erweiterung der Mittel der bildenden Kunst, die Suche nach einem neuen künstlerischen Ausdruck. Diesen Anforderungen konnte das akademische System der Kunsterziehung nicht mehr gerecht werden. Die Lehrmethoden für Zeichnen, Malen und insbesondere Komposition mussten verbessert werden. Die damaligen Naturwissenschaften lieferten eine Erklärung für viele theoretische Fragen: über Licht und Farbe, die Arbeit des Gehirns und den Aufbau des Auges, Farbwahrnehmung usw. Die damaligen Professoren der Akademie der Künste konnten sie nicht anwenden Kunsterziehung aufgrund ihrer eigenen schwachen Grundausbildung zu verbessern. Nur Pavel Petrovich Chistyakov, dieser Lehrer der Lehrer, besuchte Vorlesungen über allgemeine Physiologie des berühmten Wissenschaftlers I. R. Tarkhanov, so dass er viele Fragen der künstlerischen Praxis auf der Grundlage der Anatomie des Auges und der Physiologie des Sehens erklärte.

Die bildende Kunst des späten 19. bis frühen 20. Jahrhunderts, die sich in einer schweren Krise befand, konnte die Probleme der Verbesserung der Kunsterziehung nicht lösen. Dieser Sachverhalt trug zur Entstehung aller möglichen formalistischen Theorien und Strömungen bis hin zum Absurden bei. All dies wirkte sich auf die Kunstschule aus. Vergessen wurde das Grundprinzip des herausragenden Künstler-Lehrers P. P. Chistyakov, dass der Unterricht nicht der Willkür jedes Künstlers folgen sollte, sondern nach den Gesetzen, die in der uns umgebenden Natur liegen, und mit allen Beweisen. Der Lehrer hat kein Recht, den Schüler mit seinem subjektiven Denken in die Irre zu führen, ihn persönlichen künstlerischen Vorlieben unterzuordnen. Im Gegenteil, es wurde, genährt von einer idealistischen Ästhetik, die Vorstellung gepflegt, dass Inspiration und Gefühl für den Künstler primär sind. Nach dem Besuch einer Ausstellung mit Gemälden junger Künstler im Jahr 1893 schrieb I. E. Repin: „Dies ist das Reich der frechen Mittelmäßigkeit, der Anarchisten in der Malerei ... Die neuen Regeln gefielen dieser Legion von Muffs besonders gut. Sie müssen nicht studieren; Anatomie ist Unsinn; Zeichnen - veraltete Kalligraphie; erreichen, umschreiben - Selbstzerstörung; komponieren, suchen - alter Routineidiotie...» 1 .

Die Entstehung der sowjetischen Kunst im ersten Jahrzehnt nach dem Oktober verlief unter den Bedingungen eines scharfen Kampfes zwischen verschiedenen kreativen Gruppen, die ihre Erklärungen als die einzig richtigen proklamierten. Dieser Kampf der Richtungen und Strömungen durchdrang auch die künstlerische Pädagogik und beeinflusste stark die Ausbildung junger Künstler in Zeichnen, Malen und Komponieren. Es gab eine Theorie des "freien Lernens", die in der Praxis zu einem Mangel an Lernen führte. Realistische Künstler führten einen beharrlichen und konsequenten Kampf, um die Prinzipien des Realismus in der Schule zu etablieren. Einen großen Beitrag zur Entwicklung der sowjetischen Kunstschule leisteten D. N. Kordovsky, V. N. Meshkov, K. F. Yuon und andere. V. A. Favorsky hielt Vorlesungen über die Theorie der Komposition, die bei Schülern und Lehrern von Vkhutemas ein großer Erfolg waren. Kunstschulen wurden in der Union und den Autonomen Republiken organisiert. Es war dringend notwendig, ein einheitliches System der Kunsterziehung zu entwickeln.

1926 fand die All-Union Conference on Art Education statt. Es fand in Moskau statt. Ein Bericht über den Stand der Kunsterziehung im Land wurde vom Volkskommissar für Bildung A. V. Lunacharsky erstellt. Er stellte fest, dass es in der Musik ein kohärentes Bildungssystem gibt, das auf wissenschaftlicher Theorie basiert. Im Bereich der bildenden Kunst sieht es noch viel schlimmer aus. Abgeschlossene physikalische und mathematische Theorien wurden hier nicht entwickelt. Es wurde betont, dass bei der Entwicklung einer Theorie die physikalische Seite berücksichtigt werden muss, indem die Elemente dieser Kunst auf alle experimentellen und mathematischen Arten berücksichtigt werden, sowie die physiologische Seite, einschließlich der Struktur der relevanten Organe, und der Studium der Funktionen des Nervensystems und des Gehirns. Die Leitlinien dieses Berichts zielten darauf ab, eine wissenschaftliche Theorie der bildenden Kunst im Allgemeinen und eine wissenschaftliche Theorie der Komposition im Besonderen zu entwickeln.

Die Grundlagen der Musiktheorie wurden in der Antike gelegt. Schon der antike griechische Philosoph und Mathematiker Pythagoras und seine Schüler, die sich mit großem Enthusiasmus und Beharrlichkeit mit der Harmonielehre beschäftigten, stellten fest, dass die Tonhöhe für eine gegebene Saitenspannung von ihrer Länge abhängt. Durch Kürzen der Saiten um die Hälfte bekamen sie einen höheren Klang, durch noch mehr Kürzen - noch höher, und so weiter. So entstand der Soundtrack. Wenn man die Länge der Saite (mathematische Grundlage), die Anzahl der Schwingungen pro Sekunde (physikalische Grundlage) kennt, ist es nicht schwierig, die physikalischen und mathematischen Grundlagen der Musiktheorie zu schaffen. Auch die anatomische Struktur des Hörorgans wurde früher untersucht als die Struktur des Sehorgans. Der deutsche Physiker, Mathematiker und Physiologe Hermann Helmholtz (1821 - 1894) baute ein Ohrmodell, das es ermöglichte, die Art der Wirkung von Schallwellen auf das Gehörorgan zu studieren. Er entwickelte eine physikalische und physiologische Theorie der Wahrnehmung musikalischer Klänge und veröffentlichte 1862 das Buch The Teaching of Auditory Sensations as a Physiological Basis for Music Theory.

In der Musik geht der Kompositionskunst zwangsläufig eine grundlegende Kenntnis der Harmonielehre voraus. In der bildenden Kunst herrscht immer noch die Meinung vor, dass die Theorie dem Künstler schade, dass die Kenntnis der Proportionslehre nicht notwendig sei. Darüber hinaus glauben viele, dass die Kenntnis des Gesetzes des Goldenen Schnitts die freie intuitive Kreativität beeinträchtigt. Außerdem wird zu viel Hoffnung auf die Natur gesetzt (aus der Natur schöpfen, aus der Natur schreiben, nach einer Komposition in der Natur Ausschau halten). Das ist eine große und tiefe Täuschung. Viele Künstler, die das Zeichnen und Schreiben nach der Natur gelernt haben, aber die Kompositionstheorie nicht kennen, werden nie zu "Komponisten", zu wahren Schöpfern. Die Meister des antiken Griechenlands, die den goldenen Schnitt, der im Wesentlichen sehr einfach ist, bewusst einzusetzen wussten, wandten seine harmonischen Werte gekonnt in allen Arten von Kunst an und erreichten eine solche Perfektion in der Struktur der Formen, die ihre sozialen Ideale ausdrückten findet sich selten in der Praxis der Weltkunst. Die gesamte antike Kultur ging unter dem Zeichen des Goldenen Schnitts vorüber. Dieser Anteil war auch im alten Ägypten bekannt.

Das Wissen um die Gesetze des Goldenen Schnitts oder der kontinuierlichen Teilung, wie es einige Forscher der Proportionslehre nennen, hilft dem Künstler, bewusst und frei zu schaffen. Mit den Gesetzen der Goldenen Teilung kann man die proportionale Struktur jedes Kunstwerks erforschen, auch wenn es auf der Grundlage kreativer Intuition geschaffen wurde. Diese Seite der Sache ist von nicht geringer Bedeutung für das Studium des klassischen Erbes und für die Analyse der Kunstkritik an Werken aller Arten von Kunst.

Der jugoslawische Forscher der kontinuierlichen Teilung D. Petrovich stellt in dem Buch „The Theorists of Proportions“ fest, dass in letzter Zeit ein völlig natürliches Bedürfnis bestand, eine einheitliche Proportionstheorie zu erstellen, und der Goldene Schnitt in dieser Hinsicht allgemeines Interesse geweckt hat . D. Petrovich listet 133 Quellen auf, die sich mit Proportionen befassen, und verweist den Leser auf das bibliographische Nachschlagewerk zum Problem der Proportionierung, das etwa 900 Einträge enthält. Sein Fazit: Die umfassende Erforschung des Phänomens der kontinuierlichen Teilung (Goldener Schnitt) in Natur und Kunst sagt ihm eine große Zukunft auf dem Gebiet der Komposition voraus 2 .

Jetzt können wir mit Zuversicht sagen, dass der Goldene Schnitt die Grundlage der Formgebung ist, deren Verwendung die Vielfalt der Kompositionsformen in allen Arten von Kunst sicherstellt und zur Schaffung einer wissenschaftlichen Kompositionstheorie und einer einheitlichen Theorie der bildenden Künste führt . Die Naturwissenschaften haben uns bereits genügend wissenschaftliche Informationen über Licht, Auge und Gehirn und visuelle Wahrnehmung geliefert. Daher wurde die Erstellung einer solchen Theorie auf rein wissenschaftlicher Grundlage durchaus möglich.

Die Geschichte der Proportionslehre ist die Geschichte der Suche nach der Theorie von Harmonie und Schönheit. Alle antiken Ästhetiken, wie auch die Ästhetik der Renaissance, suchten die Gesetze der Schönheit in der Verhältnismäßigkeit von Einzelteilen, Teilen und dem Ganzen. Diese Formkommensurabilität ist durch die Proportionen des Goldenen Schnitts und der Symmetrie gegeben.

Wir werden nicht gegen die Wahrheit sündigen, wenn wir sagen: Alle Wege führen zum Goldenen Schnitt. Der Mensch – die beste, vollkommenste Schöpfung der Natur – wurde in den Proportionen der kontinuierlichen Teilung geschaffen. Es verwirklichte den Anteil des goldenen Schnitts sowohl im Allgemeinen als auch in Teilen: in der Arbeit des Gehirns und des Herzens, der Struktur des Auges, den Proportionen der Teile des Gesichts, der Hand, der Hand und des gesamten Körpers.

Wir sind es gewohnt zu wiederholen, dass die Natur ein großartiger Lehrer ist und der Künstler ein Schüler der Natur. Wie sind diese Wörter zu verstehen? Soll der Künstler ständig nach dem Leben schöpfen, Hunderte von Skizzen schreiben, alles aus der Natur bereithalten und kopieren, nach geeigneten Kompositionsszenen suchen oder die Kompositionstechniken der Natur und die Gesetzmäßigkeiten der Formgebung studieren? Sollte er verstehen, wie die Natur aus einer einzigen Materie verschiedene Formen nach einem einzigen Plan zu schaffen vermag? Sollte eine Künstlerin nach den bekannten Gesetzen der Natur erschaffen, ihre großartige Arbeit fortsetzen, ihre Sprache sprechen und Werke nach den Gesetzen der Harmonie und Schönheit schaffen? Diese Fragen versucht der Autor in seinem Werk zu beantworten.

Das Buch widmet sich dem Goldenen Schnitt in der Malerei, seinem theoretischen Verständnis und seiner Rolle in der praktischen Arbeit des Malers. Die Entwicklung unserer bildenden Kunst und ihrer Theorie ist so geprägt, dass Künstler über den Goldenen Schnitt in der Malerei sehr wenig wissen, meist vom Hörensagen oder gar nicht wissen.

Über die Verwendung des Goldenen Schnitts in der Architektur ist viel geschrieben worden. PE Shpara weist in dem Buch „Technical Aesthetics and the Fundamentals of Artistic Design“ darauf hin, dass in der Architekturtheorie Fragen der Komposition am ausführlichsten entwickelt werden und ein besonderes Thema der Theorie der architektonischen Komposition und des Goldenen Schnitts darin darstellen Theorie nimmt ihren angemessenen Platz ein 3 .

Die Regeln der goldenen Zahl werden nicht nur von Architekten, sondern auch von Designern, Mathematikern und anderen Spezialisten untersucht. 1979 veröffentlichte der Verlag "Prosveshchenie" (M.) ein von B. V. Naumov und E. D. Shchedrin herausgegebenes Lehrbuch "Künstlerische Gestaltung" für pädagogische Institute, in dem das Thema Proportionen und der goldene Schnitt berücksichtigt wurden. Aber die Autoren können nicht sagen, warum wir gerne Kunstwerke betrachten, bei denen die Proportionen des Goldenen Schnitts erhalten bleiben, warum sie einen ästhetischen Eindruck machen.

Erfreulich ist, dass Autoren von Werken zu malerischen, ästhetischen und naturwissenschaftlichen Fragestellungen zunehmend auf den Goldenen Schnitt achten und dort eine positive Bewertung finden. „Eine der Proportionsarten, der sogenannte „Goldene Schnitt“, ist in der Natur weit verbreitet und wird von Menschen verwendet“, betont V. S. Kornienko in dem Buch „On the Laws of Beauty“ 4 . O. Ya. Kochik, der den Wunsch des Künstlers VE Borisov-Musatov zu einer solchen Konstruktion des Bildes feststellt, in der es logisch organisiert wird und strengen Formgesetzen unterliegt, gibt Beispiele für die Verwendung der Proportionen des Goldenen Abschnitt in seinen Gemälden „Gobelin“, „Teich“ und Skizze des Wandgemäldes „Herbstabend“ 5 .

P. I. Gavrilyuk widmete der Betrachtung des Goldenen Schnitts in seinem Buch „The Problem of Aesthetic and Control Theory“ 6 große Aufmerksamkeit. In O. Butkevichs grundlegendem Werk „Schönheit“ stehen die Worte: „Wir sind fasziniert von Harmonie und Gleichgewicht, aber nicht nur von mechanischer Symmetrie … wir sind fasziniert vom Goldenen Schnitt …“ 7 .

1982 erschien im Verlag „Vishcha Shkola“ (K.) ein Lehrbuch „Grundlagen der künstlerischen Gestaltung“. Der Autor des Handbuchs, IT Volkotrub, spricht im Abschnitt „Muster und Kompositionsmittel“ von der großen Bedeutung der Proportionen, die die Proportionalität und Harmonie der Elemente der Form bestimmen, und betont, dass der „Goldene Schnitt“ hervorsticht unter ihnen. Die Form, organisiert nach den Proportionen des Goldenen Schnitts, erweckt den Eindruck von Schönheit, Anmut, Konsistenz, Proportionalität, Harmonie. Er stellt auch fest, dass das Geheimnis des Goldenen Schnitts in der Antike bekannt war: Ägyptische Tempel, Pyramiden, der altgriechische Tempel des Parthenon und die Statuen von Phidias - all dies ist das Ergebnis der praktischen Anwendung des Verhältnisses des Goldenen Schnitts von Architekten und Künstlern. Albrecht Dürer bemerkte es in den Proportionen des menschlichen Körpers. Er war mit dem großen Meister Antonio Stradivari gut bekannt, der dieses Verhältnis beim Bau seiner berühmten Geigen verwendete 8 .

Eine Vorstellung von den zeitlichen Grenzen der praktischen Anwendung der goldenen Zahl bei der Schaffung von Kunstwerken gibt das Buch von N. A. Pomerantseva "Ästhetische Grundlagen der Kunst des alten Ägypten". Das Buch zeigt, dass "... das System der Proportionen die Grundlage war, die die Synthese aller Arten von Kunst gewährleistete und alle Elemente innerhalb der Komposition in ein harmonisches Gleichgewicht brachte" 9 .

1986 erschien das Buch "The Principle of Proportion" (M.) von I. Shevelev, in dem die Prinzipien der Formgebung in der Natur ausführlich betrachtet und die Rolle des Goldenen Schnitts aufgezeigt werden.

Das Motiv, die Rolle des Goldenen Schnitts in der Malerei zu studieren, war die Notwendigkeit meiner pädagogischen und kreativen Praxis. Das Befolgen der pädagogischen Prinzipien von PP Chistyakov veranlasste ihn, sich und seinen Schülern eine klare und verständliche Antwort auf alle Fragen im Zusammenhang mit der Arbeit am Bild zu geben: die Wahl des Blickwinkels, die Perspektive und den kompositorischen Aufbau des Bildes, die Konstruktion von Farbe, die Organisation des Aufmerksamkeitszentrums und damit die Unterordnung aller visuellen Ausdrucksmittel der Malerei zum vollkommensten Ausdruck der Idee - der Bildidee. Damit verbunden ist die Möglichkeit der stärksten Wirkung des Bildes auf den Betrachter.

Das Studium der Literatur zum Goldenen Schnitt kann einen jungen Künstler nicht nur viele Stunden und Tage, sondern Monate und Jahre in Anspruch nehmen, die so notwendig sind, um seine künstlerischen Fähigkeiten zu verbessern. Gleichzeitig kann ein Künstler, ohne die Doktrin des Goldenen Schnitts zu kennen, wie eine Person werden, die blind nach einer Tür in einem dunklen Raum sucht. Ohne Kenntnis der Gesetze des Goldenen Schnitts wird er niemals jene Höhen künstlerischer Perfektion erreichen können, zu denen die klassischen Künstler aufstiegen. Ein Künstler, der nicht mit Wissen ausgestattet ist, wird immer von allen möglichen Zufällen und Fehleinschätzungen gefesselt sein, die den künstlerischen Wert seiner Arbeit unweigerlich mindern werden.

Die Regeln des Goldenen Schnitts manifestieren sich nicht nur in der linearen Konstruktion eines Bildes auf einer Ebene. Sie gelten für die gesamte Fläche der Leinwand bei der Entscheidung über den allgemeinen Lichtton des Bildes und beim Aufbau der Farbe und damit für alle Komponenten der künstlerischen Form. Dieses Buch zeigt, dass die Manifestation der Gesetze des goldenen Schnitts, der Symmetrie und des Rhythmus in Kunstwerken nicht ihrer Autonomie geschuldet ist, sondern immer der Identifizierung der Bedeutung, der Idee des Werks, am vollständigsten unterliegt und klare Offenlegung ihres Inhalts. Dabei werden die Gesetzmäßigkeiten der visuellen Wahrnehmung und die emotionale Wirkung auf den Betrachter berücksichtigt. Die Gesetze und Regeln der Komposition, Techniken zur Konstruktion eines Bildes werden angegeben, ein Schema der allgemeinen Theorie der bildenden Kunst wird vorgeschlagen.

1 Repin I.E. Weit - nah. - M., 1937. - S. 537.

2 Petrovich D. Proportionstheoretiker. - M., 1979. - 193 p.

3 Shpara P. E. Technische Ästhetik und die Grundlagen der künstlerischen Gestaltung. - K., 1984. - S. 28.

4 Kornienko V. S. Über die Gesetze der Schönheit. - Charkow, 1970. - S. 154.

5 Kochik O. Ya. Malsystem von V. E. Borisov-Musatov. - M., 1980. - S. 30, 128 und 139.

6 Gavrilyuk P. I. Das Problem der Ästhetik und Managementtheorie.- K., 1970.-S. 29, 60-65.

7 Butkevich O. Schönheit. - L., 1979. - S. 114.

8 Volkotrub I. T. Grundlagen der künstlerischen Gestaltung. - K., 1982. - S. 38.

9 Pomerantseva N. A. Ästhetische Grundlagen der Kunst des alten Ägypten. - M., 1985. - S. 111.

I. Der goldene Schnitt und kompositorische Fragen

Über den Goldenen Schnitt

Die Geometrie hat zwei Schätze: Einer davon ist der Satz des Pythagoras und der andere die Teilung eines Segments im mittleren und äußersten Verhältnis.

I. Kepler (1571-1630)

Goldener Schnitt und Symmetrie

Der Goldene Schnitt kann nicht ohne Verbindung zur Symmetrie separat betrachtet werden. Der große russische Kristallograph GV Vul'f (1863 - 1925) betrachtete den Goldenen Schnitt als eine der Manifestationen der Symmetrie.

Die Goldene Teilung ist keine Manifestation von Asymmetrie, etwas Gegenteil von Symmetrie. Nach modernen Vorstellungen ist die Goldene Teilung eine asymmetrische Symmetrie. Jetzt hat die Wissenschaft der Symmetrie Konzepte wie statische und dynamische Symmetrie aufgenommen. Statische Symmetrie kennzeichnet Ruhe, Gleichgewicht und dynamische Symmetrie kennzeichnet Bewegung, Wachstum. In der Natur wird statische Symmetrie also durch die Struktur von Kristallen repräsentiert, und in der Kunst charakterisiert sie Frieden, Ausgeglichenheit und sogar Steifheit. Dynamische Symmetrie drückt Aktivität aus, charakterisiert Bewegung, Entwicklung, Rhythmus, sie zeugt von Leben. Symmetrien sind durch gleiche Segmente, gleiche Größenordnungen gekennzeichnet. Die dynamische Symmetrie ist durch eine Zunahme der Segmente (oder deren Abnahme) gekennzeichnet und wird in den Werten des Goldenen Schnitts einer zunehmenden oder abnehmenden Reihe ausgedrückt.

Die Kunstform, die auf den Proportionen des Goldenen Schnitts und insbesondere der Kombination von Symmetrie und Goldenem Schnitt basiert, ist eine hochgradig organisierte Form, die zum klarsten Inhaltsausdruck, zur einfachsten visuellen Wahrnehmung und zum Erscheinen eines Sinnes beiträgt Schönheit im Betrachter.

Sehr oft gibt es in ein und demselben Gemälde eine Kombination aus symmetrischer Teilung in gleiche Teile entlang der Vertikalen und Teilung in ungleiche Teile entlang des goldenen Schnitts entlang der Horizontalen.

Leonardo da Vincis Gemälde "Madonna in der Grotte" ist nicht streng symmetrisch, aber seine Konstruktion basiert auf Symmetrie (Abb. 17, a). Der gesamte Inhalt des Bildes drückt sich in den Zahlen aus, die sich in seinem unteren Teil befinden. Sie passen in ein Quadrat. Doch mit diesem Format begnügte sich der Künstler nicht. Er vervollständigt das Rechteck des Goldenen Schnitts über dem Quadrat (Abb. 17, b). Durch diese Konstruktion erhielt das Gesamtbild das Format eines senkrecht gestellten goldenen Rechtecks. Mit einem Radius, der der halben Seite des Quadrats entspricht, beschrieb er einen Kreis und erhielt einen Halbkreis des oberen Teils des Bildes. Unten kreuzte der Bogen die Symmetrieachse und zeigte die Größe eines weiteren Rechtecks im goldenen Schnitt im unteren Teil des Bildes an (Abb. 17, c). Dann wird mit einem Radius gleich der Seite des Quadrats ein neuer Bogen beschrieben, der Punkte auf den vertikalen Seiten des Bildes ergibt. Diese Punkte halfen beim Aufbau eines gleichseitigen Dreiecks, das den Rahmen für den Aufbau der gesamten Figurengruppe bildete. Alle Proportionen im Bild wurden von der Bildhöhe abgeleitet. Sie bilden eine Reihe von Beziehungen des Goldenen Schnitts und dienen als Grundlage für die Harmonie von Formen und Rhythmen, die eine verborgene Ladung emotionaler Wirkung tragen. Raffaels Gemälde „Die Verlobung Mariens“ ist ähnlich aufgebaut (Abb. 18).

Wenn wir uns der alten russischen Malerei zuwenden, Ikonen des 15. bis 16. Jahrhunderts, werden wir die gleichen Methoden zur Konstruktion eines Bildes sehen. Symbole im Hochformat sind vertikal symmetrisch, und horizontale Unterteilungen erfolgen nach dem Goldenen Schnitt. Die Ikone „Höllenfahrt“ von Dionysius und der Werkstatt (Abb. 19) ist mit mathematischer Genauigkeit in den Proportionen des Goldenen Schnitts berechnet.

In der Ikone des späten XV Jahrhunderts. "The Miracle of Flora and Lavra" führte das dreifache Verhältnis des Goldenen Schnitts durch. Zuerst teilte der Meister die Höhe des Symbols in zwei gleiche Teile. Er nahm den obersten unter dem Bild eines Engels und Heiligen. Er teilte den unteren Teil in zwei ungleiche Segmente im Verhältnis 3:2. Als Ergebnis erhielt er das Verhältnis der drei Werte des Goldenen Schnitts: a:b, wie b:c. In Zahlen sieht es so aus: 100, 62, 38 und halbiert - 50, 31, 19.

Über die Symmetrie der Dreieinigkeit wurde von Andrei Rublev viel geschrieben. Aber niemand achtete darauf, dass das Prinzip der goldenen Proportionen entlang der horizontalen Linien umgesetzt wurde (Abb. 20). Die Höhe des mittleren Engels steht im Verhältnis zur Höhe der seitlichen Engel, ebenso wie ihre Höhe im Verhältnis zur Höhe des gesamten Symbols steht. Die Linie des goldenen Schnitts kreuzt die Symmetrieachse in der Mitte des Tisches und der Schale mit dem Opferkalb. Dies ist das kompositorische Schloss der Ikone. Die Abbildung zeigt auch kleinere Werte der Goldenen Schnittreihe. Neben der Geschmeidigkeit der Linien und der Farbe spielen die Proportionen der Icons eine wesentliche Rolle für den Gesamteindruck, den der Betrachter beim Betrachten erlebt.

Reis. 17. Die Verwendung der Symmetrie und des goldenen Schnitts im Gemälde von Leonardo da Vinci „Madonna in der Grotte“: a – die Proportionen des goldenen Schnitts: b – die Platzierung der Zeichen im Bild in einem Quadrat; c - Schema der linearen Konstruktion des Bildes.

Reis. 18. Die Verwendung von Symmetrie und dem Goldenen Schnitt in Raffaels Gemälde „Die Verlobung Mariens“

Reis. 19. Goldene Proportionen in der linearen Konstruktion des Bildes auf der Ikone "Abstieg in die Hölle" von Dionysius und der Werkstatt (XVI Jahrhundert)

Reis. 20. Symmetrie und goldene Proportionen in der linearen Konstruktion von „Trinity“ von Andrey Rublev

Reis. 21. Symmetrie und goldene Proportionen in der linearen Darstellung der Himmelfahrt von Theophanes dem Griechen

Reis. 22. Goldene Proportionen im linearen Aufbau des Bildes auf dem Teller des Pharaos Narmer (3. Jahrtausend v. Chr.)

Die Ikone von Theophan, der griechischen „Himmelfahrt“ (Abb. 21), erscheint unseren Augen als mächtiger Choral. Symmetrie und der goldene Schnitt in der Konstruktion verleihen dieser Ikone eine solche Kraft und Harmonie, die wir sehen und fühlen, wenn wir griechische Tempel sehen und Bachs Fugen hören. Es ist leicht zu erkennen, dass die Komposition von „Himmelfahrt“ von Theophan dem Griechen und Andrey Rublevs „Dreifaltigkeit“ ein und dieselbe ist. Forscher der Arbeit alter russischer Künstler stellen fest, dass das Verdienst von Theophan dem Griechen nicht so sehr darin besteht, dass er Fresken und Ikonen für russische Kathedralen und Kirchen malte, sondern dass er Andrey Rublev die alte Weisheit lehrte.

Vervollständigen wir das Lob des Commonwealth of Symmetry und des Goldenen Schnitts, indem wir die Proportionen der Siegesplatte des ägyptischen Pharaos Narmer (3. Jahrtausend v. Chr.) Betrachten. Das Rechteck im goldenen Schnitt ist die ursprüngliche Form der Narmer-Platte (Abb. 22). Die Platte ist in Bänder unterteilt, deren Höhe in den Proportionen des goldenen Schnitts gehalten wird. Die Höhe der Figur des Pharaos - vom oberen Gürtel bis zum unteren - beträgt 62 Teile der Höhe. Der untere Teil der Platte vom Gürtel bis zum Rand beträgt 24 Teile und der obere Teil vom oberen Gürtel bis zum oberen Rand 14 Teile. Der rhythmische Aufbau der Plattenrückseite ist etwas anders, da der Bildinhalt einen anderen Vergleich von Anteilswerten erforderte. Die Proportionen des goldenen Schnitts und der Symmetrie ergeben eine unendliche Vielfalt kompositorischer Konstruktionen sowohl in der Natur selbst als auch in Kunstwerken aller Art und Art.

Geschichte des Goldenen Schnitts

Die Geschichte des Goldenen Schnitts ist interessant und faszinierend. Sie bestätigt einmal mehr, dass die Geheimnisse der Natur von ihr verborgen und eifersüchtig gehütet werden. Das Geheimnis des Goldenen Schnitts ist da keine Ausnahme.

1911 besuchte der französische Künstler Henri Matisse (1869 - 1954) Russland. In Moskau sah er alte russische Ikonen. „Die Russen ahnen nicht einmal, welchen künstlerischen Reichtum sie besitzen ... Ihre jungen Studenten hier zu Hause haben unvergleichlich bessere Beispiele der Kunst ... als im Ausland. Französische Künstler sollten in Russland studieren gehen: Italien gibt in diesem Bereich weniger“, schrieb der Künstler später 1 .

Viele Jahre später erinnerte sich Matisse, wie „berührt“ er von der altrussischen Kunst war und welche Auswirkungen sie auf seine Arbeit hatte: „Je stärker man sich ihm hingibt, desto deutlicher sieht man, dass seine Errungenschaften von der Tradition getragen werden – einer alten Tradition.“ 2 . Matisse hatte natürlich die Traditionen der klassischen griechischen Kunst im Sinn. Er sah, dass Russland durch Byzanz die lebendige Tradition der antiken Kunst erbte und in ihren historischen und nationalen Bedingungen fortsetzte. Während Italien die Antike wiederbelebte und versuchte, aus den Trümmern und Ruinen ein vollständiges Bild der Antike zu zeichnen, erreichte die Kunst der Malerei und Architektur in Russland große Höhen.

In der Sowjetunion angekommen, nimmt der amerikanische Künstler Anton Refregier begeistert die erhaltenen Wandmalereien alter russischer Künstler wahr. „Ich betrachte die majestätischen Wandmalereien alter russischer Kirchen und bin immer wieder beeindruckt von der Tiefe des Humanismus der Kunst, die sich über das kirchliche Dogma erhoben hat, um den emotionalen Geist der Menschen auszudrücken. Und ich betrachte mit Erstaunen den Aufbau der Komposition, die Proportionen der Friese an den Wänden. Hier können wir auch das Wissen um das Gesetz der dynamischen Symmetrie lernen, den absoluten Glauben der Künstler an diese Gesetze, der von den alten Griechen offenbart und in allen großen Perioden der Architektur und Malerei bestätigt wurde “, schrieb er in dem Artikel „In einer Sprache verständlich für die Massen “, veröffentlicht in der Zeitung„ Soviet Culture “, 21. Mai 1974. Im selben Artikel weist Anton Refregier auf die Vorzüge der Werke von Renaissancekünstlern hin: „Ich würde zwei solcher Qualitäten nennen - tiefen Humanismus (dieser Inhalt) und ein verantwortungsbewusster, respektvoller Umgang mit den Besonderheiten der Wandmalerei, Kenntnis der Geometrie, dynamische Symmetrie, Regeln "der goldenen Mitte" (das ist eine Form) ... Ein Künstler, der sich nicht mit Geometrie auskennt, mit dem Gesetz der dynamischen Symmetrie, Er kann höchstens alles in einer bestimmten Reihenfolge anordnen, ansonsten eine Collage erstellen. Eine so hohe Wertschätzung des Goldenen Schnitts und seiner Manifestation in der russischen Kunst ermutigt uns natürlich, dieses Phänomen zu studieren.

Es ist allgemein anerkannt, dass das Konzept der goldenen Teilung von Pythagoras, einem antiken griechischen Philosophen und Mathematiker (6. Jahrhundert v. Chr.), in die wissenschaftliche Verwendung eingeführt wurde. Es wird angenommen, dass Pythagoras sein Wissen über die goldene Teilung von den Ägyptern und Babyloniern entlehnt hat. Tatsächlich weisen die Proportionen der Cheopspyramide, Tempel, Flachreliefs, Haushaltsgegenstände und Dekorationen aus dem Grab von Tutanchamoia darauf hin, dass die ägyptischen Handwerker bei ihrer Erstellung die Verhältnisse der goldenen Teilung verwendeten. Der französische Architekt Le Corbusier fand heraus, dass beim Relief aus dem Tempel des Pharao Sethos I. in Abydos und beim Relief, das den Pharao Ramses darstellt, die Proportionen der Figuren den Werten der goldenen Teilung entsprechen. Der Architekt Khesira, abgebildet auf einem Relief einer Holztafel aus dem Grab seines Namens, hält Messinstrumente in den Händen, in denen die Proportionen der goldenen Teilung fixiert sind. Die Platte des Pharaos Narmer wurde bereits erwähnt (Abb. 22), gebaut in den Proportionen der goldenen Teilung.

Die Griechen waren geschickte Geometer. Sogar das Rechnen wurde ihren Kindern mit Hilfe geometrischer Figuren beigebracht. Das Quadrat von Pythagoras und die Diagonale dieses Quadrats waren die Grundlage für die Konstruktion dynamischer Rechtecke (Abb. 23, a).

Auch Platon (427 - 347 v. Chr.) wusste um die goldene Teilung. Sein Dialog „Timaeus“ widmet sich den mathematisch-ästhetischen Anschauungen der Schule des Pythagoras und insbesondere den Fragen der Goldenen Teilung.

In der Fassade des antiken griechischen Tempels des Parthenon gibt es goldene Proportionen. Bei seinen Ausgrabungen wurden Kompasse gefunden, die von Architekten und Bildhauern der Antike verwendet wurden. Der pompejanische Kompass (Museum in Neapel) enthält auch die Proportionen der goldenen Teilung (Abb. 23, b).

Reis. 23. Dynamische Rechtecke (a) und antike Zirkel des Goldenen Schnitts (b)

In der uns überlieferten antiken Literatur wurde die goldene Teilung erstmals in Euklids Elementen erwähnt. Im 2. Buch der „Anfänge“ wird die geometrische Konstruktion der Goldenen Teilung angegeben. Nach Euklid beschäftigten sich Hypsicles (2. Jh. v. Chr.), Pappus (3. Jh. n. Chr.) und andere mit der Goldenen Teilung, die sie im mittelalterlichen Europa aus arabischen Übersetzungen von Euklids „Anfängen“ kennenlernten. Der Übersetzer J. Campano aus Navarra (3. Jahrhundert) kommentierte die Übersetzung. Die Geheimnisse der Golden Division wurden eifersüchtig gehütet und streng geheim gehalten. Sie waren nur den Eingeweihten bekannt.

Der Name des italienischen Mathematikermönchs Leonardo aus Pisa, besser bekannt als Fibonacci (Sohn des Bonacci), ist indirekt mit der Geschichte des Goldenen Schnitts verwoben. Er reiste viel in den Osten, führte Europa in indische (arabische) Ziffern ein. 1202 erschien sein mathematisches Werk The Book of the Abacus (Counting Board), in dem alle damals bekannten Probleme gesammelt wurden. Eine der Aufgaben lautete: „Wie viele Kaninchenpaare werden in einem Jahr aus einem Paar geboren?“ In Anbetracht dieses Themas baute Fibonacci die folgende Zahlenreihe auf:

Die Zahlenreihe 0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55 usw. wurde in der Wissenschaft als Fibonacci-Reihe bekannt. Seine Besonderheit liegt darin, dass jedes seiner Mitglieder, beginnend mit dem dritten, gleich der Summe der beiden vorherigen ist: 2 + 3=5; 3+5 = 8; 5+8=13; 8 + 13 = 21; 13 + 21 \u003d 34 usw., und das Verhältnis der Zahlen der Reihe nähert sich immer mehr dem Verhältnis der goldenen Teilung. Also 21:34 = 0,617 und 34:55 = 0,618. Dieses Verhältnis wird mit dem Symbol F bezeichnet. Nur dieses Verhältnis - 0,618: 0,382 - ergibt eine kontinuierliche Teilung eines geraden Liniensegments im Goldenen Schnitt, wodurch es vergrößert oder bis ins Unendliche verringert wird, wenn das kleinere Segment mit dem größeren in Beziehung steht der größere ist für alles. Die Fibonacci-Reihe hätte nur ein mathematischer Vorfall (Fall) bleiben können, wenn nicht alle Forscher der goldenen Teilung in der Pflanzenwelt, sowie in der Tierwelt, von der Kunst ganz zu schweigen, ausnahmslos darauf gekommen wären Reihe als arithmetischer Ausdruck des Goldenen Teilungsgesetzes .

Während der Renaissance stieg das Interesse an der goldenen Teilung unter Wissenschaftlern und Künstlern aufgrund ihrer Verwendung sowohl in der Geometrie als auch in der Kunst, insbesondere in der Architektur. Leonardo da Vinci, ein Künstler und Wissenschaftler, sah, dass italienische Künstler viel empirische Erfahrung, aber wenig Wissen hatten. Er konzipierte und begann ein Buch über Geometrie zu schreiben, aber zu dieser Zeit erschien ein Buch des Mönchs Luca Pacioli, und Leonardo gab seine Idee auf. Laut Zeitgenossen und Wissenschaftshistorikern war Luca Pacioli eine echte Koryphäe, der größte Mathematiker Italiens zwischen Fibonacci und Galileo. Luca Pacioli war Schüler des Künstlers Piero della Francesca, der zwei Bücher schrieb, von denen eines den Titel On Perspective in Painting trug. Er wird als Schöpfer der darstellenden Geometrie bezeichnet.

Luca Pacioli war sich der Bedeutung der Wissenschaft für die Kunst bewusst. 1496 kam er auf Einladung des Herzogs Moreau nach Mailand, wo er Vorlesungen über Mathematik hielt. Auch Leonardo da Vinci wirkte zu dieser Zeit am Hof der Moro in Mailand. Sie wurden Freunde. 1509 wurde Luca Paciolis Divine Proportion in Venedig mit brillant ausgeführten Illustrationen veröffentlicht, weshalb angenommen wird, dass sie von Leonardo da Vinci stammen. Das Buch war eine begeisterte Hymne an den Goldenen Schnitt. Unter den vielen Vorteilen des Goldenen Schnitts versäumte es der Mönch Luca Pacioli nicht, dessen „göttliche Essenz“ als Ausdruck der göttlichen Dreifaltigkeit zu nennen: Gott der Sohn, Gott der Vater und Gott der heilige Geist (man verstand, dass der kleine Segment ist die Personifikation von Gott dem Sohn, das größere Segment - der Gott des Heiligen Geistes). Ein mystischer Schleier wurde über den Goldenen Schnitt geworfen.

Auch Leonardo da Vinci widmete dem Studium der Goldenen Teilung große Aufmerksamkeit. Er fertigte Abschnitte eines stereometrischen Körpers an, der aus regelmäßigen Fünfecken bestand, und jedes Mal erhielt er Rechtecke mit Seitenverhältnissen in goldener Teilung. Daher gab er dieser Unterteilung den Namen Goldener Schnitt. So wird es in der Wissenschaft bis heute als das beliebteste gehalten.

Es ist bezeichnend, dass zur gleichen Zeit im Norden Europas, in Deutschland, Albrecht Dürer an denselben Problemen arbeitete. Er skizziert eine Einleitung zum ersten Entwurf einer Abhandlung über Proportionen. Dürer schreibt: „... Es ist notwendig, dass derjenige, der etwas weiß, es anderen beibringt, die es brauchen. Das habe ich mir vorgenommen."

Dürer beklagt, dass die Geheimnisse der Alten verloren gegangen sind, dass die Kirchenväter nicht alles, was von den Alten übrig geblieben ist, so gewaltsam zerstören sollten. Einem Brief Dürers nach zu urteilen, traf er Luca Pacioli während seines Aufenthalts in Italien. Albrecht Dürer entwickelt ausführlich die Theorie der Proportionen des menschlichen Körpers. Dürer wies dem Goldenen Schnitt einen wichtigen Platz in seinem Verhältnissystem zu. Das Wachstum einer Person wird durch die Gürtellinie sowie eine Linie, die durch die Spitzen der Mittelfinger der gesenkten Hände, den unteren Teil des Gesichts gezogen wird - durch den Mund usw. - in goldene Proportionen unterteilt. Dürers proportionaler Kompass ist bekannt.

Großer Astronom des 16. Jahrhunderts Johannes Kepler nannte den Goldenen Schnitt einen der Schätze der Geometrie. Er macht erstmals auf die Bedeutung des Goldenen Schnitts für die Botanik (Pflanzenwachstum und -struktur) aufmerksam.

In den folgenden Jahrhunderten wurde die Regel des Goldenen Schnitts zu einem akademischen Kanon, und als in der Kunst mit der Zeit ein Kampf mit dem akademischen Alltag begann, „hat man in der Hitze des Kampfes das Kind mit dem Wasser rausgeschmissen. ” Mitte des 19. Jahrhunderts wurde der Goldene Schnitt wieder „entdeckt“. 1855 wurde der deutsche Forscher des Goldenen Schnitts professionell

Goldener Schnitt in der Malerei. Kovalev F.V.

Kiew: 1989 - 1 44 S.

Umrissen werden die Gestaltungsmuster in Natur und Kunst, die visuelle Wahrnehmung und der kompositorische Aufbau des Bildes. Die Rolle des Goldenen Schnitts wird gezeigt. Es werden Empfehlungen zur praktischen Anwendung des Goldenen Schnitts gegeben, um eine ganzheitliche harmonische Form zu schaffen, die den Inhalt eines Gemäldes am besten zum Ausdruck bringt und das Schönheitsbedürfnis eines Menschen befriedigt. Für Kunstinstitute und Schulen.

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Inhaltsverzeichnis
Vorwort 3
Einführung 4
Erstes Kapitel Der Goldene Schnitt und kompositorische Fragen zum Goldenen Schnitt 8
Goldener Schnitt - Harmonischer Anteil 8
Goldener Schnitt und Symmetrie 19
Geschichte des Goldenen Schnitts 26
Naturwissenschaftliche Grundlagen der Kompositionslehre 30
Gestaltungsprinzipien in der Natur 30
Muster der visuellen Wahrnehmung 33
Lichteindrücke objektivieren 36
Wissenschaftliche Kompositionstheorie 39
Definition der Zusammensetzung 39
Die Suche nach den Kompositionsgesetzen 41
Was ist die wissenschaftliche Theorie der Zusammensetzung 42
Menschliche Kreativität 43
Gesetze, Regeln, Techniken und Kompositionsmittel 46
Zweites Kapitel Praktische Komposition
Komposition beim Arbeiten aus dem Leben 56
Standpunkt 56
Distanz zum Thema. Die Größe des Bildes auf der Netzhaut.
Objektentfernungsübertragung 58
Imaginäres Bild und reales Bild 59
Möglichkeiten zur Bestimmung der Blickwinkel beim Arbeiten nach der Natur 63
Mechanische Bildgebungsverfahren 66
Techniken kompositorischer Konstruktionen 67
Analyse der Malerei 67
Komposition von Stilleben und Interieur 69
Landschaftskomposition 70
Über das Porträt. Außenproduktionen 73
Der Platz des Künstlers vor dem Bild 75
Bildintegrität 79
Kapitel 3 Malerei
Der goldene Schnitt im linearen Aufbau des Bildes 80
Idee, Format, Rhythmus und Goldener Schnitt 80
Skizze eines Gemäldes. Entfernungen berechnen und das „inverse Problem“ lösen 85
Der geometrische Mittelpunkt des Bildes und die Linie des Goldenen Schnitts. Harmonisierung des Formulars 91
Die Hauptblickrichtung im Bild 91
Kompositionsalgorithmus zum linearen Aufbau eines Bildes 94
Goldener Schnitt und Zusammensetzung der Eustlotte-Töne 94
Licht und Auge 94
Gesamtlichtton 98
Das Gesetz der Dreifaltigkeit und das Prinzip der Intimität 98
Komposition von Lichttönen 102
Goldener Schnitt und Farbkomposition 106
Allgemeiner Farbton des Gemäldes 109
Palettenlimit 111
Farbsysteme und Modelle 112
Farbsymmetrie. Kontrast und Nuance 113
Farbharmonie 114
Aufbau und Entwicklung der Farbe. Vollständiger Kompositionsalgorithmus der Malerei 115
Viertes Kapitel Wissenschaftlich und intuitiv im Werk des Künstlers
Gemäldegröße 118
Der künstlerische Aufbau des Gemäldes 118
Schön und mysteriös 118
Thema - visuelles Bild - künstlerisches Bild 119
Künstler und Wissenschaftler. Wissenschaftliche und alltägliche Terminologie 121
Thema und Farbe 123
Zwei Pole der Malerei 123
Mit Form zeichnen, mit Farbe schreiben 127
Fünftes Kapitel Erklärbar und sinnlich in der Malerei Über Farbe 128
Die Sprache der Malerei ist eine besondere Sprache der Kunst 128
Farbe ist Singular, Farbe ist Plural. Psychologische Beurteilung der Farbe 129
Was die Farbe bestimmt 130
Gute Tradition 132
Malereitheorie - wissenschaftliche Grundlagen 132
Wort über den Autor 134
Notiz des Malers 136
In der Welt der weisen Gedanken 137
Liste der verwendeten und empfohlenen Literatur 142

Die Erfahrung im Unterrichten von Zeichnen, Malen und Komposition an Kunstinstituten und -schulen zeigt überzeugend, dass die theoretischen Grundlagen dieser Disziplinen, insbesondere der Komposition, noch nicht ausreichend entwickelt sind. Viele Konzepte und Definitionen, die ihrer Lehre zugrunde liegen, werden mehrdeutig interpretiert. Jeder Künstler-Lehrer verlässt sich auf seine persönliche Erfahrung, auf die Erfahrung seiner Lehrer und bringt zwangsläufig ein gewisses Maß an Subjektivität in den Unterricht ein.
Wissenschaftliche Kenntnisse in Mathematik (Geometrie und Perspektive), Physik (Licht und Farbe), Anatomie und Physiologie des Menschen (Aufbau und Funktion von Auge und Gehirn), Psychologie (Farbwahrnehmung und ihre Wirkung auf den Menschen), erworben durch Schüler im allgemeinbildenden Unterricht , ist zu wenig oder gar nicht mit der Ausbildung im Fachgebiet des Künstlers verknüpft.
Bei der Vorbereitung eines Künstlers werden große Hoffnungen auf die natürliche Begabung der Studenten, den Grad der Bewältigung und Bewältigung von Aufgaben in speziellen Fächern gesetzt, aber die Rolle der Entwicklung eines kohärenten Systems wissenschaftlicher Erkenntnisse und einer materialistischen Weltanschauung wird unterschätzt. Wenn ein junger Künstler die Mauern einer Bildungseinrichtung verlässt, erhält er daher keine solide Grundlage im System professioneller und ideologischer Konzepte, was sich negativ auf seine kreative Arbeit auswirkt.